El escritor mexicano organizó nuestros miedos contemporáneos

Cuando Jorge Volpi concluyó su conferencia Terror en la ciudad: sobrevivir en las megaurbes latinoamericanas del siglo XXI, la noche del 5 de noviembre en los espacios caraqueños de Los Galpones, el público aplaudió de manera compacta y cerrada. En una hora y quince minutos, el escritor mexicano organizó en cuatro capítulos las distintas expresiones de los miedos que vivimos en las ciudades del área social y geográfica de mayor inequidad en el mundo De la exclusión social al calentamiento global. Del voraz crecimiento urbano exponencial al surgimiento y consolidación de las llamadas “ciudades Frankenstein”, hechas a retazos de cuerpos inertes. De las reacciones de los gobiernos nacionales y locales ante las catástrofes naturales al surgimiento de nuevas formas de caudillismo del siglo XXI, tanto desde la izquierda como de la derecha. Y mucho, mucho más, referido y articulado por un escritor de vigor y lucidez muy particulares, tanto en el terreno del ensayo como en el campo de la narrativa. Todo esto en el marco de la 9ª Conferencia Anual que organiza la Fundación para la Cultura Urbana, tutelada por la firma financiera Econoinvest. Poco importó que Volpi no cumpliera con la promesa de ofrecer “una reflexión en torno a la relación entre la ciudad y la escritura, revisando las últimas tendencias que engloban la urbe en el quehacer literario”, según rezaba la invitación, porque más que definir los vínculos entre textos y contextos, prefirió asumir la expresión de nuestros miedos y fobias desde la perspectiva de la historia y las emociones. Comenzó de una manera muy personal —la soledad desconcertante de la megaurbe mexicana en abril de 2009, cuando surgió la fiebre AH1N1, la matanza de estudiantes en la Plaza de Tlatelolco, en 1968, año de su nacimiento, el terremoto de 1985 que azotó Ciudad de México— y fue derivando hacia percepciones de ciertas tendencias que aún requieren interpretación. Un discurso integrador que fue ubicando datos, ideas, concepciones y hechos para comprender dónde estamos. El último capítulo de su conferencia intentó responder la pregunta ¿cómo podremos sobrevivir a los terrores de la contemporaneidad? Lo hizo a través de la evolución de Medellín, que pasó de ser la ciudad de la violencia a la ciudad de la convivencia gracias a las políticas sociales y culturales impulsadas desde su gobierno local. Aún hay esperanza. Lo importante es encontrarla.

Un cocinero que recrea los sabores de Lara como experiencia universal

Una generación de cocineros se consolida sobre la base de talento, formación y trabajo. Francisco Abenante, caraqueño afincado en Lara, donde está al frente de Círculo Restaurant desde hace 13 años, acaba de obtener el Tenedor de Oro que anualmente otorga la Academia Venezolana de Gastronomía. Un reconocimiento que han alcanzado profesionales de la talla de Carlos García, Enrique Limardo, Tomás Fernández, Laureant Cantineaux y Víctor Moreno. Su formación en la culinaria francesa, su vinculación con José Rafael Lovera y su participación en la fundación del Centro de Estudios Gastronómicos (Cega) le condujeron a una experimentación muy firme y muy genuina alrededor de los productos larenses, hasta diseñar una propuesta muy personal. Además, esta es la primera vez en que el Tenedor de Oro no se entrega a un cocinero de Caracas. Esta distinción coincidió con el VIII Salón Internacional de Gastronomía, donde desarrolló tres actividades muy definidas. La primera fue un tributo a David Vicente León con la ponencia “Recorrido gastronómico por Venezuela”. Su segunda conferencia versó sobre “Cocina venezolana, pasado y futuro”. La tercera la realizó al lado de Mercedes Oropeza, con quien habló sobre pescados típicos venezolanos, de mar y río, poco conocidos. Un cocinero de mucho brillo que tiene muchos platos innovadores que ofrecer.

Endry Cardeño ejecuta una actuación de alto impacto en "Una casa pa' Maita", de Eduardo Barberena

La nueva edición del encuentro cinematográfico más importante de Venezuela se caracterizó por el regreso exitoso de dos cineastas de trayectoria —César Bolívar y Eduardo Barberena— que acapararon los premios más importantes del V Festival del Cine Venezolano de Mérida con Muerte en alto contraste y Una casa pa’ Maita, respectivamente. Ambos filmes se impusieron con distancia a los otros trabajos en competencia. En otro plano, el reconocimiento a la mejor ópera prima fue para Macuro, la fuerza de un pueblo, de Hernán Jabes. Este fue el año de la producción de la Villa del Cine, pues las tres películas consagradas vienen de la productora del Estado. La discusión de los miembros del jurado —entre los cuales me incluí, al lado de los cineastas Diego Rísquez y Mariana Rondón, el director del Archivo Fílmico de la Cinemateca Nacional, Oscar Garbizu, y el cineasta colombiano Carlos Moreno— fue bastante compleja y sin prejuicios,  hasta llegar a una decisión que pretende recoger los mejores logros de nuestro cine en los últimos doce meses. Pero además apreciamos una amplia diversidad temática de los filmes en concurso —identidad sexual, historia, romance, comedia, policial, luchas sociales, musical urbano, experimentación— con la participación de cineastas de larga trayectoria al lado de ocho óperas primas, lo cual evidencia la vitalidad y crecimiento profesional de nuestra cinematografía. También resaltamos la nueva tendencia del cine comunitario —hecho por la gente de los barrios y las poblaciones al margen de la industria tradicional— que expresa las realidades urbanas y rurales de nuestra sociedad a través de tres largometrajes. Mérida tuvo de todo y fue una fiesta con sorpresas y nuevas tendencias.

Una casa pa’ Maita, de Barberena, obtuvo los reconocimientos como mejor película, mejor guión para Elio Palencia, mejor dirección —compartida con Bolívar en Muerte en alto contraste— y mejor actriz secundaria para Violeta Alemán. Lo que más sorprendió es que el premio a la mejor actuación femenina principal recayó en Endry Cardeño, una actriz colombiana transexual que interpretó de manera conmovedora a Cheila, la muchacha venezolana aprisionada en el cuerpo de un hombre que trata de hipotecar la casa familiar para pagar su operación de cambio de sexo. Se trata de un drama muy sólido basado en la obra teatral de Palencia que expone las miserias de una sociedad acorralada por la intolerancia, el oportunismo y la hipocresía. Además recibió el premio del público que por primera vez coincide con el del jurado. Pocos esperaban que el regreso de Barberena, con dos décadas sin presentarnos un film, fuera tan exitoso.

El otro retorno victorioso fue el de Bolívar con Muerte en alto contrate, un policial muy bien construido en torno a una venganza personal de orígenes políticos. Un joven policía —interpretado por Erich Wildpret, ganador como mejor actor— busca a quienes participaron en una matanza de sus padres en los años ochenta y los caza uno a uno. Con guión de José Antonio Varela y el propio Bolívar, consigue crear una mezcla de suspenso y acción realizada con pericia y profesionalismo. Bolívar tuvo el tino de elegir actores de trayectoria para los papeles secundarios —Juan Manuel La Guardia. Carmen Julia Álvarez, el fallecido Juan Manuel Montesinos, Luigi Sciamanna, Dimas González, Alberto Alifa, Julio Alcázar, entre otros­— y construyó un cuadro de interpretaciones bastante parejo, en el que se incluye el debut de Norelis Rodríguez como actriz. El film obtuvo el Premio Especial del Jurado y ganó también los de montaje, responsabilidad de Julio César Bolívar y Jonathan Pellicer, de dirección —compartido con Barberena— y de fotografía, a cargo de Jhonny Febles. Bolívar demostró madurez y coherencia para un retorno de empuje en su carrera.

Este fue un festivcal sorprendente. Además de Macuro, la fuerza de un pueblo, participaron otras siete óperas primas como Día naranja, de Alejandra Szeplaki, que obtuvo los premios de mejor dirección de arte para Vera Español y mejor música para Camilo Froideval, Libertador Morales, el justiciero, de Efterpi Charalambidis, Son de la calle, de Julio César Bolívar, premio a la mejor cámara, A mí me gusta, de Ralph Kinnerad, Venezzia, de Haik Gazarian, y dos largometraje producidos por las comunidades populares: Que Dios te perdone, de Carlos Eduardo Uzcátegui, de la población merideña de Bailadores, y Volver al pasado, de Yosmar Iztúris, drama sobre la violencia de los barrios de Guatire. Nunca antes habían participado tantas películas priumerizas. Además, estuvo Mafia interna, de Jackson Gutiérrez, nuevo largometraje del autor de Azote de barrio, un fenómeno que circula sólo en DVD entre los buhoneros. Además, Zamora, la nueva película de Román Chalbaud, recibió los galardones de mejor sonido para Josué Saavedra, y de mejor actor de reparto para Julio César Mármol por su interpretación de José Antonio Páez.

El cine venezolano se mueve. No sólo está vivo sino en crecimiento. Ya se perfila que en la próxima edición del Festival de Cine Venezolano de Mérida 2010 habrá más movimientos alrededor de las nuevas películas de cineastas de trayectoria, como Taita Boves, de Luis Alberto Lamata, Un té en La Habana, de Fina torres, y Reverón, de Diego Rísquez, más un número aún no determinado de óperas primas.

Con el nombre de “Leyes para la Libertad” un grupo de organizaciones de la sociedad civil venezolana puso en marcha, hace tres meses, una campaña ciudadana que busca plasmar en una agenda legislativa, el  país que deseamos construir los ciudadanos demócratas de Venezuela. El proyecto resulta particularmente pertinente ahora cuando nos preparamos para la elección de una nueva Asamblea Nacional. La idea es simple. Nuestra visión de país debe expresarse con claridad, en propuestas de leyes y normas que organicen nuestra vida social. Si genuinamente queremos libertad, democracia,  justicia, ello debe quedar plasmado  en los proyectos de leyes que habremos de presentar a la Asamblea en el futuro inmediato. Los candidatos demócratas que compitan por los cargos de representación popular para representarnos en esa Asamblea deben  ser los primeros  abanderados de esos proyectos de leyes.

La campaña  busca animar a los más diversos sectores democráticos de la sociedad venezolana para que participen en este esfuerzo por dibujar nuestra visión de pais, en propuestas de leyes. Foros, talleres, encuentros de todo tipo, pueden servir de base para que los sectores democráticos organicen su pensamiento y lo transformen en propuestas legislativas en los más diversos campos: materia electoral, descentralización, educación, salud etc. Se trata de producir la arquitectura jurídica, legal del nuevo país. 

Este trabajo de la sociedad civil puede ser un complemento muy valioso a los esfuerzos que desde la mesa de la unidad hacen los partidos demócratas venezolanos por ofrecer candidaturas unitarias al país. De esta manera podríamos contar con candidatos únicos, dotados además de una propuesta legislativa coherente, que dibuje una visión de largo plazo.  Ojalá logremos que el mayor número posible de ciudadanos interrogue a los candidatos a la Asamblea sobre sus propuestas  legislativas.

Para  mayor información sobre esta iniciativa, consulten la página: www.leyesparalalibertad. com.

gerver@liderazgoyvision.org

La imagen del teniente coronel proponiendo que la gente se bañe en tres minutos con agua depositada en un balde y con una totuma como ducha, representa  una burda metáfora de ese viaje a las cavernas al que el personaje quiere conducir a los venezolanos, excepto, desde luego, a quienes forman parte de su entorno más inmediato. ¿Será que el comandante se aseó con una totuma en el hotel donde se alojó en su reciente incursión por Venecia, ciudad en la que se tomó unos tragos con su pana Michael Moore? ¿O se habrá hospedado en París en un hotelucho de mala muerte, en el cual ni siquiera agua salía de los grifos? Las reseñas de sus faraónicas e inútiles travesías por el mundo entero nos hablan de suites que le cuestan a la nación miles de dólares o euros, según sea el lugar que decida visitar. En el presupuesto del año 2010 la proyección de gastos de la Presidencia  de la República es el renglón que más crece en términos porcentuales. O sea que el primer magistrado no se verá afectado por los recortes de agua y luz que anuncia para el resto de los mortales. Lo mismo sucede con sus allegados más cercanos. Estos se enriquecen impune e impúdicamente. No conocen ninguna de las carencias que sufren todos los días los compatriotas, a los que ahora el Presidente les pide, sin rubor, que se adapten a vivir sin agua, sin luz, sin seguridad personal, sin seguridad social y sin alimentos.

La totuma y el balde se complementan con su “explicación” de la crisis energética. Resulta que las caídas en el flujo eléctrico se deben a que existen centros comerciales capitalistas, como el Sambil, dedicados a cultivar el consumismo y a derrochar la electricidad. Esto lo dice Chávez después de haber visitado innumerables veces a Moscú, Beijin y Shangai, tres grandes metrópolis donde el crecimiento económico y la prosperidad acelerada de la que han disfrutado, se mide por la cantidad y modernidad de sus centros comerciales y rascacielos, los cuales consumen altas dosis de energía eléctrica. El atraso, incapacidad y negligencia del comandante y sus colaboradores, trata de ocultarlos invocando unos fantasmas de los que ya no se acuerdan ni siquiera sus “hermanos” rusos y chinos. Estos promueven el consumismo del bueno.

Es tanto lo que Chávez habla (y tan escaso lo que realiza), que ni siquiera recuerda el documento que él mismo prologa y que sirve de guía para la construcción del socialismo del siglo XXI. En el pomposo Proyecto Nacional “Simón Bolívar”, Primer Plan Socialista (PPS), Desarrollo Económico y Social de la Nación 2007-2013, se dice que una de los objetivos estratégicos del Gobierno –el VI para mayor precisión- consiste en convertir a Venezuela en una potencia energética mundial. En el Plan se lee: “es necesario fortalecer y desarrollar la ampliación y distribución de la energía hidroeléctrica” (Publicaciones de la Presidencia de la República, p.115). Más adelante se dice: “g. En cuanto a la energía hidroeléctrica, la inversión en conjunto de grandes proyectos aumentará la demanda de energía eléctrica en Guayana,  pero la mayor parte de los nuevos grandes proyectos de desarrollo productivo y transporte  en el mediano y largo plazo, no se ubicarán en esa región sino en otras, con ventajas comparativas, como el eje Norte llanero” (ídem. P. 118).

En teoría, por lo tanto, el Gobierno había previsto que el consumo de energía eléctrica se elevaría en el sextenio, debido al crecimiento sostenido de la economía y al aumento de la demanda que ese crecimiento provocaría. Tal es el grado de previsión contemplado en el plan, que Venezuela se transformaría en una potencia energética mundial, nada más ni nada menos. Pero esta previsión no le ha servido para un cuerno al Presidente. Como muchos de sus proyectos, entre ellos el de recoger los Niños de la Patria y dignificar los damnificados del estado Vargas, el plan energético también se tornó en quimera.

La insondable incapacidad del Gobierno para ejecutar proyectos con eficiencia, impidió que se realizaran las inversiones que habrían impedido que nos encontremos al borde de un colapso energético y de una severa crisis en el suministro de agua. El comandante no escuchó los consejos de los expertos, propios y ajenos, que desde hace años insisten en la urgente necesidad de incrementar la capacidad eléctrica de la nación y la capacidad de almacenamiento de agua. En 11 años el gobierno solo ha construido una represa. Ahora se ve con la soga al cuello y decide  extenderle el lazo a la totalidad de los venezolanos. Los apagones ya son de rutina en todas las regiones del país. Ello nada tienen que ver ni con el fenómeno del Niño, ni con la moderada elevación de la demanda, producto del crecimiento económico registrado entre 2004 y el primer semestre de 2008.

El agua no llega a los hogares venezolanos porque el Niño se haya puesto más bravo que en años anteriores, sino porque la incuria del gobierno revolucionario es de tal magnitud, que nunca ejecutó las medidas que el fenómeno meteorológico exigía. Esto resulta imperdonable tratándose de un gobierno que pretende edificar el socialismo del siglo XXI.

El Primer Plan Socialista ha terminado siendo un plan para que la gente se bañe con totuma y se alumbre con velas. En esto se ha convertido esa revolución energética que busca colocar al país como potencia planetaria.

Hola amigos en Venezuela y el mundo. Bienvenidos a Ideas de Babel.

En esta nueva edición nos ocupamos de  seis películas, una más importante que la otra. Entre ellas tenemos las de tres autores fundamentales: Bastardos sin gloria, de Quentin Tarantino, Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar y Fados, de Carlos Saura. Pero también nos referimos a una excelente ópera prima: Sector 9, del surafricano Neill Blomkamp. Y destacamos de manera muy especial los estrenos venezolanos Un lugar lejano, nueva película de José Ramón Nóvoa, y Día naranja, de Alejandra Szeplaki,

En el terreno de las letras estamos entre viajeros, porque escribimos sobre Viajeros de Indias, el primero y más polémico ensayo de Francisco Herrera Luque, que regresa al mercado editorial venezolano después de casi 20 años,  y sobre El viajero del siglo, hermosa novela del argentino Andrés Neuman que ganó el premio Alfaguara de este año.

Celebramos la nueva edición del Salón Internacional de Gastronomía de Caracas, con grandes nombres de la culinaria internacional y venezolana, y compartimos con ustedes la sección Crónica (no complaciente) de los restaurantes de Caracas, según el sitio web Analítica Premium, una columna que hacía falta.

Saludamos el nuevo montaje en el Aula Magna de la UCV de Las Leandras, célebre zarzuela con música de Francisco Alonso y libreto de Emilio González del Castillo y José Muñoz Román, gracias a la Compañía Nacional de Ópera Alfredo Sadel.

Publicamos las palabras que pronunció, el pasado 15 de octubre, el científico Luis M. Carbonell, a la hora de inaugurar el auditorio que lleva su nombre del Centro de Microbiología y Biología Celular del Instituto Venezolano de investigaciones Científicas, IVIC. No tiene desperdicio en relación con el estado de la ciencia en Venezuela.  El sociólogo Trino Márquez se pregunta qué le quita el sueño al caudillo Chávez, mientras el educador Efrén Rodríguez Toro quiere saber qué sabe y en qué cree el ministro de Educación. Compartimos con ustedes un texto del respetado crítico e investigador teatral Leonardo Azparren Giménez sobre el lamentable estado del teatro en Venezuela. El economista Gerver Torres escribe sobre la inseguridad personal en nuestro país en el contexto internacional y, en otro artículo, se pregunta cuán nuevo es el Hombre Nuevo de Cuba que cada vez más se identifica más con el viejo capitalismo. Alician Freilich escribe sobre César Miguel Rondón, a propósito de su nuevo libro, y también recuerda la ética del maestro Moisés Moleiro. Y desde París Edgar Cherubini evoca la figura y obra de Denise René, célebre galerista francesa del siglo pasado.

Para finalizar publicamos El contorno del ojo, un viejo relato inédito del narrador chileno Roberto Bolaño que tomamos de la página http://60watts.net, autora del hallazgo, en su dossier especial sobre el escritor chileno.

Que la disfruten.

Alfonso

Marcela Kloosterboer y Erich Wildpret construyen el centro dramático de "Un lugar lejano" de José R. Nóvoa

Cuando la muerte se anuncia comienza otra etapa de la vida. El tiempo de la verdad, de la comprensión, de la aceptación. Muchas cosas pierden el valor que tuvieron y otras adquieren una riqueza no sospechada. De alguna manera no muy bien definida es más fácil reconocer lo importante sobre lo superfluo. En el caso de Un lugar lejano, nuevo film del realizador venezolano de origen uruguayo José Ramón Nóvoa, lo que siente Julián Palacios, ante el cáncer irremediable que le han anunciado, se acerca a la necesidad de entender el porqué de las cosas que suceden o están por suceder. Fotógrafo venezolano reconocido en Europa, decide regresar en el tiempo y el espacio para buscar la foto que nunca hizo, allí, en algún lugar lejano, que por paradoja lo ubica en algún espacio más cercano al corazón, con personas y situaciones que abren nuevos caminos. Una película muy hermosa sobre esa etapa distinta de la vida.

Un lugar lejano constituye un giro notable en la filmografía de Nóvoa —Agonía (1985), Sicario (1995), Garimpeiros (1999) y El don (2006)— y propone una ruta más íntima, menos colectiva y más poética, en torno al viaje personal hacia sí mismo. Julián Palacios (muy bien interpretado por Erich Wildprett) regresa de Galicia, apenas pisa Caracas, descubre la foto de un tren en un paisaje remoto y se marcha a la Patagonia, allá en el sur del continente, casi en el fin del mundo, en busca de esa imagen que se convierte en obsesión. Un hombre trastornado que se aventura a transitar por donde los mismos lugareños no se atreven. ¿Qué importa el peligro cuando la muerte es cierta? Nieve, frío, soledad, silencio. Hasta que Julián vive un accidente del que es rescatado y protegido por María (la excelente Marcela Kloosterboer), una chica solitaria que vive en la montaña tras la muerte de sus padres. Ambos inician una relación de convivencia que deriva en supervivencia emocional. El buscador de imágenes, en tránsito hacia la muerte, encuentra este ángel guardián en su ruta en pos de la foto del tren a ninguna parte. Ahora puede seguir su camino.

Este giro de temática y estilo en la obra de Nóvoa se revela no sólo sorprendente sino sobre todo pleno de sugerencias y significados. Distante del cine de acción y de carácter social que ha caracterizado a su autor, Un lugar lejano evidencia un manejo acertado de un estilo de narrativa que evade los lugares comunes para hablar de asuntos muy humanos e irreversibles. Desconozco la novela de Fernando Butazzoni sobre la cual se inspiró el guión, con la participación del propio escritor uruguayo, pero advierto en el tratamiento cinematográfico un particular tono de comprensión, una suerte de mirada ante el espejo que intenta saldar cuentas consigo mismo. Esa óptica exige un ritmo determinado, preciso, que rehúsa los facilismos comerciales y establece su propio tiempo. Un trabajo de filigrana que se desenvuelve en detalles, en momentos, en miradas, en palabras. En sugerencias más que en hechos. En esta elaboración, el trabajo fotográfico de Oscar Pérez, el montaje de Jerry Zottola y la música de Osvaldo Montes conforman la corporeidad de una creación muy particular.

Aunque Julián y María son los personajes centrales del relato, a sus costados se erige un universo humano que se desplaza desde la amistad y la comprensión —el amigo Roque, los médicos, la galerista— hasta la solidaridad y la atención —los encargados del hotel, los lugareños— en un recorrido de rostros y miradas de distinta índole. Este es uno de los rasgos fundamentales del film, en la medida en que los seres humanos determinan el curso de los acontecimientos. Y allí intervienen de manera breve pero efectiva las labores interpretativas de  Tristán Ulloa, Elba Escobar, Alberto Alifa, Basilio Alvarez, Mirela Mendoza, Rosalinda Serfati, Isabel Novoa, Juan Villegas y Rosa Valsecchi Pero, en definitiva, el fotógrafo y la muchacha —Wilprett y Kloosterboer— crean su propio espacio, su microcosmos, su amor sin tiempo ni espacio.

Un lugar lejano es una de las películas más sugerentes y poéticas del cine que ha surgido de la cooperación iberoamericana en los últimos años. Es el tipo de producción que se alimenta de los aportes múltiples de tres países —Argentina, España y Venezuela en este caso— para ofrecer visiones más amplias, más genuinas y más certeras de nuestras vidas.

UN LUGAR LEJANO, Argentina, España y Venezuela, 2009. Dirección: José  Ramón Nóvoa. Guión: Fernando Butazzoni y Jose R. Nóvoa, sobre la novela del primero. Producción: Elia Schneider, José R. Nóvoa, Fernando Sokolowicz y Stefan Schmitz. Fotografía y cámara: Oscar Pérez. Directora de Arte: Edna Fernández Chajud y Maitena de Elguezabal. Sonido: Guillermo Palacios. Música: Oswaldo Montes. Montaje: Jerry Zottola. Elenco: Marcela Kloosterboer, Erich Wildpret, Tristán Ulloa, Elba Escobar, Alberto Alifa, Basilio Álvarez, Rosalinda Serfati, Mirela Mendoza, Isabel Nóvoa, Juan Villegas y Rosa Valsecchi, entre otros. Distribución: Cines Unidos.

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Es la ganadora del Premio Alfaguara de este año

El más reciente premio Alfaguara de novela se edifica sobre una propuesta que trasciende los límites del tiempo y del espacio. El viajero del siglo, del narrador, ensayista y poeta argentino Andrés Neuman, es una obra fantasiosa sobre un mundo inexistente pero atrapado en un período de la historia —la Restauración europea en el siglo XIX— y en un espacio demasiado amplio —en la ficticia Wanderburgo, Alemania, entre Sajonia y Prusia, en cualquier lugar— que permite el desarrollo de un romance entre Hans, un traductor viajero y misterioso que representa el universo exterior que ha sido transformado por la historia, y Sophie, la bella, encantadora y anticonvencional hija del señor Gottlieb, emblema del conservadurismo de la ciudad. Ambos constituyen el punto de partida de un relato que expresa la trascendencia de las ideas y las motivaciones íntimas o colectivas para los grandes cambios de la humanidad. Una novela ingeniosa, prolija, muy sensual, sobre una relación condenada desde el principio y sobre un tiempo que se desdibuja en la memoria.

Nunca había leído a Neuman, lo confieso, Para mí fue una sorpresa descubrir una narración tan precisa, casi quisquillosa, en este bonaerense de apenas 32 años —afincado en Granada desde 1991— que ha publicado las novelas Bariloche (Anagrama, Barcelona, 1998), La vida en las ventanas (Espasa Calpe, Madrid, 2002) y Una vez Argentina (Anagrama, Barcelona, 2003) además de varios volúmenes de cuentos, poesía y ensayo. No podría llamarlo un “nuevo escritor”, por lo tanto, sino un más bien un escritor que encuentra su punto de madurez en edad temprana.

El viajero del siglo se construye sobre el eje definido por la llegada y estancia de Hans en Wanderburgo, un lugar móvil y huidizo a donde los forasteros llegan sin poder marcharse. A su vera se incorporan primero el organillero y su caniche, como cálida bienvenida a ese espacio desconocido, pero luego irán subiéndose al tren de la novela el señor y la señora Zeit, su hija adolescente, el señor Gottlieb y su hija Sophie, el señor Mietter, el matrimonio Levin, la viuda Pietzine, el español Álvaro de Urquijo y el prometido de Sophie, Rudi Wilderhaus. El epicentro cognitivo es la mansión de los Gottlieb, donde cada viernes se realiza una velada intelectual, aunque buena parte de la trama se desdobla en la pensión donde duerme y ama Hans, en las riberas donde mora el organillero y en las tabernas frecuentadas por el traductor y el vasco-andaluz Álvaro que tampoco sabe por qué se ha quedado tanto tiempo en la ciudad. Se trata de una narración muy bien edificada, con un equilibrio poco usual, que justifica las quinientas y tantas páginas. No es lectura fácil pero sí muy gratificadora.

El nervio central de la narración se construye sobre la base del amor clandestino de Hans y Sophie, sus encuentros sexuales, sus complicidades literarias, sus pequeñas rebeliones, sus secretos atesorados. A los costados de esa relación se dibuja la vida de una ciudad agobiada por su incapacidad de cambiar y por sus prejuicios. El aislamiento ante la Europa del conocimiento se manifiesta en las soirées de los viernes, más atentas a las buenas maneras que a la vigencia de las ideas. Ese variopinto cuadro de personajes expresa la parálisis del pensamiento. En cambio, los encuentros eróticos y literarios de Hans y Sophie enarbolan las banderas de la trasgresión. La traducción revela su carácter de creación propia y de puente entre dos lenguas, es decir, entre dos mundos. Traducir es crear y crear es traspasar los límites de los aceptado.

He leído que la obra de Neuman aborda una historia del siglo XIX desde la perspectiva narrativa del siglo XXI, lo cual puede ser cierto pero no sé si es relevante para las posibilidades de la novela. Me parece difícil establecer las pretendidas relaciones entre la Europa del ochocientos y la de este inicio de milenio desde la plataforma de El viajero del siglo, más allá de las simbologías obvias del laberinto, de la alteridad, de lo no aceptado, que ha afectado no sólo a Europa sino al planeta entero en sus múltiples manifestaciones en los últimos 300 años.

Prefiero pensar que Neuman ha narrado un conflicto universal, si se quiere atemporal, pero sobre todo muy transformador, que retoma viejos problemas y conductas que no han dejado de azotarnos o liberarnos. En todo caso, acepto las palabras de Luis Goytisolo, Ana Clavel, Carlos Franz, Juan González, Julio Ortega y Gonzalo Suárez, miembros del jurado del premio Alfaguara 2009, que han destacado “la ambición literaria y la calidad de una novela que recupera un aliento de la narrativa del siglo XIX escrita con una visión actual y espléndidamente ambientada en la Alemania post napoleónica”.

EL VIAJERO DEL SIGLO. Andrés Neuman. Premio Alfaguara 2009. Distribuidora y Editora Aguilar, Altea, Taurus, Alfaguara, Bogotá, 2009.  531 páginas.

El teniente coronel se angustia porque a Manuel Zelaya no lo dejan salir de la embajada de Brasil en Honduras, ni reasumir la presidencia de esa pequeña nación, la verdadera nueva Esparta de comienzos del siglo XXI. Le preocupa la situación económica de la isla tiranizada por los hermanos Castro. Le mortifican las revueltas en Bolivia contra el inepto Evo Morales. Se inquieta por las jornadas de protesta contra Rafael Correa, versión moderna de Tartufo. Se devana los sesos para ver cómo asegura la continuidad en el poder de Daniel Ortega, hasta ahora impune por los delitos perpetrados contra su hijastra (debería toparse con el mismo juez que pescó a  Román Polanski). Se alarma porque a Obama la Academia Sueca le concedió el Nóbel de la Paz. Se impacienta por la presión internacional en contra de Ahmadinejad y de Kim Jon Il, dos angelitos que solo pretenden construir la bomba atómica y así asegurar la paz mundial. En fin, se desvela por la suerte de sus  socios en todo el planeta.

Allí donde se encuentre un secuaz en una posición complicada, estará el comandante para expresarle su solidaridad activa con un discurso o con una transferencia de petrodólares para que compren ambulancias, equipen escuelas y hospitales o confisquen una elección importante. Sin embargo, no le quitan el sueño la precaria situación de los millones de venezolanos que no cuentan con un hospital a dónde ir, que tienen que resolver sus necesidades sanitarias con menos de dos litros de agua al día, que han perdido sus neveras y sus escasos alimentos porque el fluido eléctrico se interrumpe  cada dos horas, o que son víctimas del hampa en medio de la orgía de sangre que los delincuentes desataron hace varios años. Al presidente de los venezolanos no le interesa resolver ninguno de los graves problemas que padece la gente. Lo peor del caso es que no los soluciona él, e impide que las autoridades que no le son afectas los remedien.

Los cuellos de botella que se han creado recientemente con el suministro de agua y el servicio eléctrico revelan un gobierno cínico y desvergonzado. Los funcionarios gubernamentales se refieren a las fallas en esos dos servicios como si quienes están al frente del gobierno hubiesen llegado a Miraflores hace un mes. Resulta que tienen más de diez años administrando los recursos del país. La crisis eléctrica y la escasez de agua han sido ampliamente diagnosticadas por abundantes estudios. Se han propuesto planes y se han estimado con precisión matemática las inversiones que deben realizarse. El Colegio de Ingenieros en numerosas oportunidades ha destacado la necesidad de ampliar la capacidad de las plantas generadores de energía eléctrica. Especialistas en hidrología han subrayado la urgencia de diversificar la búsqueda de fuentes de suministro de agua y de adelantar una campaña publicitaria que eduque al pueblo acerca de la conveniencia de usar racionalmente el precioso líquido, crear tarifas diferenciales por sectores, y sancionar con multas severas a los grupos o personas que lo malgasten. Ninguno de los proyectos sensatos que se han presentado  ha sido instrumentado. El comandante trata de ocultarse tras el burladero de los 40 años que le precedieron. Su incapacidad e impudencia es absoluta.

Las fallas de agua y electricidad son graves, pero donde la desidia del gobierno resulta más irritante y funesta es en la seguridad personal. Aquí se vive un verdadero drama. Ciudad Gótica luce como el Paraíso Terrenal al lado de Caracas. Una nueva clase de delito ha aparecido: el secuestro y robo de edificios completos. Algo nunca visto. Esta categoría viene a sumarse al secuestro express, que se ha multiplicado por mil desde que Chávez asumió la presidencia, y a las modalidades más tradicionales de extorsión y chantaje  practicadas por el hampa desde tiempos inmemoriales. Hasta las mascotas que sirven de compañía a los ancianos y a los niños son objeto de robo para luego exigir rescate por ellos.

La industria del crimen prospera a una velocidad de vértigo. Ninguna actividad económica crece y se diversifica tanto como ella.  La delincuencia mantiene sitiada a los ciudadanos de Caracas, Maracaibo, San Cristóbal y todas las capitales importantes del país. ¿Qué hace Chávez frente a este inmenso drama? Nada importante. No decreta el estado de emergencia para encarar el desbordamiento del hampa. No depura los cuerpos policiales, en buena medida cómplices de los delincuentes, cuando no sujetos activos. No convoca a las autoridades regionales para enfrentar conjuntamente con el Gobierno Nacional el estado de sitio. No invita a los ciudadanos, ni siquiera a sus partidarios, a organizarse con apoyo de los cuerpos de seguridad del Estado para repeler a los hampones. Se limita a ignorar el problema y a trivializarlo; a decir que los medios de comunicación de la oligarquía y la “oposición golpista” magnifican la delincuencia y la criminalidad con el fin de desestabilizar su Gobierno.

Esta vanalización del mal, como diría Hannah Arendt, se explica porque el comandante y sus secuaces se mueven rodeados de anillos de seguridad que los preservan de cualquier ataque o emboscada del hampa. Tengo la certeza de que entre la delincuencia y el Gobierno existe una alianza tácita: aquella genera el clima de incertidumbre y terror que el Gobierno requiere para  mantener a la ciudadanía silenciada y  paralizada. Este cálculo les ha fallado con los estudiantes y con los obreros de Guayana, y fracasará con otros sectores.

En Venezuela no se encuentran los problemas que le quitan el sueño al comandante.

Parece una película de guerra, pero no lo es. Tiene aire de spaghetti western pero echo en falta a Sergio Leone. ¿Cine negro? Lo más probable. A ratos semeja una película de gángsteres y podría serlo. Bastardos sin gloria puede ser todo eso, para satisfacción de muchos, pero es algo más. El nuevo film de Quentin Tarantino es un homenaje al cine de la serie B, al exceso estético con escaso presupuesto, a las historias de acción que se burlan de sí mismas con sonrisa irónica. Está inspirado en Aquel maldito tren blindado, film del italiano Enzo Castellari que data de 1978.  Pero sobre todo es un canto a la irrealidad que trasciende los límites de la historia. No hay muro de contención posible. El cine es capaz de cambiar la historia. Tarantino hizo lo que la Operación Valkiria no pudo. Creo que es lo mejor que ha hecho desde Reservoir dogs, en 1992. Eso sí, es cine fantástico.

Fue concebida como una fábula —comienza con “Érase una vez en la segunda guerra mundial…”— que avanza como un relato de venganza y locura a través de cinco capítulos que albergan tres líneas narrativas unidas por un mimo personaje: el implacable y políglota Hans Landa, jefe de seguridad de la SS durante la ocupación nazi de Francia. Es el hombre que une todas las tramas —porque son varias— y todos los odios hasta conformar un tejido dramático inverosímil pero muy entretenido en el que se encuentran y combaten alemanes, franceses, norteamericanos e ingleses. En dos horas y 34 minutos Landa despliega todos los trucos de una inteligencia malévola que se abre paso con crueldad y eficiencia.

La primera línea argumental une a Landa con Soshana Dreyfus, cuando Hans Landa —el magnífico Christoph Waltz— interroga en cordial francés a un campesino cristiano, monsieur La Padite, para ubicar a los últimos judíos del pueblo, a sabiendas de que los Dreyfus están escondidos en el sótano de la casa. Tanta amabilidad es el preámbulo de una masacre a la que escapa, por voluntad del propio Manda, una adolescente llamada Soshana —muy bien trabajada por Mélanie Laurent—, quien luego tendrá un rol importante en la trama, como dueña de una sala de cine de París donde se estrenará una película nazi. Esta secuencia inicial marca el tono narrativo de la película.

La segunda línea argumental presenta a Aldo Raine —con el cada vez más camaleónico Brat Pitt—, llamado el Apache, líder de los Bastardos, un comando de soldados norteamericanos judíos cuya misión es aniquilar nazis donde quiera que estén y cortarles el cuero cabelludo, como los apaches en los westerns de antaño. En un homenaje a Siete hombres y un destino y a Doce del patíbulo, Tarantino destaca especialmente a Donny Donowitz, conocido como el Oso Judío —interpretado por Eli Roth— y reconocido como el especialista en romperles la cabeza a los nazis con un bate de béisbol, y a Hugo Stigliz, un muchacho alemán judío que se enrola en las fuerzas de los aliados —protagonizado por Til Schweigwe— capaz de cualquier cosa por ver manar la sangre nazi. La verdad es que conforman una partida de asesinos que disfrutan su trabajo, más allá de consideraciones ideológicas, religiosas o patrióticas. A los Bastardos de Aldo no les importa la gloria.

La tercera línea argumental expone la participación de la célebre actriz de cine alemán Bridget Von Hammersmark —la siempre encantadora Diane Krueger— en las acciones de la resistencia antinazi en Francia y organizadora de un estreno cinematográfico en París, propiciado por Goebbels y  protagonizado por Frederick Zoller —con el rostro de Daniel Brühl, el mismo de Good bye Lenin—, un joven oficial alemán que dio muerte en la realidad a más de 300 soldados aliados. Es decir, el cine copia a la vida y se convierte en propaganda. A esa première acudirá el alto mando del Tercer Reich, incluido en mismísimo Adolf Hitler.

Los tres hilos narrativos se van articulando alrededor de la fecha del estreno e intervienen Hans Landa, Shosanna Dreyfus, Aldo Raine, Bridget Von Hammersmark y Frederick Zoller, entre otros, para ejecutar —o impedir— el atentado que acabará con Hitler y el alto mando militar nazi, es decir, que concluirá la segunda guerra mundial esa misma noche. Como trenes que marchan imparables a una misma estación, las tres líneas dramáticas van a un encuentro que tiene que ser explosivo. Aquel cine de París, como en cualquier première de Hollywood, viste el oropel del lujo y la fama, pero detrás se encuentran las artimañas de Landa para enfrentar a los bastardos de Aldo.

Todos sabemos que eso no ocurrió en la historia, que no hubo tal estreno y mucho menos un atentado y nadie olvida que Hitler resistiría hasta el final en su bunker de Berlín. Pero eso no importa. Tarantino no quiso hacer una película histórica sino una gran comic de acción con esa guerra como trasfondo. Ningún personaje es verosímil, ni siquiera parcialmente. Lo esencial en Bastardos sin gloria es un homenaje al cine desde distintas ópticas y a través de las claves básicas de determinados géneros. Es un gran divertimento fílmico que se burla de la historia y del propio cine serio. Y algo muy importante: está hablada en inglés, alemán, francés e incluso, en unas frases en italiano. Tarantino volvió a cometer una travesura.

BASTARDOS SIN GLORIA (“Inglourious Basterds”) EE UU y Alemania, 2009. Dirección y guión: Quentin Tarantino. Producción: Lawrence Bender. Fotografía: Bob Richardson. Montaje: Sally Menke. Elenco: Brad Pitt , Diane Kruger, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Eli Roth, B.J. Novak y Til Schweigwe. Distribución: The Walt Disney Company.

A 18 años de su muerte, el autor sigue estando vigente

De toda la producción editorial de Francisco Herrera Luque, el título que más polémica ha generado es Viajeros de Indias, publicado originalmente en 1961, en torno a la carga genética que los europeos dejaron en América y en particular en Venezuela, y que no ha dejado de  intervenir de manera decisiva en nuestras conductas como nación y como ciudadanos. Planteamiento polémico desde la perspectiva de la sociología que el psiquiatra venezolano argumentó desde su óptica científica. “Los viajeros de Indias fueron mucho más que un aporte biológico indeseable transmitido a lo largo de doce generaciones; ellos fueron la primera conciencia occidental de América y los forjadores de un mundo que despertó y creció en sus manos”. Lo cierto es que Viajeros de Indias ha sido reeditado en varias oportunidades y ahora está de vuelta, después de casi 20 años fuera del mercado editorial, en la Biblioteca Herrera Luque, publicada bajo el sello Alfaguara, que incluye también sus novelas históricas En la casa del pez que escupe el agua y La luna de Fausto, además del primer volumen de La historia fabulada.

Cuando Herrera Luque murió en 1991, había confeccionado una de las trayectorias más extensas y particulares de nuestro universo literario, tanto en el campo del ensayo como en el terreno de la narrativa. En ambas vertientes expuso sus visiones con las herramientas de la psiquiatría pero también con las luces de la historia, una suerte de tentación intelectual que lo condujo a publicar en 1969 La huella perenne, un ensayo que planteó la validez científica de los conceptos asociados a las personalidades psicopáticas, y Personalidades psicopáticas, también el mismo año, con el cual pretendió defender el cambio evolutivo de los caracteres a través de las generaciones. Luego inició su camino más conocido y celebrado con sus novelas históricas como Boves, el urogallo (1972), En la casa del pez que escupe el agua (1975), Los amos del valle (1979), La luna de Fausto (1982) y Manuel Piar, caudillo de dos colores (1987), piezas fundamentales en la comprensión del proceso de la colonia y la independencia del imperio español y de la construcción de una nación a través de sus diferencias y hegemonías sociales. Siguieron las tres series de La historia fabulada y Bolívar de Carne y Hueso y otros Ensayos (1983). El año de su muerte publicó Los cuatro reyes de la baraja. De manera póstuma se editaron 1998 (1992), Bolívar en vivo (1997) y El vuelo del alcatraz (2001).

En Viajeros de Indias, sin recurrir a falacias o a conjeturas de tipo racistas, Herrera Luque expone, en más de 300 páginas, un estudio completo con datos estadísticos, comparaciones por lugares y décadas y elementos claves —como la criminalidad, la inseguridad y la corrupción— que pretende explicar cómo los venezolanos heredamos una gran sobrecarga psicopática que hoy en día justifican lo que somos. “Los inmigrantes europeos que descubrieron y conquistaron América no eran precisamente héroes; eran inmigrantes con desórdenes psicológicos, cargados con el peso de las guerras de sus propios países, obsesivos y susceptibles.” Muchos expertos, aun con las diferencias que puedan tener con la postura de Herrera Luque, aseguran que la vigencia de Viajeros de Indias es innegable: este ensayo denuncia, con criterio y precisión, una realidad de la que no escapamos los venezolanos del siglo XXI. Viajeros de Indias encara con una pasión compulsiva el realismo de la criminalidad y la corrupción en el país. Es un libro que vale la pena releer o descubrir por primera vez.

Aunque es popular por sus nombres de pila, imposible obviar los apellidos Rondón y Tejeda que legaron su bonhomía solidaria de militantes demócratas desterrados en la década de los cincuentas. Su tía, una profesional que honra la historia de  nuestro  periodismo, Ana Luisa Llovera (la clandestina “Garúa”,7 meses en cárcel y 9 años en destierro) casi desconocida  por los jóvenes, fue quizá el modelo inconsciente que junto a su dura vivencia de nacido en el exilio, lo llevaron a construirse como el comunicador por excelencia de las nuevas generaciones libertarias. Radio, televisión, música, literatura, cine, telenovela, presentación de eventos especiales, lector, estudioso de la filosofía, oyente, publicista, crítico, investigador, familiero como pocos, y hasta salsero….

Su volumen Ellos que se conocen tanto (Ediciones B, Caracas, septiembre  2009) ya agotó la abundante  primera edición. El texto trasciende la superficie deliciosa del escrito que traslada entrevistas radiales emitidas algunos viernes por Unión Radio. Más allá de los personajes conocidos por su labor en distintas áreas del quehacer  actual, sus chistes, chismes, anécdotas y toda clase de emociones, esta recopilación de encuentro verbal público entre compañeros, parejas  y panas, sincronizados por la muy hábil  conducción de CMR, muestra hasta qué punto el venezolano tradicional  es  naturalmente adicto al vínculo de la amistad obviando roces y diferencias.

Se sabe que aún en el más sano y auténtico amor erótico de pareja, prevalece la pulsión del dominio, de la posesión integral. Reflejados en el lenguaje amoroso íntimo lleno del yo, me, eres mío, soy tuya y sinónimos. Relación delicada, frágil, amor que sólo persiste cuando el egoísmo revierte en generoso coparticipar de amigos equivalentes.

En cambio, de entrada, la amistad es un impulso amoroso confiable, de goce y dolor compartidos sin doblez, oportunismo ni factura. Su clave es confrontar verdades con el  perdón automático que implica comprenderse con, desde, por y para el otro.

En este momento nacional, la forma de consagrada amistad tan venezolana que refleja este libro, cuyo autor conoce muy bien el tema, luce a  prueba de fuego. Amigarse, en todo sentido, es receta urgente para enfrentar la destructiva  locura oficial y así volver a  la civilidad perdida recordando que el ejercicio político proyecta en colectivo la suma de cada condición humana individual y no al revés.

El inglés Heston Blumenthal será una de las estrellas del SIG 2009

Ya forma parte de la tradición. Cuando comienza a finalizar cada año, como ahora, abre sus puertas un encuentro de apenas cuatro días que nos permite ponernos al día con las más recientes propuestas de la gastronomía de nuestros rincones o reafirmar tendencias que han ido consolidándose en el mundo. Todo es global… pero también específico. Por eso el lema central de la octava edición del Salón Internacional de Gastronomía se denomina Vecindad y lejanía. Tan lejos y tan cerca, como diría Win Wenders. Degustaciones, conferencias, personalidades locales e internacionales, foros, encuentros profesionales, presentaciones de nuevos productos, más de un centenar de expositores, mucha, mucha, muchísima gente y el gran entusiasmo que despierta la sensualidad. El SIG se celebrará (pocas veces un verbo está mejor usado) del 5 al 8 de noviembre en la zona rental (CIEC) de la Universidad Metropolitana. Pero no nos llamemos a engaño: la máxima atracción este año será la presentación del cocinero inglés Heston Blumenthal, tres estrellas Michelin, dueño y señor de The Fat Duck, en Londres, para muchos el mejor restaurante del planeta. Estamos hablando de los grandes ligas de los fogones y las alquimias.

Pero el chef vanguardista que ha marcado nuevas pautas y que, además, ha renovado —y reivindicado, aunque parezca mentira— la cocina inglesa no es la única estrella que viene. También de Londres viajará hasta nosotros Vineet Bhatia, un dos estrellas Michelin que oficia en su local Rasoi, quien ofrecerá los aromas y sabores de la cocina de India con una propuesta que se desplaza de las tradiciones a la vanguardia. De este lado del mundo vendrá el sorprendente cocinero mexicano Enrique Olvera, otro trasgresor de las tradiciones que termina respetándolas, quien desde su restaurante Pujol ha labrado un prestigio notable, a juzgar por la crítica especializada. De Italia llegará una propuesta mediterránea refinada y cosmopolita, gracias a Davide d’Arcamo, jefe de cocina del Pegaso, en Palermo. Desde luego, no podrá faltar la enóloga María Isabel Mijares, dama de los caldos, quien oficiará una cata de finos, manzanillas, amontillados, olorosos, pale cream y pedro ximénez, es decir, las delicias de Jerez.  Y en la encrucijada entre Oriente y Occidente aparece Hajime Kasuga, ched peruano de origen japonés que conduce los fogones de Hanzo y figura de relieve en el universo de la gastronomía en Perú. Todos ellos forman parte de la lejanía.

En el capítulo de la vecindad, es decir, la culinaria local —que promete ser muy rica— habrá un paréntesis muy amplio alrededor de Francisco Abenante, flamante nuevo Tenedor de Oro 2009, distinción muy especial que otorga anualmente la Academia Venezolana de Gastronomía. Abenante, al frente de El Círculo en Barquisimeto, ha elaborado una interpretación de la gastronomía larense a partir de su excelente materia prima con tratamientos de avanzada. Por primera vez un cocinero de la provincia se alza con esta distinción. Muy merecida, por lo demás. También participará Elías Murciano, cocinero venezolano pupilo del maestro vasco Martín Berasategui, que destacó en su local madrileño Citro, muy bien alabado por comensales y crítica, quien está de vuelta al país como jefe de la cocina de Le Gourmet en el Tamanaco. Los otros nombres reconocidos de nuestra cocina son Mercedes Oropeza y José Luis Álvarez, con su gastronomía criolla en miniatura,  y los muy respetados Helena Ibarra, Víctor Moreno, Sumito Estévez, Carlos García, Nelson Méndez y Mauricio García. Una representación muy sustantiva de lo que se hace en Venezuela.

El High Training Educational Institute disertará sobre “Las sartenes importadas de la sazón criolla: cómo la cocina francesa se posesionó del paladar venezolano”, dirigida por Javier Camacho y Luisa Coronil, quienes comentarán la  influencia de la culinaria gala en los fogones venezolanos. Un poco más allá, David Garrido Michalczuk, cofundador y director ejecutivo del HTEI, ofrecerá su taller “Degustación de Especias. Seducción que cautiva los sentidos”, donde los participantes se sentirán entre el agasajo y el éxtasis del enebro alemán y francés, el macis y azafrán españoles, la nuez moscada del estado Sucre, el onoto y el estragón, así como el eneldo, el hinojo y el anís dulce.

Para que los bombones formen parte de la carta de un restaurante, Wendoly López propone técnicas de vanguardia y sabores más arriesgados para que, en contra de todo pronóstico por las condiciones de un restaurante, los bombones, aunque en versiones un tanto novedosas, también rematen una buena comilona en un restaurante. “Voy a trabajar con postres clásicos de nuestra repostería venezolana y adaptarlos al formato del bombón”, promete la pastelera. Federico Tischler mostrará junto a Esperanza Calviño (dueña de Finca Agua Miel) la gran variedad de hierbas, lechugas y vegetales poco conocidos y su uso dentro de platos elaborados que podrían estar a la mano de cualquier propuesta de restauración. Hará una receta donde quedará claro la utilización de las hierbas y muchos vegetales como protagonistas en un plato que puede traer a la mente un campo: “sopa de queso telita con recuerdos de la huerta”.

El ítalo venezolano Reison Frioni aporta gustos propios de su tradición de origen. Una alianza ya tan enraizada como lo es el matrimonio de Italia y Venezuela, lista su menú: lomos de cataco con peperonata criolla, pasta casera de yuca y ahuyama y salsa de huevas de lisa y lasagna de cazón criollo. Los sabores de Italia siempre han sido bien digeridos en la mesa venezolana. Con la Casserole du chef Margarita se incorporará al menú. Mauricio García pondrá sobre el plato empanadas, pastel de chucho, sopas y los guisos de pescado, entre otras, mientras expone su visión sobre ingredientes típicos: ostras, erizos, mejillones, catalana o achote, ají dulce margariteño, limón criollo, tomate margariteño, albahaca morada. Además de hablar sobre lo “camaleónico” de la gastronomía margariteña.

El té rebozará la taza con sus incontables atributos. Kepén Tea and Salads se encargará de remarcarlos. Una de sus catas la dedicará a la India, de donde se probarán tres variedades. La segunda actividad es una charla llamada “El té más allá de su sabor”, donde se descubrirá las bondades y beneficios que esta milenaria bebida ofrece a la salud de sus adeptos. Si bien la casa argentina Familia Zuccardi es más conocida en el patio criollo por sus vinos, aprovechará el SIG para dar a probar algo más. Sus sobresalientes aceites de oliva, elaborados en tres versiones: frantoio, manzanilla y arauco. El propio Miguel Zuccardi dirigirá las catas. El ron venezolano y el pisco peruano tendrán u  protagonismo especial, además de los vinos del Friuli y todos los caldosrep`resentados en Venezuela por las casas distribuidoras.

No se pierdan este SIG. Va a estar muy bien.

Estimados y queridos amigos todos:

Hoy nos reunimos en este Auditorio para darle el nombre de uno de los que dirigió este Centro de Microbiología hace ya bastantes años. Siendo yo el homenajeado no me queda sino agradecer a los promotores de este honor que se me ha conferido, dando las gracias especialmente a la Dra. Gioconda San Blas, la cual con su proverbial dinamismo, logró que se efectuara este acto precisamente en los momentos críticos por lo que pasa el instituto. El que se le de mi nombre a este Auditorio no descarta en absoluto la serie de personas que han colaborado a través de los años para iniciar y  hacer progresar nuestro Centro de Microbiología  y Biología Celular. Este Centro es un ejemplo clásico de cómo una institución va progresando positivamente a través de iniciativas que se superponen y continúan en el tiempo. Todo empieza en 1959 con la creación del Departamento de Histología y Patología Experimental, el cual absorbe al Laboratorio de Leprología. En 1968 este departamento recibe el nombre de Departamento de Microbiología y al unirse con el Departamento de Virología en 1969, ambos forman el Centro de Microbiología. Tiene como sede este, para entonces, recién inaugurado edificio, construido en parte con fondos donados por la Embajada de Alemania a través de los buenos oficios del Dr. Gernot Bergold, nuestro virólogo. Más tarde se desarrollan nuevos proyectos con la adición de investigadores y una ampliación estructural dando origen al Centro de Microbiología y Biología Celular.

Tengo que confesar y lo puedo decir basándome en  mi actuación en las diversas posiciones que ejercí en el IVIC, que coordinar la investigación en una institución en franco crecimiento y sobre todo, coordinar a los investigadores es una tarea ciclópea.

En el IVIC se estaba creando una nueva profesión, la del investigador profesional y el investigador actuaba, entonces como ahora, y no se crea que lo diga en sentido peyorativo, como una “prima dona”, símil  que calza a la perfección con el comportamiento de la diva operática. El investigador es básicamente independiente, establece que lo mas importante es lo que está haciendo, entra en delirium tremens cuando el experimento ha dado resultado positivo, pero también se deprime cuando las cosas no salen como él quiere. Pero esta depresión le sirve de estímulo para iniciar el siguiente experimento.

Por lo tanto, en más de una ocasión hay que actuar no como jefe sino como psicólogo. Precisamente por este encerramiento en si mismo, el investigador llega en casos extremos, a perder contacto con la realidad, la cual considera como un estorbo para su trabajo.

Sin embargo multitud de investigadores, de gran mérito, han salido de sus laboratorios para luchar en la defensa de sus valores y los del país. El mejor ejemplo lo tenemos en Einstein cuando se rebeló contra el uso de la bomba atómica. Aquí en el país los investigadores han salido a protestar por la prensa y en diversos foros por el inicuo tratamiento que se le da al investigador no solo por parte de las autoridades del instituto sino también, hasta el más alto nivel presidencial.

Ahora bien, ¿cómo veo yo al IVIC desde afuera, sin tomar parte en los sucesos día a día?  Podría decir sin ambages que me estremezco de ira e indignación cuando me entero de las violaciones a los derechos de los investigadores, hipócritamente justificada por quienes deberían ser sus custodios. Se está  tratando de implantar una cosa que llaman “ciencia pertinente”, demostrando así lo ignaro que son, pero al mismo tiempo siento una profunda pena por el lamentable silencio de otros investigadores que, precisamente por su posición y antigüedad en el Instituto, podrían influir con una protesta racional contra las malas decisiones tomadas por la Directiva del Instituto. Este silencio  o indiferencia se refleja claramente en la poca asistencia a las reuniones de la Asociación de Investigadores  y a las muy pocas Asambleas de Investigadores, en las cuales  solo un puñado de investigadores protestan.

Ahora bien, ¿cuál es la causa de este silencio?

A mí parecer la causa principal es el miedo o temor. Esa perturbación emocional, angustiosa del ánimo, que produce un sentimiento generalmente desagradable por la percepción de un riesgo o daño, real o imaginario. Para su información, el miedo es producido por un pequeño órgano nervioso perteneciendo al sistema límbico: la amígdala, que construye las emociones básicas.  Sin embargo no crean ustedes que yo no tengo miedo, lo tengo y mucho, pero he logrado revertirlo positivamente hacia la defensa de los valores que todo investigador tiene, pero  ¡sigo teniendo miedo!.              

Cuando veo que el IVIC, que todos conocimos y que logró un reconocimiento nacional e internacional, se está destruyendo sistemáticamente, diría yo con alevosía y premeditación, echando por la borda cosas tan importantes como la Comisión Clasificadora, la Asamblea de Investigadores y esa interacción tan fructífera entre investigadores y autoridades, no queda más remedio que pensar que enfrentamos una situación auspiciada y liderada por un personal directivo, que a pesar de considerarse algunos de ellos investigadores, no tienen ideas claras  de cómo llevar adelante esta institución científica y es más, no saben realmente lo que es ciencia y cómo hacerla.

Hay que tener presente que el actual gobierno y la Dirección del Instituto tienen como objetivo muy claro lograr, en el correr del tiempo, un instituto en el cual los valores de la ciencia no sean respetados, en que la imposición autoritaria sin consultas de  ningún tipo sea la norma, en que la  dirección de  instituto sea omnipotente. En fin una institución donde los investigadores son  denigrados y no se cree en la meritocracia no nos queda sino la alternativa de luchar por la supervivencia.

Qué triste que en nuestro país tengamos que hablar y expresarnos de esta manera, situación impensable en un país democrático. Porque no nos llamemos a engaño, estamos ya en una dictadura que cada día se hará más fuerte, más restrictiva, más autoritaria y con menor atención a las necesidades del ciudadano.

Anteriormente he dicho que no nos queda sino luchar por la supervivencia. Desgraciadamente tenemos pocas armas para esta lucha final. Un arma es la protesta constante y formal, adelantándose a las malas iniciativas del gobierno. La poca nula información sobre las actividades gubernamentales hacen difícil las acciones, las mentiras incesantes dichas con enorme desfachatez, repetidas en forma constante, según lo establecido por Goebbels que “una mentira dicha en forma persistente al fin parece verdad”, las alteraciones de las estadísticas gubernamentales y las propias del instituto, todos estos factores conforman un cuadro, que si bien nos pone en desventaja, sin embargo es el mayor acicate para la lucha. Acordarse de David y Goliat.

Otro instrumento de lucha son las comunicaciones enviadas al exterior, informando sobre la situación deplorable en que está la ciencia  en el país. Indudablemente hay un interés en los países desarrollados demostrado por los artículos y editoriales aparecidos en prestigiosas revistas internacionales, los cuales se hacen eco de nuestras críticas, y cuyos planteamientos han sido  respondidos por el Gobierno Nacional con argumentos poco convincentes. Todo esto nos indica que la condenación  constante de las políticas científicas gubernamentales en sus diversos aspectos empieza ha hacer mella.

Otro instrumento que se debe de usar en forma constante son las reuniones de grupos  bajo la forma de talleres y seminarios donde se expongan y discutan las críticas a las diversas actuaciones del gobierno relacionadas con su política científica

A pesar de todo lo que está sucediendo elevemos un himno al optimismo y veamos en el futuro un IVIC restablecido, sus heridas curándose, trabajando normalmente y sobretodo prestando a la nación los servicios que le correspondan como instituto de investigación, en el momento en que todos estos maléficos olores del socialismo del Siglo XXI se hayan esfumado.

Señores

* Palabras pronunciadas en ocasión de nombrar  “Luis M. Carbonell” al Auditorio del Centro de Microbiología y Biología Celular el 15 de Octubre de 2009.

Luis M. Carbonell.  Academia de Ciencias Físicas, Matemáticas y Naturales.

El fado es un lamento musical que se expresa con pasión.

A sus 77 años, Carlos Saura sigue emocionándonos con su cine inquieto y sensible, que no se detiene, que evoluciona en busca de nuevas formas de expresión. Con Fados (2007) abrió otro capítulo en su serie musical que ha indagado en las expresiones de la cultura andaluza —Bodas de sangre (1981), Carmen (1983), El amor brujo (1986), Sevillanas (1992), Flamenco (1995)  e Iberia (2005)— y en la cultura del Río de la Plata —Tango (1998)— de una manera envolvente y ambiciosa. Con su más reciente obra se sumerge en el melodioso lamento del pueblo lisboeta de una forma conmovedora, no sólo por la vigencia y evolución de una expresión musical portuguesa de gran belleza sino por la maestría en el manejo del lenguaje cinematográfico para construir un documental pleno de poesía y comprensión.

Dueño de una de las filmografías más impresionantes del cine español, Saura mantiene una postura vital y creativa que evade los convencionalismos y propone nuevas formas de exponer sus ideas estéticas. Desde su debut en el largometraje con Los golfos (1960), en pleno franquismo, ha desarrollado 38 largometrajes que reúnen algunas de las mejores películas que he visto: La caza (1966), El jardín de las delicias (1970), Ana y los lobos (1973), La prima Angélica (1974) y Cría cuervos (1976). Tras la muerte de Francisco Franco y en la transición a la democracia, su cine se amplía, se libera de los rodeos semánticos y produce filmes tan peculiares como Mamá cumple 100 años (1979) y De prisa, de prisa (1981), con una mirada distinta. Ese mismo año filma su garcialorquiana Bodas de sangre que inaugura su serie musical que incluye 8 títulos y que amplió 2009  con su Yo, Don Giovanni, sobre Lorenzo da Ponte, el compositor italiano del siglo XVIII que colaboró con Mozart en su ópera Don Giovanni. La relación entre música y cine ha encontrado en su obra un espacio de armonía y precisión.

Fados es un musical en toda la extensión de la palabra. Desde el principio este profundo lamento musical lusitano se apropia del discurso cinematográfico. No hay voces en off que expliquen de qué se trata ni actitud didáctica alguna. Una tras otra, las secuencian exponen las voces actuales del fado y sus manifestaciones más elaboradas, sin dejar de homenajear a la gran fadista Amalia Rodrigues y a otros grandes artistas que tras la segunda guerra mundial hicieron del fado su razón de vivir. La propuesta medular del film de Saura consiste en establecer el contraste de esa tradición con experiencias más actuales que incluso trabajan el hip hop y otros ritmos contemporáneos. El director aragonés no sólo propone la recreación de las manifestaciones más puras del fado sino su evolución en el Portugal de hoy.

Se dice que el origen del fado hay que encontrarlo hacia principios del siglo XIX, como producto de las migraciones a Lisboa de campesinos portugueses y de habitantes de sus territorios coloniales, especialmente de Brasil y Cabo Verde. De las tabernas, prostíbulos y arrabales fue imponiéndose poco a poco en los sectores más acomodados de la sociedad portuguesa hasta conformar una forma de expresión folclórica, no sólo aceptada sino también venerada por cultores de diverso signo.

A lo largo del film se pone de manifiesto el carácter de lamento que anida en el fado. A través de las interpretaciones de Mariza, Camané y Carlos do Carmo, entre otros fadistas fundamentales, fluyen el dolor y la nostalgia ante la deuda del amor y ante el dolor social. Es un llanto musical que habla del despecho pero también de la pobreza y la desigualdad. En el fondo es la queja del campesino en el mundo urbano. No en balde, las únicas expresiones de alegría durante toda la película se hayan en la voz de Chico Buarque cuando interpreta su nuevo fado para celebrar el “inmenso Portugal” que surgió tras la Revolución de los Claveles —que dio fin a la dictadura de Salazar a mediados de los años setenta del siglo pasado— y en el ritmo contemporáneo de un grupo de hip hop que adapta la médula del fado a sus nuevas propuestas.

Además de la deslumbrante fotografía del español José Luis López-Linares, realizada casi toda en estudios de Madrid, hay que destacar la coreografía de Patrick de Bana como una interpretación en movimiento de la esencia del fado, con la colaboración notable del bailarín portugués Pedro Gomes en su comprensión como evolución rítmica y dancística.

Fados es una obra preciosa y emotiva que juega con la sensualidad y las formas para mostrar la esencia de un pueblo que se transforma y se adapta a los nuevos tiempos a través de sus voces musicales más importantes. Provoca tomar un vuelo para ir a recorrer las callejuelas del Barrio Antiguo.

FADOS, España y Portugal, 2007. Dirección: Carlos Saura. Dirección: Ivan Dias y Saura. Producción: Ivan Dias, Luís Galvão Teles y Antonio Saura. Fotografía: José Luis López-Linares. Montaje: Julia Juániz. Coreografía: Patrick de Bana. Elenco: Mariza, Camané, Carlos do Carmo, Chico Buarque, Caetano Veloso, Lila Downs, Toni Garrido, Lura, Miguel Poveda, Catarina Moura, Argentina Santos, Cuca Roseta. Distribución: Amazonia Films.

Un nuevo montaje para un clásico

Se le llama pasatiempo cómico en dos actos, pero creo que es algo más, sobre todo en un país que hace unas décadas disfrutó de la gran tradición de la zarzuela. ¿Género menor? Tal vez. Creo que es injusto ese tratamiento. Es lo de menos. Lo esencial se halla en el trabajo profesional de un equipo de creadores que montarán Las Leandras, famosa revista musical con música de Francisco Alonso y libreto de Emilio González del Castillo y José Muñoz Román. El equívoco, el malentendido y las situaciones jocosas conforman sus recursos como espectáculo. Una diversión lírica, diría yo. La producción y el montaje pertenecen a la Compañía Nacional de Ópera Alfredo Sadel, bajo la dirección escénica de Javier Vidal y con la participación interpretativa de Mariana Ortiz, Julie Restifo, Gladiuska Hernández, Cayito Aponte, Gerardo Soto, Manolo De Freitas y Alejo Felipe. Además, tendrá la presencia especial de Floria Márquez, Fernando González, Sara Catarine y el Grupo Folklórico de Danzas del Hogar Canario. Temas como Pichi, Los nardos y Las viudas serán interpretados por la Orquesta Sinfónica de Venezuela bajo la dirección de Angelo Pagliuca. El dispositivo escénico estará bajo la responsabilidad del arquitecto Enrique Berrizbeitia, la iluminación será responsabilidad de Roberto Penso y el vestuario tendrá la firma de Efrén Rojas. ¿Dónde va a ser? En el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. ¿Cuándo? El sábado 31 de octubre a las 3 p.m. y el domingo 1º de noviembre a las 11:00 a.m. y a las 5:00 p.m. Las entradas están a la venta en las taquillas del Aula Magna, en www.ticketmundo.com y en las tiendas Esperanto. ¿Cuánto? Desde Bs. 120 hasta Bs. 240. Si quieren más información, llamen por el teléfono 0212-582 1924 o escriban al correo electrónico conoperas@yahoo.com. Aún tienen oportunidad. De nada.

¿Qué pensaría usted de un ministro de educación que desconoce el número de escuelas existentes en su país? Pues bien, el pasado mes de septiembre, ante la pregunta de una periodista sobre cuántas escuelas estarían en condiciones para iniciar el año escolar, el ministro de educación de Venezuela, Héctor Navarro, señaló que en la patria de Bolívar habría “unas casi 30.000 escuelas” y, que de esas escuelas, 6.000 corresponderían al sector privado. Adicionalmente, señaló, desde la sede de su partido político, que para este año escolar estarían inaugurando “429 escuelas espectaculares”. Lo cierto es que, de acuerdo con la Memoria y Cuenta del Ministerio del Poder Popular para la Educación correspondiente al período 2007-2008, dirigido por el ya mencionado Navarro, el número total de centros educativos en Venezuela es de 26.025, de los cuales 4.456 pertenecen al sector privado. Es decir, según datos oficiales.

Pero aún otorgándole el beneficio de la duda al ministro Navarro por una eventual confusión, lo realmente desconcertante fue su reacción frente a las denuncias formuladas por José Luis Farias, Coordinador de la Comisión de Educación de la Mesa de Unidad, quién apoyándose en los mismos datos oficiales encontró que, entre los períodos 2006-2007 y 2007-2008, un total de 606 planteles públicos cerraron sus puertas. ¿Cuál fue la respuesta del ministro? “A ese señor, yo no le creo nada”.

Puestas así las cosas, con un ministro que no sabe y que tampoco cree, la educación venezolana no sólo sigue siendo un gigantesco fraude sino que se ha convertido en un auténtico drama. Nuestra educación ha dejado de ser, desde hace ya mucho tiempo, útil, significativa y pertinente. Hoy, con la visión militarista de la facción gobernante, más bien es considerada como una plaza que debe ser conquistada.

Ante el anuncio de contar para este año con “429 escuelas espectaculares”, el ministro Navarro debería saber que de los 26.025 centros educativos existentes sólo unos 4.500 cuentan con primer año de educación media para la prosecución de estudios, que más de 3.000.000 de niños y jóvenes están excluidos del sistema educativo y que menos del 20% de los niños que ingresan a la educación inicial logran obtener el título de bachiller.

Por su parte, las misiones educativas, ideadas inicialmente para atender parte de esta realidad, han mostrado su verdadero rostro: espacios para la sumisión y la dependencia, con estudiantes obligados a marchar de rojo en apoyo al régimen e impedidos de expresar críticas a la gestión gubernamental so pena de ser excluidos.

La ignorancia, el descreimiento, la sumisión y la dependencia no son las mejores herramientas para impulsar una “revolución” educativa. Necesitamos, para comenzar, 5.000 nuevas escuelas y un acuerdo educativo mínimo que, como su nombre lo indica, deberá ser fruto del consenso y no de la imposición. En el próximo artículo, hablaremos sobre ello.

¿Se siente usted seguro caminando por las noches en su vecindario? Esta pregunta la realiza la encuestadora Gallup en 150 países, como parte de un proyecto dirigido a conocer la calidad de vida de los habitantes del planeta. Aun cuando se hacen otras preguntas relacionadas con el tema, un análisis muestra que esta pregunta en particular sintetiza de manera bastante bien el estado de seguridad en que se encuentra la ciudadanía de un país. En Venezuela, solo el 21,1% responde afirmativamente esa pregunta, quedando el país en la peor posición de la América Latina y el Caribe (con un promedio para toda la región de 46,4%) y en la segunda peor posición en todo el mundo, solo por encima de Sudáfrica que exhibe un 19,9% de respuestas positivas.

Estas cifras las traigo a colación a propósito de la crítica que hizo recientemente el presidente Chávez a la seguridad en Estados Unidos y a la comparación que hizo en esa materia entre ese país y Cuba. Pues resulta que el porcentaje de personas que responde positivamente a la pregunta referida, en Estados Unidos, es de 78, mientras que en la isla del Caribe lo hace el 51. O sea, en Estados Unidos la gente tiene un sentimiento de seguridad física mucho mayor al que tienen los habitantes de Cuba, a pesar de la naturaleza autoritaria y represiva del régimen cubano, que le otorga ciertas ventajas para garantizarle la seguridad física a todos aquellos ciudadanos que, claro está, no osen reclamar libertad o hacerle oposición al régimen. ¿Comparaciones?

De todo lo anterior uno puede decir dos cosas. La primera es que no es de comparaciones entre terceros países que debería estar hablando Chávez, dado el estado de la seguridad en Venezuela, que como acabamos de ver está en el segundo peor lugar del mundo.

Lo segundo es que el carácter cada vez más autoritario, militarista y represivo de su gobierno, ni siquiera ha servido para aminorar el problema.

Gerver@liderazgoyvision.org

Un hombre que se convierte en uno de "los otros".

Tal vez sea Sector 9 uno de los filmes más extraños e impactantes del año, no sólo por la particularidad del tema que toca sino por la inusual forma de narrarlo. Es una obra de ficción pero guarda características propias del género documental. Al principio vemos y escuchamos las entrevistas con periodistas, testigos y especialistas que hablan sobre el extraño caso de una comunidad de extraterrestres que viven en el sector 9 de Johannesburgo, Sudáfrica, como si se tratara de una experiencia conocida y discutida en el mundo entero. No sabemos de qué planeta provienen esos seres distintos ni por qué llegaron a la Tierra. A partir de esta información, el espectador se sumerge en una metáfora sobre la fragilidad de la conducta humana ante lo desconocido, ante lo que no acepta. Una nueva expresión del apartheid que se supone erradicado en el país de Nelson Mandela. Además, la ópera prima del surafricano Neil Blomkamp redimensiona el género de la ciencia ficción y propone una visión distinta de los alienígenas. Ahora son más terrenales.

¿Cuál es la historia de Sector 9? Hace más de veinte años una nave de un mundo desconocido se posa sobre un sector de Johannesburgo, a cierta distancia del suelo. Otra,  más pequeña, se desprende de la nave madre y cae a tierra, con varios alienígenas en su interior. Las autoridades y los pobladores no saben qué hacer con esta aparición sorpresiva. Allí, en el sector 9 de la ciudad, son confinados estos extraños seres —llamados “langostinos” por los humanos— que comienzan a reproducir las conductas de los excluidos, los marginados, los no aceptados, los diferentes, como si fueran personas de este mundo que conocemos. La sociedad humana los tolera con extrañeza, mientras una corporación armamentista pretende descubrir y explotar comercialmente los secretos de sus armas. Para ello mandan a un empleado dócil y algo tonto que experimentará los grandes cambios en su vida y terminará descubriendo dónde están los monstruos, es decir, los verdaderos monstruos. Blomkamp trasciende su anécdota y propone una visión despiadada de las conductas de los hombres y mujeres ante los desconocidos y entre sí mismos.

El origen de esta película hay que buscarlo en el cortometraje Alive in Joburg en el cual Blomkamp se imaginó, en un estilo documental, a la ciudad de Johannesburgo afectada por problemas de inmigración e integración de extraterrestres. Eso fue en 2005 y el joven director de 26 años llamó la atención de Peter Jackson, el realizador neozelandés de El Señor de los Anillos y King Kong, quien le propuso dirigir un film sobre un videojuego. A la larga abandonó la idea y su viejo corto fue trabajado y desarrollado para convertirlo en un largometraje que habla de la vida de los refugiados y de las limitaciones de la convivencia.

La vida de Wikus Van De Merwe, el empleado enviado por la corporación armamentista para “censar” a los alienígenas, cambia radicalmente cuando comienza a convertirse en un “langostino” y comprende cuál es el drama del otro —del que no es como él— porque comienza a ser como el otro, a ser diferente, un excluido.  Allí comienza la revelación de su vida y la necesidad de sobrevivir a su compañía, su familia, su suegro, incluso su esposa. Entiende que la vida es otra. El conflicto de Wikus va más allá de su visión de la cotidianidad y se convierte en su forma de sobrevivir en un infierno que él mismo ha ayudado a construir.

Blomkamp logra un film poco común que evade las claves básicas de la ciencia ficción para entrar en el terreno del cine social. No busca efectos especiales ni armas sofisticadas. Prefiere hablar de los seres humanos antes que de los alienígenas. Los extraterrestres son sólo instrumentos para hablar de nosotros, especialmente en un país donde el apartheid fue una verguenza. La trama se desarrolla de una forma vertiginosa hasta un final poco común. Esa evolución se desenvuelve de una manera desconcertante, atravesada con situaciones insólitas, que va conformando una trama coherente e inevitable. No tiene sentido contarles lo que sigue. Vale la pena descubrirlo. No busquen estrellas ni grandes nombres. Sector 9 no es una película sobre extraterrestres. Es una visión muy oscura sobre nosotros.

SECTOR 9 (“District 9”) Estados Unidos y Nueva Zelanda, 2009. Dirección: Neill Blomkamp. Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell. Fotografía: Trent Opaloch. Montaje: Julian Clarke. Música: Clinton Shorter. Elenco: Sharlto Copley, Jason Cope, Natalie Boltt, Sylvaine Strike, John Sumner, entre otros. Distribución: Cinematográfica Blancica.

El régimen que nos agobia, cuartelario de la peor especie, está coronando su atentado contra nuestros valores espirituales y culturales, al agredir al teatro nacional. No deberíamos asombrarnos, porque diez años de agresiones a los más elementales valores democráticos son pruebas de que el proyecto es destruir cualquier valor arraigado en los venezolanos, para a partir de la nada edificar el totalitarismo del siglo veinte. ¿Por qué tal agresión al teatro? Admitamos que el teatro es un arte mal hablado, desde Aristófanes, pasando por Shakespeare, hasta algunos ilustres autores nacionales como Román Chalbaud y Rodolfo Santana, insignias del régimen. Una mentalidad cuartelaria que en privado se regodea en cualquier sodomía, se caracteriza por su doble moral cuando en público muestra su tartufismo moral. Por eso dice preocuparse por la salud mental colectiva. En el fondo, es cobardía y una absoluta carencia de talento lo que ha guiado a los siervos del ministerio de cultura y cría a agredir al teatro nacional.

Insisto en lo de cuartelario, porque es bueno recordar que en la dictadura de los coroneles griegos, hace unos cuarenta años y algo, Esquilo estuvo prohibido. Y tuvieron razón aquellos coroneles, porque Esquilo inventó el teatro occidental denunciando las arbitrariedades del poder injusto. Los mancos se juntan para rascarse. A tanto no llegan nuestros teatristas actuales, preocupados por sobrevivir y mantener a flote un arte, el teatral, en medio de terribles adversidades.

De denunciar al poder se encargaron Chalbaud y Santana, entre otros. Pero ahora el poder es santo, con uniforme verde oliva e insultos a granel contra la salud psíquica colectiva.

Gilberto Pinto, monumento vivo de nuestro teatro, hombre de izquierda marxista sin fisura, en medio del estupor por la ofensa de que fue víctima su grupo El Duende, de cuyos montajes muchos aprendimos desde hace más de medio siglo, increpa al poder. Es una voz moral incuestionable. Lo ideal sería una solidaridad total de todos aquellos que dicen ser profesionales del teatro. Pero, sabemos, esa solidaridad pasa por asumir el riesgo de perder el subsidio cultural que preocupaba a Cosme Paraima en Acto cultural. Quisiéramos asombrarnos con la plena solidaridad del “sector teatro” con quienes han sido agredidos al quitarles el subsidio con el que a duras penas sobrevivían. Quisiéramos que nuestro teatro arriesgara para ver si el poder reacciona algo, por pudor. Me temo que no ocurrirá. Debemos reconocer, con vergüenza, que no sería la primera vez que no se hace presente la solidaridad, porque siempre hay un intelectual cómplice. Lo mismo ocurrió en los años del macartismo. Sin lugar a dudas, el fascismo tiene muchas maneras de disfrazarse.

Película obsesiva, incontenible, personal y compleja, Los abrazos rotos ha dividido opiniones y no ha pasado desapercibida. Cuando se estrenó en Cannes de este año, leí la crítica española presente en el festival y me hice la idea de una pieza que marcaba la decadencia del cineasta español más universal de la contemporaneidad. Más allá de los prejuicios, encontré en la nueva obra de Pedro Almodóvar una mirada sobre sí mismo y sus obsesiones, en primer lugar,  y sobre su afectividad desbordante hacia los personajes femeninos, en segundo término, sin excluir su amor por el cine y su fascinación por el juego de las máscaras. Porque, en definitiva, se trata de los desvelos constantes en su filmografía: amores imposibles, infidelidades, vidas dobles, venganzas, enajenación. Muy Almodóvar.

El punto de vista que narra la película es la de Mateo Blanco (el muy eficiente Lluis Homar), un  consagrado director de cine (primera referencia fílmica) que queda ciego tras sufrir un accidente automovilístico en el que muere Lena, el amor de su vida. Ya no puede dirigir y se convierte en un guionista que firma sus trabajos con el seudónimo de Harry Caine. Aún más: Mateo Blanco se convierte en Harry Caine. Confiesa que existen dos hombres en una misma persona. He aquí su segunda referencia cinematográfica: Harry Palmer se llamaba el espía británico de The Ipcress files (1965), film de Sydney Furie a partir de la novela Len Deighton. ¿Cómo se llamaba el entonces joven actor inglés que lo interpretó? Acertó: Michael Caine. Personaje e intérprete muy particulares, en las antípodas de James Bond, que habrían de participar en otras cuatro películas con suerte desigual. Entonces, este Harry-Caine de Almodóvar  es un hombre que observa desde su ceguera y sobre todo recuerda una historia que desde 2008 se remonta hasta 1992, siempre en Madrid. Clásico relato de dos vidas diferentes que se cruzan por el azar y se enganchan en una pasión desbordante que desafía el poder económico, los celos y la envidia.

La inserción del segundo personaje protagónico, Lena (la insaciablemente bella y talentosa Penélope Cruz), una humilde actriz sin suerte pero con mucha ambición, se realiza en 1992 a través del dibujo de un cuadro de desequilibrio social. Ella es secretaria de Ernesto Martel (el eterno José Luis Gómez), exitoso hombre de negocios maduro que se desvive por ella y que consigue ganársela por su poderío económico y por la pobreza de Lena. Historia clásica, sin muchas sorpresas. Lo interesante es que la chica actúa en su vida afectiva, es decir, representa un personaje: a la mujer de la que está enamorado Martel. Una actriz en un escenario íntimo —la cama, la habitación, la casa— que busca encontrar un espacio más grande —el set de rodaje de una película— y se vincula con el nuevo proyecto de Mateo Blanco, con quien, obviamente, vivirá un tórrido romance secreto, con sus consecuencias inevitables. Esta escueta anécdota —nada innovadora, la verdad— constituye la plataforma dramática sobre la cual Almodóvar desarrolla sus obsesiones incontenibles en un homenaje al cine de los maestros —el Hitchcock de Vértigo y el Rossellini de Viaje en Italia— y a su propia filmografía, en particular Mujeres al borde de un ataque de nervios. Son los símbolos de la feminidad perseguida —Kim Novack, Ingrid Bergman y una Penélope Cruz que evoca a Carmen Maura— en abierta referencia al melodrama que se expresa en la necesidad de una fuga más vital que física.

El otro rasgo fundamental del film hay que encontrarlo en el desdoblamiento de sus seres humanos. Siempre hay una historia oculta, un misterio que nadie cuenta, un “yo sé pero no te digo” emparentado con la preceptiva básica de la telenovela. Parece un guiño al espectador, más que un intento de ofrecer cierta originalidad. Ese juego de máscaras existe en la relación entre Martel y Lena, y se despliega en un típico triángulo con Mateo. Las historias laterales —la productora Judit García, su hijo Diego, el hijo de Martel, la madre de Lena— conforman muros de contención para una pasión desmesurada y condenada desde el principio. De alguna manera, todos mienten, todos representan otro personaje, todos actúan. Como miente, representa y actúa un director de cine ciego que se transmuta de Mateo Blanco a Harry Caine. O como el propio Almodóvar que miente, representa y actúa en cada una de sus películas para mostrar sus propias obsesiones, manías y fobias.

Gracias a la bien concebida y orquestada fotografía del mexicano Rodrigo Prieto, Los abrazos rotos proporciona un deleite visual, tanto en los distintos interiores donde se mueve la trama como en los sorprendentes exteriores con aspecto de paisaje lunar. Almodóvar y su director de fotografía mueven la cámara con inquietud, con angustia, salvo en los planos en que la acción interna del encuadre es más importante. Por ejemplo, en la escena de la escalera cuando el cuerpo de Lena rueda inexorablemente. O cuando Lena y Mateo se entregan al sexo con una actitud bestial, sin mesura, en abierto desafío al mundo exterior.

Almodóvar intenta regresar a lo que fue sin excluir lo que es actualmente. Un realizador maduro, reconocido, notable, que a sus 60 años evoca sus pasiones de los años ochenta, con sus mujeres acorraladas y su necesidad de hablar de lo que está más allá de las apariencias. Tal vez por ello haya convocado a sus actrices de siempre a interpretar pequeños papeles: Chus Lampreave, Kiti Manver, Lola Dueñas, Mariola Fuentes, Kira Miró, Rossy de Palma. Y rescata del olvido a Ángela Molina, como la madre de Lena. Pero sobre todo supo sacarle mucho partido a Penélope Cruz, Lluis Homar, José Louis García y Blanca Portillo, a través de una composición de personajes que interactúan develando sus secretos y manías.

Los abrazos rotos se despliega de manera excesiva ante los ojos de quienes quieran encontrar una historia apasionada que va del presente al pasado, de la vida a la muerte, de la memoria al olvido, del amor al miedo. Pero ese exceso forma parte de su esencia, de su nerviosismo, de su necesidad de cerrar ciclos. Ya lo dice Mateo Blanco al final: “las películas hay que terminarlas, aunque sean ciegas”.

LOS ABRAZOS ROTOS, España, 2009. Dirección y guión: Pedro Almodóvar. Producción: Agustín Almodóvar y Esther García para El Deseo y Pathé Productions. Fotografía: Rodrigo Prieto.  Música: Alberto Iglesias. Montaje: José Salcedo. Elenco: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Rubén Ochandiano, Tamar Novas, Ángela Molina, Chus Lampreave, Kiti Manver, Lola Dueñas, Mariola Fuentes, Kira Miró y Rossy de Palma, entre otros. Distribución: UIP

La fantasía y la realidad ante la maternidad no planeada

Tres mujeres, tres edades, tres ciudades, una misma inquietud: la sospecha de un embarazo. En Caracas, la infantil Patricia saca a pasear su duda vestida de hada mágica y no se atreve a hacerse la prueba. En Bogotá, Sol se debate entre dos hombres y dos destinos sin saber cómo resolver su incertidumbre sobre la maternidad. En Buenos Aires, Ana se enfrenta a su capacidad de mujer emprendedora en un mundo machista, con el peso de una preñez al acecho. Cada una se encuentra en una etapa de su vida que exige definiciones. Contarle a la familia lo que pasa, interrumpir un viaje de estudios o abandonar una carrera profesional son sus horizontes.  Este trío de personajes femeninos enfrenta cada situación de manera distinta en Día naranja, primer largometraje de la venezolana Alejandra Szeplaki que propone una temática universal que si bien ha sido recurrente en la producción latinoamericana esta vez se expone bajo un tratamiento no usual en el cine nacional. El resultado es interesante pero desigual.

El cine de Szeplaki es esencialmente femenino, pero no lo es porque quien dirige sea una mujer sino porque esa cineasta ha elegido filmar sobre un tema universal desde distintas perspectivas, en sus cortos de ficción y sus documentales. Es una opción personal como creadora. Creo que el único de sus filmes donde un hombre es el protagonista es Leo Matiz en Caracas (2004), sobre la vida del fotógrafo cubano en nuestra ciudad. De resto, se trata de mujeres en distintas situaciones de conflicto o de participación, incluido el aborto en Ella (1997), su primer corto. Lo cierto es que existe coherencia en su filmografía y su debut en el campo del largometraje así lo confirma. No obstante, Día naranja se deslinda de su obra previa en el tono de su narración, más cercana a la comedia romántica que al drama bergmaniano que ha teñido hasta ahora su trayectoria, caracterizada por el uso de los diálogos casi inexistentes y por el manejo de una narrativa limpia y eficiente que había desdeñado los efectos especiales. Su primer largo, en cambio, abre una vertiente más abierta y desinhibida, con gran despliegue de recursos visuales y sonoros, que revela las angustias de esas tres mujeres acechadas por la maternidad.

Son tres relatos que corren paralelos en estas tres urbes. El que adquiere un tono más dramático y se expresa con mejor desarrollo es el de Ana (muy bien interpretda por Bernarda Pagés), la bonaerense de 35 años que ha labrado una carrera empresarial que no pretende interrumpir por un embarazo. Su actitud no es sentimental ni folletinesca, pero la posibilidad de tener un hijo la llena de dudas, especialmente en un mundo machista —su padre, su familia, los hombres que la cortejan— que confina sus desempeños como ser humano en el terreno de la buena madre. Bien concebida, bien actuada y bien resuelta. En cambio, la historia más débil es la de Patricia (con el suave rostro de Carolina Riveros), la caraqueña de 20 años que aún no ha escapado de la infancia y vive un mundo de sueños sin saber cómo responder inmediatamente, tanto a sus expectativas como madre como a la relación con su novio. Es un personaje más fantástico que exigía un desarrollo más denso para superar los límites del esbozo de una chica con los pies en el cielo. Entre ambas se ubica Sol (la bella Martina García),  la bogotana de 28 años que tiene definido lo que quiere en la vida, más allá de sus dilemas afectivos, y experimenta la desazón de la maternidad como un obstáculo. Es tal vez la historia más fría o más distante, pero asumida de una manera más completa. Por eso el desarrollo del guión global no genera una percepción compacta, homogénea e integradora.

¿Qué une a estas mujeres que no se conocen? Desde un punto de vista interno: el miedo a dar un paso en una dirección u otra.  Y desde la perspectiva del tratamiento externo: la creación de un universo estético que debe más a lo fantástico que al realismo. Son dos factores que a veces armonizan y en otros momentos se desarticulan. Me explico: Ana, Patricia y Sol viven una situación de incertidumbre que las desubica con respeto a sus cotidianidades. Las tres se enfrentan a sus respectivas crisis personales. Cada una vive un drama sustantivo, nada retórico. Es la posibilidad de engendrar una nueva vida, que no en balde es la diferencia más notable entre un hombre y una mujer. La feminidad más pura e inalienable. Esa médula dramática se pone de manifiesto, para bien o para mal, por la vía de los deslumbrantes recursos de la animación y del video clip. En determinados momentos se revela como un recurso muy apropiado, pero en otros instantes no guarda relación expresiva con la historia. Esta “puesta en pantalla” se aprecia innovadora. Ciertamente, en el plano de la producción es lo que más seduce (imposible dudarlo) por la calidad de ejecución, pero en el campo de la realización revela cierto desequlibrio.

Alejandra Szeplaki no había hecho una película así. Creo que conozco bastante su trabajo —me gusta tanto en la ficción como en el documental— y realmente Día naranja me sorprendió. Su visión globalizadora se conjuga en la articulación de tres historias cortas y paralelas. De una manera muy aguda ejecutó tres cortometrajes que podrían funcionar de manera independiente —ellas no se conocen entre sí ni pueden influir en las historias de las otras— vinculados con un desarrollo de animación que puede acentuar el dramatismo de una situación o más bien banalizarlo, pero es evidente que se convirte en un recurso para relacionar sus historias más allá de una maternidad no buscada. De paso, esa clase de maternidad constituye una de los situaciones más comunes y dramáticas de las mujeres jóvenes en América Latina.

Los valores de producción de Día naranja son altos, no sólo en lo referido a la fotografía de Cezary Jaworski o a la postproducción y efectos de Ignacio Gorfinkiel. sino a la dirección de arte diseñada por Vera Español y realizada por ella en Buenos Aires y Bogotá con el trabajo de Matías Tika en Caracas. También en el vestuario de Anda Andra, Lena Flores y María Gabriela Rincones, en el diseño de la banda sonora de Franlin Hernández y en la selección de temas musicales. Hay un esfuerzo notable de producción en tres capitales suramericanas bajo el mando global de Daniel Jerozolimski. Imagino que no habrá sido fácil esta labor de coordinación y ejecución con tres equipos de producción. Día naranja abre una propuesta en el marco del cine venezolano y latinoamericano.

DÍA NARANJA, Argentina y Colombia y Venezuela, 2009. Dirección: Alejandra Szeplaki. Guión: Alejandra Szeplaki y Leticia Castro. Producción: Daniel Jerozolimski. Producción ejecutiva: Hugo Castro Fau en Argentina, Daniel Jerozolimski en Venezuela y Alessandro Angulo en Colombia. Dirección de fotografía: Cezary Jaworski. Diseño de dirección de arte: Vera Español. Realización de arte: Matías Tikas en Venezuela, Vera Español en Argentina y Colombia. Vestuario: Anda Andra (Argentina), María Gabriela Rincones y Lena Flores (Colombia). María Gabriela Rincones (Venezuela). Maquillaje: María Gabriela Rincones (Colombia), Karina Camporino (Argentina), Gloria Lukavechi (Venezuela). Diseño de banda sonora: Franklin Hernández. Música original: Camilo Froideval: Banda sonora: Aterciopelados, Hana, Los Andes Electrónicos, Ciro Cavalotti. Post producción y efectos: Ignacio Gorfinkiel. Montaje: Alberto Ponce y Sergio Marcano. Elenco: Carolina Riveros, Bernarda Pagés, Martina García, Andrés Suarez. Juan Pablo Raba, Martín Borisenko, Reinaldo Zavarce, Carolina Torres, Gabriela Lerner, Jimena De la Torre, Juan Pablo Shuk, Marisa Román, Michelle Manterola. Distribución: Cines Unidos.

Bajo dictaduras, la conducta honorable de algunos maestros es Ley de Educación. Durante el pérezjimenismo fue invitado por la Academia de música Juan Manuel Olivares para inaugurar el año escolar Moisés Moleiro, señor fino, voz cavernosa, habla concisa y  rostro amable abrió el acto afirmando que al ejercer cualquier oficio se necesita una “ética buena”- Para una adolescente novata, esa frase sonaba  a receta médica  y  el diccionario casero reveló sólo a medias que ética significa manual de  costumbres y principios para la convivencia. El paso del tiempo aclaró  totalmente por qué el excelente compositor, pianista y pedagogo, la adjetivó como “buena”. (Aldemaro Romero fue su alumno por tiempo breve  pero  bien asimilado).

De  mentalidad liberal independiente, estatus social modesto y austero, opuesto a las dictaduras de Gómez y Pérez Jiménez, se  mantuvo solidario con militantes y perseguidos de los  partidos  políticos. Ejerció su profesión con dignidad  sin aceptar  cargos  ni prebendas  chantajistas de regímenes militares.

En el día a día no hay ética neutra, la moral subjetiva ante el bien y el mal  se practica en la vida de cada quien. Una sociedad libre y democrática  califica como persona ética a la de sanas costumbres que convive con  prójimos de distinta formación religiosa y/o política. Esa  tabla de valores desaparece bajo un sistema totalitario abierto, encubierto y/o etiquetado de revolucionario.

En la hora actual, los tres poderes constitucionales forman cadena indivisible con su propio esquema ético que viola leyes consagradas y las acomoda a su ambición. Así, crimen, robo, delación, despojo, maltrato, mentira, los pecados capitales y restantes pasan a ser amoral norma patriótica linda, útil, imprescindible para las nuevas metas, con castigo sin piedad a los disidentes. Es el orden impuesto desde el terror con armas lesivas, léase patrullas, gas del  bueno, agua tóxica, cárcel, coheticos y etc.

Pero este país llamado cuero seco, porque al pisarlo desde una esquina se levanta por la otra, siempre endereza por un tiempo con instrumentos de lógica libertaria, la que ejecutaron  maestros al estilo Moleiro, una ética buena, civilista, insobornable. Pronto, alguna gran orquesta dirigida por un gran maestro presentará un gran concierto en homenaje a la gran disidencia presa y perseguida.

Lo dice un anónimo polo margariteño: El cantar tiene sentido, entendimiento y razón…

Denise René (al centro) en su galería de París el 12 de noviembre de 1948, rodeada de Poliakoff, Vasarely, Dewasnes y Deyrolle.

Sin Denise René, el arte contemporáneo y las tendencias como el cinético no hubieran surgido con la fuerza y consistencia discursiva que las caracterizan. Esta mujer, de talla menuda y dotada de una mente aguda y visionaria, se convirtió en el ícono de la vanguardia artística europea de la posguerra. Las tropas aliadas y la resistencia de la France Combattante liberaron París el 6 de octubre de 1944, apenas dos meses después y mientras la guerra continuaba en el resto de Europa, Denis René inauguraba su galería. Tuvimos el privilegio de conocerla el pasado 25 septiembre en la sede de Saint Germain, con motivo de la exposición Calderara, Claisse, Cruz-Diez, Demarco, Fruhtrunk, cordillo, Le Parc, Luque, Malaprade, Morisson, Mortensen, Moutashar, Nemours, Perez-Flores, Seuphor, Soto, Stazewski, Tomasello y Vassarely. El 29 de septiembre, esta mujer excepcional sostuvo un interesante diálogo con Jean Paul Amelin, organizado por Sotheby’s y el Institut Supérieure d’Etudes des Arts. Denise René, portando con elegancia y gracia sus 94 años, fue narrando de memoria las fotografías y filmes de archivo que mostraban los catálogos, personajes y obras que su galería exhibió desde 1944, así como las anécdotas y singularidades de cada uno de estos personajes.

Entre los asistentes destacó la presencia del maestro Carlos Cruz-Diez, testigo junto a Denise de una época de gran intensidad en la que su galería se convirtió en el centro de una nueva estética y de una nueva manera de ver el mundo, un sitio de encuentro de propuestas y de intensasdiscusiones: Max Ernst, Picabia o Lapicque, junto a los nuevos creadores que se apartaron de la tradición figurativa, además de Arp, Magnelli Taeuber y Herbin, pioneros del movimiento abstracto, fueron impulsados por ella junto a Vassarely, Jacobsen, Dewasne y Mortensen. El crítico Daniel Abadie calificó de histórica la exposición que Denise René realizo con Vassarely en 1955 titulada: Le Mouvement y el Artehappy yellow! con obras de Albers, Arp, Bill Jakob, Caldas,Le Mouvement, “Allí expusieron Vassarely, Duchamp y Calder, junto a los entonces jóvenes desconocidos Tinguely, Soto, Agam, Pol Bury, quienes sentarían las bases del Arte Cinético”.

Denise René fue de las primeras en mostrar interés por el arte Latinoamericano exhibiendo las obras del brasileño Cícero Días, de los venezolanos Jesús Soto y Carlos Cruz-Diez, del argentino Julio Le Parc. En 1956, Denise publicó las fotografías de las obras Vassarely, luego que este último realizara su experiencia en Venezuela de integración del arte a la arquitectura del genial Carlos Raúl Villanueva.

En 1957 organizó una muestra de Arte Abstracto y de la vanguardia de Europa del Este con Kassak, Stazewski, Malevitch, Kobro, Strezminski y Berlewi. Daniel Abadie dice de ella: “Más que un testigo, Denise ha sido un actor esencial de la segunda mitad del siglo XX. Sin ella, una parte del arte de este siglo no habría surgido o habría tardado en salir a la luz. Estos artistas no habrían encontrado su espacio ni desarrollado su discurso sin su sostén”. Abadie admira por igual su línea de conducta como marchante de arte y su rigor en la selección de obras efectuada a lo largo de 65 años, pero lo más
impresionante para él, es la dimensión moral que Denise René supo dar a un oficio en el que pocos apostaban a la excelencia”.

edgar.cherubini@gmail.com

En un reciente reportaje, The Washington Post informa de lo que podría ser la aparición del Hombre Nuevo en Cuba. Después de cinco décadas de revolución y de mucho hablar de él, finalmente  habría aparecido un personaje que podría tener las claves para solventar muchas de las penurias que sufre el pueblo de esa isla. Se trata de Esther Fuentes, un hombre que está sembrando diversos frutos de la tierra, no solo  para él y su familia sino también para aliviar las necesidades de alimentación del pueblo cubano que hoy importa (principalmente de los Estados Unidos) alrededor del 60% de los alimentos que consume.  ¿Cómo se está produciendo el milagro? Resulta que a Esther Fuentes, al igual que a otros 80 mil cubanos, el gobierno de la isla le ha entregado un total de 680 mil hectáreas de tierra para que las cultiven, consuman lo que necesiten y vendan (¡con ganancia!) los excedentes. En el 2008 a Fuentes le entregaron 3.5 hectáreas; las puso a producir y logró vender un excedente. Para este año ha pedido más del doble de la tierra y se la han otorgado. Quiere producir más y ganar más.

Por supuesto, Fuentes realiza su trabajo de manera muy primitiva. Ara con bueyes, no tiene acceso a financiamiento ni a otros recursos materiales tan elementales como los pesticidas. Sabe que tales recursos aumentarían su productividad y sus posibilidades de crecer y de vivir mejor.  Por ello, cabe esperar que de las organizaciones que agrupan a este nuevo tipo de productores vengan demandas crecientes de modernización, que al final son también demandas de mayor libertad para actuar, para producir, para vivir mejor.

Lo que Raúl Castro, el nuevo presidente cubano está lentamente descubriendo,  lo descubrieron otras revoluciones socialistas hace ya bastante tiempo: los regímenes colectivistas no funcionan.  Al final no queda más remedio que apelar a la libertad individual para que las sociedades puedan desatar toda su fuerza creadora y mejorar sus niveles de vida.

gerver@liderazgoyvision.org