Esta es la pregunta que se hacen millones de colombianos tras ser felizmente sorprendidos con una operación de inteligencia militar impecable que no sólo liberó a 15 secuestrados por la FARC —lo cual ya es bastante— sino que abre un camino para el cese del conflicto armado en Colombia. Más allá de la importancia que reviste el rescate de Ingrid Betancourt, de tres ciudadanos norteamericanos y de once efectivos del ejército y la policía de ese país, se ponen de relieve varios puntos. Primero, la paz en Colombia es posible ahora con una negociación política —a partir de la derrota militar de la guerrilla— que impulse un proceso de pacificación. Segundo, Uribe demostró que su visión era la correcta en el plano político y militar, frente aquellos que proponían el reconocimiento de beligerencia a las FARC. Tercero, el liderazgo de Uribe va más allá de Colombia —que alcanzó un PIB de 7,5 en marzo con apenas 6% de inflación— y se convierte en una referencia de desarrollo para el continente junto a Chile y Brasil, a despecho del “Club del ALBA” cuyas economías se desaceleran y padecen las más altas inflaciones: Venezuela, Nicaragua y Bolivia. Cuarto, el uribismo tendrá larga vida en Colombia, con o sin reelección presidencial. Pero lo más importante es que la paz en posible en Colombia. ¿Qué más se puede pedir?

Este año son sólo ocho películas las que integran el Festival de Cine Independiente de Estados Unidos pero cada una ostenta altos niveles de realización. El criterio ha sido preferir calidad a cantidad para mostrar las expresiones de una producción que se aleja de los cánones de los grandes estudios de Hollywood. Directores consagrados y realizadores en desarrollo así como grandes intérpretes y nuevos talentos conforman la batería de esta muestra que se presentará desde este viernes 4 de julio en los cines Paseo del Trasnocho Cultural, la Cinemateca Nacional, La Previsora,el Ateneo de Caracas y ciertas sala de Cines Unidos y Cinex, bajo la organización de la Embajada de los Estados Unidos de América, el Circuito Gran Cine y Queiroz Publicidad. Las que he podido ver hasta ahora me parecen obras de notable presencia que no dudo en recomendar. A continuación se las detallo.

El dia que mataron a Kennedy (”Bobby”, 2006), dirigida por el actor Emilio Estevez, estuvo postulada el año pasado al Globo de Oro como mejor película. El Kennedy al que hace referencia no es Jack, el presidente, sino Bobby, el senador. El film sigue la evolución de 22 personajes ficticios en el hotel Ambassador de Los Ángeles, la víspera en que Robert F. Kennedy fue abaleado. Posee un elenco de lujo conformado por Laurence Fishburne, Heather Graham, Anthony Hopkins, Helent Hunt, Lindsay Lohan, Willian H. Macy, Demi Moore, Sharon Stone y Elijah Wood.

Una de las mejores es La Conspiración (”In the valley of Elah”, 2007), de Paul Haggis, director de Crash, que le valió el año pasado una postulación al Oscar como mejor actor a Tommy Lee Jones por su interpretación como Hank Deerfield, veterano de guerra norteamericano que debe investigar la desaparición de su hijo Mike, soldado destinado en Iraq que se ausenta sin permiso de su base. Con la ayuda de la detective Emily Sanders y de su mujer, irá reviviendo las experiencias del muchacho en Iraq. Lo que descubre le hará incluso cuestionarse su propia carrera militar. Cuenta con las actuaciones de Susan Sarandon y Charlize Theron.

En un plano violento se halla Promesas peligrosas (”Eastern promises”, 2007) otra inquietante película del canadiense David Croneneberg que contó con el protagonismo de Viggo Mortesen —candidato al Oscar como Mejor Actor— y Naomi Watts acompañado por el francés Vincent Cassel. Cuenta la historia del misterioso y carismático Nikolai Luzhi, nacido en Rusia, chofer de una de las familias más importantes del crimen organizado de Europa Oriental, asentada en Londres. La familia pertenece a la hermandad mafiosa Vory V Zakone.

La coproducción entre México y Estados Unidos La Misma Luna (”The same moon”, 2007), de la debutante Patricia Riggen, narra la historia de Rosario, una mujer mexicana que trabaja de manera ilegal en los Estados Unidos mientras que su madre cuida de su hijo Carlitos en una localidad al sur de la frontera. Circunstancias inesperadas llevan tanto Rosario como a Carlitos a embarcarse en sus propias travesías, en un desesperado intento por reunirse.

En Sospechas mortales (”Alpha dog”, 2007) dirigida por Nick Cassavetes, hijo de John Cassavetes y Gina Rowland, se aborda los tres fatídicos días en las vidas de un grupo de adolescentes al borde del abismo en un ambiente de lucha por el poder y de narcotráfico. Cuenta con las actuaciones de Ben Foster, Sharon Stone, Bruce Willis, Matthew Barry, Emile Hirsch y el cantante Justin Timberlake.

Otra de las mejores es Camino a la Redención (”Reservation road”, 2007), de Terry George, director de Hotel Rwanda, que fue protagonizada por Joaquin Phoenix, Mark Ruffalo, Mira Sorvino y Jennifer Connelly. Un duro pero muy bien construido drama sobre la ética y la culpa cuando un accidente de tránsito arruina la vida de dos familias de Coinnecticut.

La Familia Savages (”The Savages”, 2007), ópera prima de Tamara Jenkins, se sumerge en el mundo de los hermanos Wendy y Jon Savages, quienes después de haberse liberado del dominio de su padre, ahora se encuentran firmemente anclados a unas vidas propias bastante complicadas cuando tienen que convivir después de muchos años. La protagonizan Laura Linney y Philip Seymour Hoffman. Esta película fue candidata al Oscar como mejor guión, de la propia Jenkins, y como mejor actriz para Linney.

Otra película importante es la protragonizada por Robin Williams y Holly Hunter, Un golpe de suerte (”The big white”, 2007), de Mark Mylod. Se desarrolla en Alaska, donde Paul Barnell es propietario de una agencia de viajes y está pasando por una situación personal complicada ya que su mujer, Margaret, sufre de una enfermedad degenerativa. Paul decide utilizar el cadáver que aparece en un basurero cerca de su oficina, para intentar cobrar la póliza del seguro de vida de su hermano, con el fin de poder mudarse con su esposa a un lugar más cálido.

También el Cine Móvil Popular estará presentando una selección de películas en los espacios públicos de la ciudad de Caracas, como la plaza Bolívar, la plaza Brión de Chacaito y la UCV, entre otros.

El Festival de Cine Independiente de Estados Unidos 2007 es patrocinado por Hasgen Dazs, Movistar, Pernod Ricard, Something Special, Solera, El Nacional y FRecuencia Mágica.

En la página web del Circuito Gran Cine —www.grancine.net— pueden ustedes obtener más información acerca de las proyecciones, horarios, fichas técnicas y sinopsis de todas las películas que serán proyectadas durante el Festival.

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A pesar de ser uno de los más importantes productores mundiales de vino, Argentina disfruta desde hace relativamente pocos años del esplendor de la exitosa comercialización internacional de sus caldos. Antes uno tenía que viajar a Buenos Aires para beber un malbec o un torrontés. Casas como Zuccardi, Zapata, Bianchi, Fichman, Navarro Correas, Trapiche, Nieto Senetiner y tantas otras más, alimentaron el mercado doméstico sin mayores pretensiones de exportación. Ahora están presentes en más de 60 países gracias a una operación de marketing que ha desplazado parcialmente la hegemonía chilena en nuestros predios y ha entrado a competir con los productos de California, Australia y Nueva Zelanda en mercados tan importantes como el norteamericano. No en balde Argentina es el país invitado de la quinta edición de El vino toma Caracas, que se desarrollará en el Centro San Ignacio del jueves 10 al sábado 12 de julio.

De nuevo los espacios abiertos de este mall caraqueño permitirán durante tres noches que el público interesado en la cultura del vino pueda disfrutar de una enorme gama de etiquetas de Europa, América, Oceanía y África, en un ambiente relajado y entusiasta. Poco a poco, El vino toma Caracas ha venido consolidándose como un evento permanente y necesario, con el aporte de distribuidores, importadores, vinaterías y restaurantes de distintas tendencias, pero sobre todo con el apoyo del público que siempre plena sus áreas públicas.

Además de presentar sus mejores productos comercializados en nuestro país, el pabellón de Argentina ofrecerá actividades de degustación dirigida a través de una cata con José Alberto Zuccardi, propietario de la famosa bodega que lleva su nombre, y otra con Elizabeth Checa, reconocida periodista especializada que trabajará los vinos de Finca Fichman.

El vino toma Caracas estará dividido en dos grandes áreas, una para el Nuevo Mundo y otra para el Viejo Mundo. En la primera tendrá lugar destacado el pabellón de Argentina, acompañado por los locales de Chile, Australia, Suráfrica y Venezuela. En la segunda se hallarán los pabellones de España, Portugal, Francia e Italia. Las áreas estarán visiblemente identificadas, iluminadas con luz fluorescente, con escupideras adecuadas y serán atendidas por un equipo especializado de apoyo responsable del suministro de hielo, agua y de la limpieza y cualquier requerimiento por parte del expositor.

El acceso es libre para el público. Cada asistente podrá adquirir por sesenta bolívares fuertes una cuponera con seis tickets para disfrutar de degustaciones y otra cuponera de sesenta bolívares fuertes para quienes deseen probar tapas y canapés especialmente preparados para el evento. Al cancelar su tickera, el visitante recibirá una copa de obsequio que no estará identificada con ninguna marca de vino en particular. Con el fin de realzar la feria y elevar el nivel de los vinos expuestos, El vino toma Caracas estipula que las etiquetas de un estándar de calidad medio hacia alto —de un especial interés para el público— tengan un valor de degustación de hasta tres tickets.

Durante el evento, los restaurantes, cafés y bares del Centro San Ignacio estarán abiertos para llevar a cabo promociones auspiciadas en alianza con los expositores participantescon el fin de estimular el consumo de vino y la afluencia de público a los locales. En Plaza Ávila se llevará a cabo una programación de conciertos.

La cata con José Alberto Zuccardi y sus vinos de Bodegas Zuccardi se llevará a cabo el viernes 11 a las: 7:30 pm y el sábado 12 a las 6:00 pm. con un cupo de 30 asistentes cada una. En La Viña del Señor, nivel Terraza del Centro San Ignacio.

La cata con Elizabeth Checa y los vinos de Finca Flichman será el sábado 12 a las 8:30 de la noche para un cupo de 30 asistentes. En La Viña del Señor, nivel Terraza del Centro San Ignacio.

¿Reservar en estas catas? Escriban a elvinotomacaracas2008@gmail.com.

Desde su fundación en Brooklyn, Nueva York, a finales del siglo pasado, Rastro Dance ha logrado estructurar una trayectoria notable que ha llamado la atención de la crítica y del público. Conducida por la venezolana Julieta Valero Barroso con la participación de Edgar Rodríguez, Daryl Corniel y Cynthia Cortés, esta compañía norteamericana se presentará el jueves 3 y el viernes 4 de julio en el Celarg de Altamira, en Caracas, a las 8 de la noche. con dos coreografías recientes: Frágil (2006) y Shuffle (2007). Danza de vanguardia que propone nuevos caminos.

Fue hace ya varios años cuando Julieta Valero Barroso decidió que lo suyo era la danza y que no quería hacer otra cosa sino bailar o crear coreografías. Pasó por los espacios de Danza Hoy de las hermanas Urdaneta en Caracas y en la neoyorquina escuela Cunningham hasta que logró superar los obstáculos y fundo Rastro Dance, pequeña copmpaía que goza de prestigio entre los entendidos.

Rastro Dance ha participado en 14 festivales internacionales, entre los cuales destacan el Festival de Danza de Araracuara, en Brasil, en septiembre de 2007; el Festival Internacional Avant Garde de Yucatán, en México, en mayo de 2007; el Voice 4 Vision Puppets Festival de Nueva York, en octubre de 2006; el Discovering Latin America del Institute of Contemporary Arts de Londres, en junio de 2006; el Gilded Pony Performance Festival de Nueva York, en mayo de 2006; la muestra Venezuelan Sounds, en Washington DC, en junio de 2005; el Festival Mundial de Solos y Duetos, en Venezuela, en 2004; el DancenowNYC 2004 At Joyce SoHo, en Nueva York; la V Temporada Internacional de Danza Contemporánea de Medellín, en 2001; el Festival Internacional de Teatro de Caracas en 2001 con La Ciudad en Movimiento; y el Internationale Tanz Messe NRW, de Essen, Alemania, en 2000, entre otros.

Con Frágil Valero se planteó investigar el concepto de la fragilidad, sus múltiples y contrastados significados,a la vez que explora la percepción de la “fragilidad” como una debilidad e inestabilidad, cuando realmente, a veces, mostrar vulnerabilidad podría ser manifestación de gran fuerza y madurez.

En cambio, en Shuffle, bailada al compás de un collage musical, trabaja sobre acciones y rutinas de movimientos que evolucionan en nuestro día a día. Explora cómo las rutinas pueden ser consecuencias de las interacciones con el otro o simplemente nuestra adaptación individual al mundo que nos rodea.

Frágil (2006) 25min. Coreografía: Julieta Valero y la colaboración de los bailarines Leigh Atwell, Maya Krishnasastry, Marilu García, Edgar Rodriguez y Julieta Valero Música: Anouar Brahem. Diseño de luces: Carolina Puig. Vestuario: RASTRO

Shuffle (27min) 2007. Coreografía: Julieta Valero en colaboración con los bailarines Leigh Atwell, Maya Krishnasastry, Marilu Garcia y Edgar Rodriguez. Música: Perroroboto y Kevin Johansen. Vestuario: Rstro. Diseño de luces: Rastro. Diseño de sonido: Marcelo Añez. Escenografía: Andrés Montiel

Esta 17ª edición de la Feria Iberoamericana de Arte que concluyó el lunes pasado no sólo tuvo un palpable éxito de público sino también marcó una renovación de sus espacios hacia corrientes de vanguardia, por una parte, y de consagración de ciertos clásicos, por la otra. Una labor tenaz que ha trazado una ruta de logros alrededor de los más diversos tipos de expresión plástica provenientes de distintos lugares del planeta, aunque especialmente Iberoamericanos. De nuevo se cumplió la cita anual en los predios del Hotel Tamanaco InterContinental con la participación de más de 30 galerías de Colombia, México, Argentina, Corea, España, Estados Unidos y Venezuela, por una parte, y de algunas fundaciones privadas promotoras de la cultura nacional, por la otra. La FIA fue todo un éxito.

Se mostraron pinturas, esculturas, obras gráficas, objetos y fotografías, incluyendo piezas grandes maestros y creaciones más contemporáneas de la escena plástica nacional e internacional. En cuatro días se realizó este encuentro entre galerías, artistas y público. Galeristas de Colombia, por ejemplo. me confesaron sentirse muy complacidos con el entusiasmo que plenó el Salón Naiguatá y sus alrededores. Vendieron obras, establecieron nexos artísticos y comerciales, marcaron nuevas orientaciones para las futuras ediciones de la FIA. Algo similar ocurrió con galeristas evnezolanos.

El homenaje que se rindió a José Antonio Dávila fue un reconocimiento a su trayectoria que permitió reunir pìeszas suyas de distintos épocas y diversas técnicas y temáticas. De esta forma fue posible recorrer varias décadas de trabajo que revelaron la evolución de su realismo social.

Por su parte, la fotógrafa peruana Cecilia Paredes recibió el reconocimiento de la FIA como artista internacional. Su trabajo artístico plantea una metamorfosis entre la naturaleza humana y la animal, entre lo real y lo irreal, partiendo de su figura en una búsqueda de lo femenino, tanto en sus fotografías como en sus “fotoperformances”, donde instala un camuflaje con semillas, piedras, plumas, plantas o conchas en su propio cuerpo para crear imágenes antropomórficas.

La programación contempló el XI Salón CANTV Jóvenes con FIA, que se extenderá hasta el 27 de julio en el Centro Cultural Corp Banca, en La Castellana, bajo la curaduría de Lorena González, quien seleccionó las obras de 20 artistas jóvenes bajo el concepto de lo legitimo y lo ilegitimo. Este salón contó con invitados especiales y la presencia internacional del Proyecto Changarrito, con el patrocinio de CANTV.

De igual manera se lleva a cabo la sexta edición del Encuentro Iberoamericano de Fotografía —del 19 de junio al 20 de julio— en los espacio de la Fundación BBVA Provincia, también en La Castellana, con el patrocinio de la misma institución, donde se expone la trayectoria de la fotografía en Venezuela hasta nuestros días, con más de 250 fotografías sobre el universo femenino que bajo el título de Ledas y Airosas seleccionó el curador Nicomedes Febres.

Otro evento muy especial fue el II Salón del Humor Gráfico Pedro León Zapata, con la curaduría de Alberto Asprino y con el patrocinio de Newell Rubbermaid Venezuela y su pluma Waterman. Rayma Suprani, de El Universal, fue la ganadora del premio del salón, con dos piezas gráficas que revelan las contradicciones entre la austeridad y la ostentación del régimen político que actualmente domina a Venezuela.

Con este encuentro internacional de las artes plásticas disfrutamos de un evento que reúne en un mismo espacio la excelencia, la tolerancia y la pluralidad y que expresa el importante aporte de la empresa privada a la promoción cultural, con un claro sentido de la responsabilidad social ante el arte.

La FIA 2008 fue patrocinada por la Alcaldía de Baruta, la Distribuidora Diageo y su escocés Buchanan’s, el Banco Mercantil y Corp Banca. Unido al proyecto Instituciones privadas apoyan el arte en esta XVII edición de la FIA estuvieron presentes la Colección Patricia Phelps de Cisneros, la de la Fundación Banco Mercantil y la de la Fundación Banco Canarias.

El corazón de Pedro León Zapata sigue palpitando, pese a todas las adversidades. Tras una operación quirúrgica y cuatro semanas de terapia intensiva, Pedro León necesita la ayuda de todos los que lo admiramos y queremos. Por eso un grupo de amigos han organizado una gran subasta de arte venezolano para recaudar fondos que le permitan cancelar los costos hospitalarios. Varios artistas han donado sus obras que serán subastadas el próximo domingo 6 de julio en Ciudad Banesco. Ahora nos toca a nosotros. Allí estaremos.

A medida que avanza la proyección de Beethoven, monstruo inmortal, detecto tres ideas muy claras que ofrece su realizadora Agnieszka Holland. La primera es que se trata de una película muy musical, obviamente, pero no sólo en el sentido sonoro del vocablo sino en la expresión visual de la obra del compositor alemán, es decir, en la percepción de su música a través de imágenes, gestos y movimientos dotados de un ritmo propio. Ese carácter visual de su música se expone en los fantásticos 17 minutos que dura la secuencia del estreno de la Novena sinfonía en la Viena de 1824 cuando —según el guión de Christopher Wilkinson y Stephen Rivele— el propio Ludwig van Beethoven la dirige con la ayuda de una “apuntadora”. La segunda idea es que el verdadero personaje principal del film no es el genio de Bonn sino Anna Holtz, la hermosa chica de 23 años que quiere ser compositora y se convierte en la copista de las partituras del maestro. Ella es la que conduce la trama, la que cambia la actitud del músico y la que evoluciona como ser humano ante el rechazo y la admiración que siente por el furioso creador. Y la tercera idea, tal vez la más importante, es que casi todo lo que cuenta la película es ficción, no se apega a la verdad histórica, es producto de la imaginación de los guionistas y de la directora polaca. Ni existió Anna Holtz ni Beethoven dirigió el estreno de la Novena ni era capaz —en 1824— de escuchar un cañonazo a su lado pues su sordera era total desde la década anterior. No obstante, Copying Beethoven es una película inquietante y seductora.

Film controvertido y audaz, Beethoven, monstruo inmortal ha provocado rechazo y admiración a la vez. Yo me cuento entre los últimos. Es evidente que a la señora Holland no le interesaba hacer una biografía filmada del músico alemán. Eso que ahora llaman biopic. Le importaba más narrar el proceso de transformación y de conflicto que anida en la personalidad de un creador, en los momentos más difíciles de su existencia como artista y como ser humano. Dicho de otra forma, Beethoven se sabe cercano a la muerte física pero a lo que más teme es a la muerte creadora. En su mente convergen ideas religiosas heterodoxas con actitudes megalómanas que acompañan su trabajo frenético y su batalla contra la sordera. Ha perdido prestigio en la corte del archiduque y de las autoridades espirituales. La capital musical del mundo de entonces lo mira con desdén, lo piensa acabado. Y en eso aparece un ángel que le otorga una tregua a su lucha incesante. Incluso, un ángel con figura de mujer que se atreve a corregirlo. Ese elemento femenino se torna medular a lo largo del relato en la medida en que Anna no sólo tiene que batallar para lograr la aceptación del maestro sino para hacer valer su condición de mujer. Esta es la cuarta idea de la película.

Narrativamente, el film se construye como un largo flashback —tiene más de back que de flash pues dura casi toda la película— que parte de lo conocido —la muerte del músico en 1827— para remontarse a 1824 e introducir elementos y personajes catalizadores de la trama. A buen resguardo de las intenciones biográficas, la autora de Europa Europa y Olivier Olivier propone una ficción que ningún historiador puede avalar pero que funciona como factor dramático para la comprensión del genio. O para su rechazo. O para su admiración. O para lo que sea. Holland literalmente zarandea a Beethoven y llama la atención sobre su sufrimiento, su angustia, su genialidad. Parte de sus limitaciones —la sordera, la vejez, la arrogancia— para establecer un contraste entre creación y ausencias. La música del silencio es la obra de un sordo genial. El artista como campo de batalla en sí mismo. Una vieja y persistente idea que ha desplegado en otros de sus filmes.

Heredera dilecta de la llamada escuela polaca —hay que recordar que fue asistente de Krystof Zanussi y Andrej Wajda y colaboradora estrecha de Krystof Kieslowsky, además de autora de una filmografía brillante tanto en Polonia como en Francia—, la señora Holland disfruta escandalizando a los conservadores. A la manera del Amadeus de Milos Forman, su film transita caminos osados, arriesgados, no complacientes. Con sesenta años a cuestas le importa una pamplina frita lo que puedan criticar de su visión irreverente del orden. Su puesta en cámara es audaz —especialmente en la escena memorable del estreno de la Novena— pero lo es más su mirada femenina para cuestionar la dominación. Otra de sus antiguas obsesiones. La fotografía del británico Ashley Rowe contribuye de manera importante en la creación de las atmósferas dramáticas de esa relación de admiración y rechazo que se establece entre maestro y alumna. Y, sobre todo, Holland no incurre en la estupidez de la “salida romántica”, es decir, de la invención de una relación amorosa entre Beethoven y Anna. Más que un romance, lo que la directora propone es un proceso de conflictos y afinidades que no pasan por los clichés al uso.

Muchos admiran la actuación de Ed Harris como Beethoven —algo que es imposible negar en un intérprete esencial de la escena norteamericana de las últimas décadas— pero en este caso me inclino más por el trabajo de Diane Kruger, una actriz alemana de mucho menor trayectoria que ha logrado superar el reto de su personaje pero sobre todo ha superado la limitación que le impone su belleza física, aunque esto suene contradictorio. Me explico. Es muy poco frecuente que una ex top model se convierta en una buena actriz. Poco frecuente pero posible, a juzgar por su trabajo como Anna Holtz, con su mirada, sus gestos, su dicción y su “traducción” del personaje. Al fin y al cabo, ella es el motor central de la historia y el título original del film —Copiando a Beethoven— se refiere más a su actividad que a la del genio. Y en esto Agnieszka Holland estaba muy clara. Que la disfruten.

BEETHOVEN, MONSTRUO INMORTAL (”Copying Beethoven”), Estados Unidos, Reino Unido y Hungría, 2006. Dirección: Agnieszka Holland. Guión: Christopher Wilkinson y Stephen Rivele. Producción: Sidney Kimmel, Christopher Wilkinson, Stephen Rivele y Michael Taylor. Fotografía: Ashley Rowe. Montaje: Alex Mackie. Música: Maggie Rodford. Elenco: Ed Harris (Ludwig van Beethoven), Diane Kruger (Anna Holtz), Nicholas Jones (archiduque Rudolph), Matthew Goode (Martin Bauer), Ralph Riach (Wenzel Schlemmer), Joe Anderson (Karl van Beethoven), Bill Stewart (Rudy), Angus Barnett (Krenski). Distribución: Cinematográfica Blancica.

Hace ya algún tiempo, tal vez un año, un amigo me contó que una pareja amiga suya lo invitó a cenar en casa y que se deleitó con un menú “muy bien equilibrado que evidenciaba una buena materia prima y un respeto por las técnicas tradicionales de la cocina francesa, aunque los platos se orientaran hacia la culinaria asiática”. Después de sus elogios, la anfitriona sonrió con picardía y se sinceró: “esta cena no la cociné yo sino la encargué a Contrabando, una empresa de catering”. Esa fue la primera oportunidad en que escuché —gracias a mi amigo, suerte de corresponsal culinario— el nombre de Gabriela Machado, la cocinera que según él podría echa por tierra mi tradicional temor a la cocina de catering. Siempre afirmábamos que íbamos a llamar al número de Machado para encargarle los platos de una cena especial. Pero nunca lo hicimos. La semana pasada me enteré —gracias a mi amiga Ángela Oráa— que Contrabando está cumpliendo cuatro años de actividad y que lo pensaba celebrar en grande con un gran almuerzo.

Lamentablemente, por razones de trabajo, no pude asistir a ese almuerzo que me cuentan estuvo magnífico. Según me relata Ángela, “en un apartamento de un hermoso edificio de la urbanización El Hatillo, Gabriela transformó el área social en un enorme comedor de 20 puestos. La decoración distaba de ser una vivienda estándard. Todo giraba en torno a la cocina. Al fondo se veían un enorme mueble, una vajilla de estilo oriental blanca y azul y cientos de platos. Estantes diseminados por toda la casa muestraban productos provenientes de China, India, Tailandia y Japón, traídos por ella misma en su condimentado equipaje en incontables peregrinaciones gastronómicas. En el techo pendían lamparas de papel en forma de globo de color rojo. Muchas flores exóticas diseminadas por el hogar, daban el toque femenino al centro de operaciones, oasis culinario hecho a su imagen y semejanza”.

Caraqueña, diseñadora gráfica y criadora de gatos y perros, Machado —cuando contaba los treinta años— descubrió que su atracción por la cocina era muy fuerte y decidió dedicarse a tiempo completo a la alquimia de los alimentos. Ángela sigue contándome: “Sin dudarlo mucho, tumbó paredes, modificó el espacio y montó una cocina industrial, donde holgadamente instaló nueve neveras, refrigerador, mesa profesional de trabajo, donde cabe el tren de personas que la asisten. Celsosamente cuida una bateria de artefactos y accesorios, infreastructura que le sirve cuando la contratan para hacer comida, no importa donde, sea una playa o en medio de la selva”.

Curiosamente, la formación profesional de Machado no fue en la parisiense escuela Cordon Blue ni en las catalanas Hoffman o San Pol de Mar sino comiendo en los mejores restaurantes de Nueva York, París, Fez y tomando cursos básicos. Esto habla de su talento y su disciplina.

Lo cierto es que me perdí ese almuerzo de celebración pero me regalaron el menú para estimular mi envidia y mi gula. Lo comparto copn ustedes:

Chef Gabriela Machado

Menú Asia Europa

Caracas, 17-06-08

Crema de castaña y fôie gras acompañada con el Late Harvest 2005 de Undurraga

Crema de manzanas, cebollín, langostinos y toque de cilantro con el Sauvignon Blanc 2007 de Los Vascos.

Terrine de conejo, pepino chino sobre mesclun de lechugas, aderezado con acetto balsamico

Medallón de mero en salsa de vino con bok choy

Pasta rellena de espinaca con salsa de tomatey cebollín asiático

Con el mismo Sauvignon Blanc 2007 de Los Vascos

Roastbeef de lomito, puré de papa dulce y ratatouille de calabacín

Confit de chuletas de cochino sobre couscous israelí

Con Marqués de Caceres 2004

Cascos de higo, melocotón y helado de vino dulce.

Degustación de crème brûlée y helados de té verde, chocolate y mandarina

Con espumante francés Grandin

Si quieren más información o solicitar un catering pueden llamar a Gabriela Machado por los teléfonos 0416-6375464 y 985.8134 o escribiendo a gcontrabando@gmail.com, cdcindochina@hotmail.com

A fines de los noventa, mientras preparaba mi doctorado en Salamanca, descubrí que era latinoamericano. Durante los 30 años que viví en México jamás reparé en esa condición: sólo el contraste con mis anfitriones españoles, más directos y claros que mis compañeros costarricenses, venezolanos y colombianos, me hizo sentir parte de la comunidad bolivariana. La identidad, comprendí entonces, es mutable y se construye en perpetuo contraste con los otros. Aun así, frente a los conflictos que desgarraban a otros países europeos, en esa época España lucía como un paraíso para los inmigrantes, en especial para los pocos que, como yo, disfrutaban de un visado. Salvo un par de ocasiones en que, con más torpeza geográfica que discriminatoria, fui llamado sudaca, siempre me sentí bien acogido, en casa.

Más o menos en esa época el presidente del Gobierno español proclamó: “España va bien”, y de la noche a la mañana miles de ciudadanos de países que no iban tan bien giraron sus brújulas hacia esa nación cuyos habitantes tanto se enorgullecían de su hospitalidad hacia los extranjeros, acaso porque aún no se topaban con ellos en cada esquina.

Han pasado diez años desde entonces y España ha dejado de ser aquel reducto. Sus grandes ciudades se han poblado de restaurantes mexicanos, peruanos y argentinos —por no hablar de marroquíes—, símbolos de los cientos de miles de latinoamericanos que ahora viven y trabajan, con o sin papeles, en sus tierras.

Como era natural que sucediera, el racismo y la discriminación han aumentado ante este flujo repentino, pero no de manera alarmante. Incluso, adelantándose a su tiempo y despertando la ira de la derecha europea, el primer Gobierno de José Luis Rodríguez Zapatero decretó una amplia regularización de indocumentados —para usar el término de los mexicanos en Estados Unidos— aunque, como me hizo ver José María Ridao hace poco, en términos económicos se tratase más bien de una regularización de empleos.

De forma predecible, la derecha no tardó en aprovechar el descontento o la simple molestia de ciertos sectores de la población -los parados o quienes de pronto se fijaban en el acento o el color de la piel en las filas de los servicios sociales- para obtener un beneficio electoral. Sin papeles y extranjeros ilegales comenzaron a llenar las primeras planas gracias a políticos sin escrúpulos que confiaban en ganar votos recogiendo —o de plano inspirando— el miedo de sus electores.

Menos previsible ha sido la forma cómo el actual Gobierno socialista ha reculado frente asus posiciones anteriores y, en vez de priorizar la defensa de los derechos humanos -uno de sus principios esenciales-, ha preferido congraciarse con la derecha europea.

Hay que repetirlo con claridad: el nacionalismo es —siempre ha sido— una fuente de discriminación basada en el más puro azar. Uno no puede decidir dónde nacer —el jus soli— o de dónde son sus padres —el jus sanguini—, de modo que el acta de nacimiento, el pasaporte y el DNI son instrumentos que el poder impone a los individuos de forma arbitraria: el biopoder denunciado por Foucault.

¿Qué diferencia a un niño nacido en Albacete de padres españoles de uno nacido en Madrid de padres ecuatorianos, aun si éstos son ilegales? Nada, excepto que uno de ellos puede ser enviado a un lugar que ni siquiera conoce y el otro no. ¿Y a un adulto peruano y uno español, ambos con empleos legales en Madrid? Nada excepto que, sin haber cometido delito alguno, uno puede ser internado durante semanas en una cárcel -desterremos el eufemismo un centro de detención- o expulsado del hogar que ha elegido libremente —repatriado— y otro no. Ambos trabajan, ambos pagan impuestos, ambos se ganan la vida. ¿Por qué esta injusticia? Porque a uno le hace falta un papel: eso es todo.

Mi amigo Nacho Padilla, también alumno de Salamanca, escribió un magnífico cuento para niños, Los papeles del dragón típico. Un día el dragón de los cuentos extravía sus papeles —aquellos que lo acreditan como dragón— y a partir de entonces ninguna princesa acepta ser raptada por él y ningún príncipe quiere combatirlo. Poco a poco deja de ser relevante y al final se desvanece. Carecer de papeles significa dejar de existir. O, en nuestro mundo, dejar de ser visto como humano.

La nueva directiva europea sobre inmigración, como las que existen en otros países —incluido, dolorosa y patéticamente, el mío, México—, legitima la discriminación de Estado. Todos odiamos las comparaciones con el nazismo, pero ello no impide denunciar la lógica fascista de este tipo de ordenamientos. Ahora nos parece monstruoso que se haya discriminado a los judíos a causa de su “raza”: un concepto inventado por el poder para legitimar la persecución. ¿No es igual de atroz discriminar a alguien por su “nacionalidad”, otro concepto igualmente arbitrario?

En su artículo 13, la Declaración Universal de los Derechos del Hombre establece: “1. Toda persona tiene derecho a circular libremente y a elegir su residencia en el territorio de un Estado”. Uno tiene derecho a vivir y trabajar legalmente en cualquier parte: interpretar este precepto de otra forma significa acotar, impunemente, la igualdad entre los seres humanos. Duele oír que los socialistas españoles hablen de regular la “inmigración legal” y rechazar la “inmigración ilegal”, porque en esta última sólo cabrían quienes han sido arrancados de su país contra su voluntad y, aun en ese caso, la ilegalidad sólo afecta a los tratantes, no a las víctimas.

Basta de hipocresías: la derecha ha ganado la partida desde el momento en que incluso la izquierda teme defender a seres humanos que sólo persiguen un mejor nivel de vida y cuyo único delito es no haber nacido en el lugar correcto. Hace unos meses viajé de México, donde ahora resido, a Barcelona, una ciudad tan importante en mi mundo imaginario como Salamanca. Por primera vez el guardia fronterizo me exigió mi boleto de regreso y me llenó de improperios al no poder mostrárselo. He vivido casi cinco años en España y no tengo dudas: también es mi país aunque no tenga —y quizás nunca vaya a tener— papeles para demostrarlo. De tenerlos, hubiese votado por los socialistas. Y ahora me sentiría doblemente dolido al constatar su olvido y su traición.

* Publicado en El País de España el 27 de junio de 2008.

Tomo en préstamo el título de la obra dramática que, denominada de esa manera, ha escrito la magnífica dramaturga venezolana Jennys Pérez. La ocasión es propicia porque en el debate sobre el “socialismo del siglo XXI”, Roberto Hernández, ministro del Trabajo, cita al viejo pensador alemán para explicar la flamante propuesta presidencial de forjar una alianza productiva entre el gobierno y las corporaciones privadas. El socialismo, advierte Hernández, no puede cimentarse en la escasez; lo procedente entonces es desarrollar las fuerzas productivas, para lo cual se hace indispensable aliarse con las empresas privadas y —agrego yo, por pura inferencia— aceptar la lógica del mercado, que es la razón de ser de esas empresas. Marx se hubiera extrañado de una revolución socialista que partiera de la miseria y no del ímpetu de las fuerzas productivas. Cuando —según su criterio— el modo capitalista no pudiese ya contenerlas tendría que romperse para que aquellas crecieran ad infinitum. Y esa ruptura es la revolución, según consignó en su famoso Prólogo a la Crítica a la Economía Política.

Pero todos sabemos que semejante esperanza nunca fue colmada, de donde dimanan dos posibilidades: Marx tenía razón y entonces todos los socialismos históricos fueron o siguen siendo una impostura, o no la tenía y por lo tanto el socialismo puede construirse sin conexión con el desarrollo de la capacidad productiva, a la que incluso debería embridar. Me llama la atención que Hernández se coloque en la primera posición, lo que supone varias tomas de distancia y entre ellas la admisión de que en Venezuela hay escasez estructural. Dominaba en la esfera oficial la idea contraria. Los especuladores y acaparadores serían los principales responsables de que los alimentos y otros artículos no llegaran regularmente al pueblo, o que lo hicieran pero con precios cada vez más inflados. Reconoce Hernández que el sistema construido en estos años tiene un serio problema productivo que le impide avanzar hacia el socialismo. La solución sería la alianza con la burguesía dándole un lugar preeminente en la economía, como acaba de decidir el presidente Chávez.

Así llegamos a la nuez. Surgen dos tendencias que se aprecian también en el debate abierto en Cuba desde el discurso de Raúl Castro del pasado 26 de julio: o el socialismo sólo puede edificarse con una revolución productiva bajo la dirección de la burocracia revolucionaria o nacerá desde abajo, con énfasis en lo colectivo independientemente de que se eleven o no las fuerzas productivas. Los ensayos auto y cogestionarios y las empresas de producción social no han dado ni podían dar el resultado esperado.

En ausencia de lo que ahora sostienen el presidente y el ministro Hernández, la esfera colectiva se organizó sin fines de lucro y por lo tanto desaparecieron la mayoría de las cooperativas y empresas productivas y cogestionarias. Apegarse irracionalmente a lo que ostensiblemente no funciona hará crónicas la escasez y el desabastecimiento mientras se desboca el potro de la inflación. Estas dificultades podrían superarse produciendo más, de modo que se restablezca el equilibrio entre la oferta y la demanda, avance la sustitución de importaciones y la oferta interna mejore la provisión en los anaqueles.

Pienso que en el ánimo del ministro que retorna a la vieja ortodoxia, debe estar resonando el clamor despertado por la crisis alimentaria mundial. Un clamor que pide incrementar la producción, promover nuevas revoluciones verdes, atraer inversiones y ofrecer incentivos a los productores. Lo acaba de postular en Lima la V reunión de Jefes de Estado de Latinoamérica, el Caribe y la Unión Europea en su declaración final: la única salida —la única, subraya— al drama alimentario universal es producir más alimentos. ¿Y cómo hacerlo con una economía autogestionaria subsidiada? El presidente responde: con una fuerte alianza entre el gobierno y los empresarios privados, mientras más poderosos, mejor. ¿Y el socialismo? Ya veremos.

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La inhabilitación —por parte del contralor general de la República, Clodosvaldo Russián— de Leopoldo López, Enrique Mendoza y otros importantes dirigentes políticos nacionales y regionales, se ha repetido hasta el cansancio, es inconstitucional, ilegal y, además, viola disposiciones expresas de la Carta Interamericana de los Derechos Humanos. Los argumentos señalados por juristas tan calificados como Alberto Arteaga Sánchez, Juan Rafalli y Gustavo Linares Benzo, son irrebatibles. Ante esas razones los epígonos del oficialismo, incluido en primer lugar el Contralor, apenas logran balbucear algunas frases incoherentes y sencillamente necias. ¡Cómo se les ocurre, por ejemplo, acusar a López y a Mendoza de malversación de fondos, mientras asumen la defensa irrestricta de un mandatario como el teniente coronel que regala miles de millones de dólares a Cuba, Bolivia, Argentina y Nicaragua, aparte de los que distribuye a diestro y siniestro, sin que la Asamblea Nacional o la Contraloría General autoricen o supervisen ese gasto! Al contrario, utiliza esas instituciones como dóciles cómplices para descuartizar los recursos de la nación.

Impedir la participación en procesos electorales de dirigentes políticos importantes con posibilidades reales de triunfo, constituye una práctica a la que recurren tradicionalmente los dictadores. A ese expediente apelan Fidel Castro, Alberto Fujimori, Robert Mugabe y Vladimir Putin, para solo citar una pequeña muestra de la larga lista de déspotas que utilizan su inmenso poder y su férreo control de las instituciones del Estado, para aniquilar a sus adversarios prescindiendo de la opinión del pueblo que se expresa en las urnas electorales. Desde luego que esas prohibiciones siempre están amparadas en una disposición arbitraria, diseñadas a la medida de los intereses del tirano y ejecutada por un funcionario abyecto que se presta para cometer el abuso y darle visos de legalidad.

Lo que más irrita del recurso al que está echando mano el comandante Chávez no es su inconstitucionalidad, sino su inmensa cobardía y el miedo inveterado que refleja, propio de lo guapos de barrio cuando se ven obligados a encarar a un adversario que no se intimida frente a sus bravuconadas. Leopoldo López y Enrique Mendoza, según todas las encuestas, tienen la posibilidad de triunfar en la Alcaldía Metropolitana y en el estado Miranda en las elecciones del 23 de noviembre próximo. La razón del Gobierno para inhabilitarlos reside allí: ambas plazas son estratégicas para el proyecto continuista de Hugo Chávez, y recibiría un golpe noble para sus afanes reeleccionistas si sale derrotado en ellas. Frente a esa probabilidad ciertamente elevada prefiere que sus candidatos, Aristóbulo Istúriz y Diosdado Cabello, se enfrenten con opositores que no se encuentren tal altos en los sondeos de opinión.

El procedimiento es sencillo y brutal: se elimina al contendor más calificado a través del mecanismo que se controla, el burocrático. Es como si el Consejo Mundial de Boxeo, para favorecer al campeón de turno, elimina de la lista de retadores al primero del ranking y manda pelear al monarca con el último de la tabla de clasificación. Esa táctica perversa es la que está aplicando Chávez: mantiene las elecciones de gobernadores y alcaldes como instrumento de consulta para las elecciones de las autoridades regionales, pero se sacude de encima a sus contendientes más poderosos mediante subterfugios ilegítimos que sumergen en el ostracismo a los rivales más peligrosos.

Si el profesor Istúriz y el teniente Cabello son tan populares como ellos mismos dicen —el primero fue el más votado en las elecciones internas del PSUV— ¿por qué no se miden en gallarda lid con López y Mendoza?; ¿por qué admiten que Hugo Chávez apele a un ardid tan siniestro como la inhabilitación para sacar a esos dirigentes opositores de la liza?; ¿por qué no acceden que sean los electores de la Gran Caracas y de Miranda quienes decidan cuál es el líder mejor preparado para gobernarlos? Si los chavistas son tan demócratas como alardean en las cadenas, en VTV y en los innumerables medios impresos, radiales y televisivos que financian con recursos públicos, ¿por qué no aceptan que el liderazgo real se dirima en la urnas de votación?; ¿por qué apelan a una práctica tan despótica?

La razón es obvia: el comandante tiene miedo y, por añadidura, no confía en la capacidad de sus más cercanos colaboradores; sabe que sin la fuerza de la daga que amputa aspiraciones, sus discípulos se quedan sin palabra, sin mensaje que pregonar y sin energía. Cabello tiene muy poco que exhibir en Miranda; han sido cuatro años grises. Istúriz ya perdió una vez con Antonio Ledesma, y ahora podría ocurrirle lo mismo ante López, comprometiendo el futuro de su jefe, quien aspira meter de nuevo, y por vía del contrabando, el tema de la reelección indefinida.

La democracia en el pasado fue indulgente y benévola con los golpistas. Nunca los inhabilitó políticamente de forma permanente. Solo los anuló mientras estuvieron presos, y, por cierto, por muy poco tiempo. La Corte Suprema de Justicia en 1998 impidió, ingenuamente, que a Chávez se le quitara el derecho de ser candidato presidencial. Las consecuencias de estos desaciertos e inocentes generosidades las hemos pagado muy caro. Pero, así paga el diablo: con ingratitud. El comandante no posee la virtud de la reciprocidad.

Lo único que logrará que Chávez eche para atrás la execrable e inmoral medida es que haya movilizaciones importantes. Esperemos que los estudiantes tomen de nuevo la iniciativa.

Buscamos imitar a un Vietnam que se quedó atrás, que su pueblo trata de olvidar. En algunas oportunidades el presidente Chávez ha expresado su deseo, disfrazado de preocupación, de ver a la América Latina convertida en mil Vietnam. ¿De qué Vietnam estaremos hablando? Para responder a esta pregunta, leamos extractos del mensaje que le está presentando el Primer Ministro de Vietnam al pueblo norteamericano, a propósito de su visita a ese país durante la semana que hoy finaliza.

“Desde su normalización hace 13 años, la relación entre Vietnam y Estados Unidos ha realizado importantes progresos en muchas áreas. Esta cooperación ha creado unas bases cada vez más sólidas para los dos países y nos da confianza en el futuro. Hoy, Vietnam es conocido como un país estable y pacífico, con una economía de mercado muy dinámica. El país se ha enfocado intensamente en integrarse ampliamente en la economía mundial, creando las condiciones mas favorables para las empresas y las inversiones domésticas y extranjeras, incluyendo las de Estados Unidos… “.

Si fuese el presidente Chávez quien estuviese visitando a Estados Unidos, su carta, utilizando la misma estructura de la del vietnamita, diría así:

“Desde que llegué al poder hace 10 años, la relación entre Venezuela y Estados Unidos ha experimentado notables retrocesos en muchas áreas. Esa falta de cooperación ha destruido parte importante de nuestras bases… Hoy, Venezuela es conocida como un país poco estable y proclive al conflicto, con una economía cada vez más estatizada. El país ha buscado aislarse del mundo, haciendo cada vez mas difícil los negocios y las inversiones tanto domésticas como extranjeras, particularmente de Estados Unidos”.

Sin duda, no estamos buscando parecernos a ese Vietnam de hoy que, entre otras cosas, está teniendo logros notables en la superación de la pobreza. Más bien buscamos imitar a un Vietnam que se quedó atrás, que su propio pueblo trata de olvidar. Grave desorientación histórica.

Hola amigos en Venezuela y el mundo. Bienvenidos de nuevo a Ideas de Babel.

En el campo del cine nos referimos al documental dramatizado El camino a Guantánamo, de Michael Winterbottom y Mat Whitecross, y My blueberry nights, primera película rodada en EEUU del celebrado realizador chino Wong Kar Wai. En el terreno del teatro escribimos sobre Aldemaro, ese emotivo homenaje que Federico Pacannins hace sobre una de las figuras fundamentales de nuestra música. Y en materia culinaria compartimos nuestra experiencia en la cata de tres sugerentes y satisfactorios vinos de la chilena Viña Ventisquero agrupado bajo la marca Grey.

Como ya es costumbre, publicamos las valiosas opiniones de Alexis Márquez Rodríguez, Gerver Torres, Trino Márquez, Alicia Freilich y Edgar Cherubini Lecuna. Y en esta oportunidad queremos destacar muy especialmente La izquierda lunática, lúcida conferencia de la periodista catalana y dirigente de izquierda Pilar Rahola, y la dramática advertencia Control mental, del psicoanalista venezolano Adrián Liberman.

Finalmente, un poema de Eugenio Montejo para recordarlo: Creo en la vida.

Esperamos que les guste.

Lo primero que vemos es el rostro de George W. Bush en el momento en que afirma: “los tipos que están en Guantánamo son malos”. Se refiere a los prisioneros de la base militar norteamericana ubicada en un costado de Cuba. Corte al rostro preocupado de Tony Blair, quien mira a lo lejos sin mucha certeza. Comienza entonces El camino a Guantánamo, un documental dramatizado que narra la historia de “los tres de Tipton”, aquel trío de muchachos británicos de origen paquistaní que en septiembre de 2001 —a escasos días de los atentados contra Nueva York y Washington— fueron a una boda en Pakistán y cruzaron la frontera con Afganistán, donde fueron hechos prisioneros y acusados de formar parte de Al-Qaeda y, posteriormente, llevados a la base militar en Cuba, escenario de torturas y vejaciones infrahumanas. Tres años después, ya declarados inocentes, los tres muchachos de Birmighan contaron su historia a los cineastas ingleses Michael Winterbotton y Mat Whitecross. El resultado es una obra fuerte que conmueve por su valor testimonial.

Tras las primeras imágenes de una vida tranquila en las midlands, surgen las imágenes de los preparativos del viaje a Pakistán que se intercalan con los testimonios de los tres amigos que cayeron prisioneros. Con un montaje ágil se cuenta cómo deciden ir a Afganistán y la dramatización se intensifica cuando tres de los jóvenes fortuitamente caen prisioneros de la Alianza del Norte y luego son enviados a Cuba como sospechosos de ser miembros de Al-Qaeda. Los acompañan muchos otros que están ahí por razones igual de fortuitas.

Las torturas, los interrogatorios y las inhumanas condiciones de cautiverio son mostradas no tanto como un ejemplo de crueldad, sino de estupidez. La vívida reconstrucción de la experiencia en la isla no trata tanto de denunciar lo que ya se sabe sino de dejar un testimonio para el futuro, para cuando autoridades más racionales encuentren formas más racionales para luchar con el terrorismo islámico. Los detalles de todo lo que pasaron estos tres jóvenes están ahí para que nada se olvide, de modo que los futuros gobiernos de EE.UU. y el Reino Unido recuerden esta vergüenza cuando tengan que tomar otras decisiones ante otros problemas.

Más allá de la infamia con que cargará el gobierno estadounidense por la base en Cuba y el uso que le da, el documental también pone el acento en la participación británica en este caso. La acción sugiere discretamente que la inmediata presunción de culpabilidad que asumen los funcionarios británicos que interrogan a los jóvenes se debe tanto a la posición sumisa del gobierno británico ante EE.UU. como al hecho de que los acusados son morenos y no tienen nombres anglosajones ni celtas.

Esta película ganó el Oso de Plata a la mejor dirección en el Festival de Berlín, y cuando los actores y dos de los ex presidiarios volvían a Inglaterra fueron retenidos en el aeropuerto por la policía inglesa, insultados y hostigados. Tal vez este “premio” fue más valioso que el obtenido en Alemania pues es la prueba fehaciente de que el documental pegó donde más duele. Que, a fin de cuentas, es de lo que se trata todo esto.

EL CAMINO A GUANTÁNAMO (”The road to Guantanamo”), Reino Unido y Pakistán, 2006. Dirección y guión: Michael Winterbotton y Mat Whitecross. Fotografía: Marcel Zyskinf. Montaje: Michael Winterbotton y Mat Whitecross. Música: Harry Scott y Molly Nyman. Elenco: Riz Ahmed, Frahad Harum, Waggar Siddiqui y Afrad Usman, entre otros. Distribución: Amazonia Films.

Hace poco la gente de la importadora Cigo invitó a una cata de tres varietales de Viña Ventisquero agrupados bajo la etiqueta de Grey en el restaurant Alto de Carlos García. El merlot 2005, el syrah 2005 y el cabernet sauvignon 2004 fueron presentado en ese orden por Horacio Fuentes, el más joven de los cuatro maestros enólogos de la casa vinícola chilena. Tres tintos distintos que comparten la frutosidad en nariz y boca y la persistencia en el retrogusto. La experiencia fue muy agradable y ofreció varias sorpresas que quiero compartir con ustedes.

La primera de ellas fue conocer —antes de la cata— que apenas diez años atrás Ventisquero sembró su primera parra en el valle de Maipo y sólo hace cinco años comenzaron a comercializar sus distintas líneas de blancos y tintos. Hoy sus productos están presentes en más de 40 países. Trabajan especialmente varietales en varias líneas de calidad ascendente hasta llegar a Grey, su orgullo, que presenta también el sauvignon blanc y el chardonnay, en los blancos, y un misterioso carmènere, en los tintos, que pronto se comercializará en Venezuela.

La segunda sorpresa es que luego de estos topes de gama de varietales surgen los vinos insignias de la casa, Vértice y Pangea, ambos productos de ensamblaje de varias cepas y con guarda en madera, que han venido trabajando bajo la asesoría del enólogo australiano John Duval, muy conocido en otros lares. Una y otra etiqueta aún no se comercializan en Venezuela.

La tercera sorpresa se haya en la agronomía de precisión de Ventisquero. Fuentes explicó que la recolección de los racimos de uva fue realizada a mano, en su momento justo. La agronomía de precisión combina factores que ayudan a saber el momento preciso en el que debe realizarse la cosecha. En el proceso de vinificación los sabores son redondeados con la madera que le otorga la guarda de 18 meses en barricas de encina francesa, más un año de afinamiento en botella. Los factores de la agronomía de precisión son cuatro: fotografía satelital; mapeo de conductividad eléctrica; muestreo de bayas (uvas en racimo) en campo que se traducen a gráfico de altosianos y fenoles; y la intuición del enólogo al probar las bayas en el terreno mismo.

Otro tema importante tratado fue lo que los franceses llaman el terroir, es decir, el valor de los suelos donde se cultiva. Las uvas de los tres vinos catados, provienen en un 100 % del Valle del Maipo, región privilegiada en cuanto a uvas para tintos. De interés para el consumidor es saber que la apuesta a futuro de la línea Grey es con el merlot y shiraz, cuyo cultivo pasó al famoso Valle de Apalta, considerada entre las 12 mejores regiones vinícolas del mundo. En otras palabras, a partir de la vendimia que recién culminó en mayo de 2008, se espera una calidad aún superior.

La cata

Merlot 2005. Con 85% de merlot y 15% de cabernet sauvignon fue envejecido en barrica francesa y permaneció en botella un año más ante de salir al mercado. Se cosecha en la segunda quincena de marzo en el valle del Maipo. Tiene un color rojo azulado y profundo, con notas de granate y aroma de gran intensidad, donde resaltan las notas de cereza mezclada con pimienta negra y tabaco. Tiene personalidad y gran cuerpo. Se debe servir entre 16 a 18 grados centígrados. Va bien con pastas, comida condimentada y culinaria española.

Syrah 2005. Compuesto de 85 % de syrah y 15 % de carmènere, también provenientes de Maipo. Guardó reposo durante 18 meses en barrica de encina francesa y un año en botella antes de salir al mercado. Presenta un rojo muy oscuro, azuloso y profundo con aroma complejo a mora, arándano, vainilla y chocolate. Con buen cuerpo de rica y suave estructura y de taninos casi achocolatados que dejan un final frutal y persistente. Se debe servir entre 16 y 18 grados centígrados. Armoniza con carnes y asados y algunos quesos. Cuando Fuentes expuso que este syrah 2005 tiene un potencial de guarda de 15 años —algo realmente sorprendente para cualquier vino de alta gama— provocó una breve polémica sobre la validez de este juicio. Habrá que guardar algunas botellas para beberlas en 5, 10 y 15 años.

Cabernet sauvignon 2004. Estructurado con 85% de cabernet sauvignon y 15% de syrah, ambas del Maipo, también con 18 meses en barrica de encina francesa y un año en botella antes de salir al mercado. Rojo rubí profundo, aromas intenso donde sobresale la fruta madura, casis, arándano, frutillas silvestres, pimienta negra, chocolate, todo esto matizado con notas de caramelo y vainilla aportadas por la barrica de encina francesa. En boca se expresa con estructura elegante, concentrado y envolvente con taninos presentes, maduros y muy bien logrados, que le dan buen cuerpo con un final a tabaco y chocolate. Igualmente, servir entre 16 y 18 grados centígrados. Va muy bien con platos de alto contenido de grasa y bien condimentados, quesos maduros como emmental, brie, carnes grilladas.

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Hay un tema que obsesiona a Wong Kar Wai, que planea sobre sus ideas y se convierte en su gran leit motiv de sus filmes más importantes: la sincronía afectiva. Dicho así parece un tecnicismo pero en realidad es un concepto que aborda la oportunidad del amor y la adecuación de las contradicciones de la relación afectiva, tanto en la cultura china de sus obras anteriores como en los nuevos ambientes que ha comenzado a explorar. Esto sucede en su primera película rodada totalmente en inglés y en Estados Unidos. En My blueberry nights, que aquí se titula El sabor de la noche, la desconsolada Elizabeth —su pareja la ha desechado por otra chica— conoce a Jeremy, un inglés que atiende una cafetería de nombre ruso en Nueva York y traban una amistad alrededor del despecho, sus necesidades de cariño y un delicioso pastel de moras que consumen cada noche. Pero aún no ha llegado el tiempo del amor.

El realizador chino que ha legado filmes tan sensoriales como In the mood for love (2000), Happy together (1997) y Chung King Express (1994) —a través de los cuales ha propuesto una visión distinta de la China de hoy, con todas sus contradicciones pero también con toda su riqueza ancestral— propone en su nueva obra una visión de la pareja como campo de batalla pero también como espacio para la esperanza, así tenga un perfil tremendamente desconsolador y triste. My blueberry nights representa un giro en su filmografía y lo coloca mundialmente como un cineasta que trasciende la cultura china y se ubica en el campo de la humanidad a secas. Algo paradójico: aunque hablada en inglés y filmada en Nueva York, Menphis y Las Vegas, El sabor de la noche no es una película norteamericana sino una coproducción entre Hong Kong, China y Francia totalmente rodada en EEUU.

En la cafetería de Jeremy hay un botellón lleno de llaves de apartamentos dejadas por gente que ha roto con su pareja y quiere devolvérselas a sus amantes —sin verles las caras— pero éstos nunca van a recoger sus respectivas llaves. Es una especie de abandono pero también de esperanza. Elizabeth (muy bien interpretada por la cantante Norah Jones, en su primer trabajo como actriz) deposita su propia llave y regresa cada noche y la llave está allí. Todo terminó. Aunque le atrae Jeremy (el siempre eficiente Jude Law), su amigo venido de la lejana Manchester, decide recorrer el camino hasta Menphis, en una especie de peregrinaje en busca del amor, donde trabaja en bares y cafeterías. Azarosamente interviene en la vida de un policía (el muy expresivo David Strathaim) cuya desesperada esposa (Rachel Weisz) lo ha abandonado por otro. A veces el opuesto del amor no es el odio ni el miedo sino la muerte. Elizabeth sigue su camino a Nevada y conoce a una chica ludópata (Natalie Portman) que le abre su corazón como amiga, incluida la relación de amor y odio que guarda con su padre. De nuevo la muerte es determinante. Tras casi un año de huida de sí misma, Elizabeth regresa a Nueva York, a la misma cafetería de nombre ruso donde la espera Jeremy. Es el tiempo del amor.

Un planteamiento sencillo pero efectivo desarrollado con una puesta en escena que prioriza el encuandre, es decir, el punto de vista de la cámara que se desplaza por las escenas como si fuese el ojo de un fisgón que espía las aventuras y desventuras de Elizabeth y sus amigos. La fotografía de Darius Khonji y del propio Won Kar Wai diferencia las sombras de una Nueva York siempre nocturna, con sus trenes que la atraviesan, de la luminosidad de Las Vegas, donde noche y día son igual de deslumbrantes. El otro factor expresivo fundamental se haya en la banda sonora, cuya música original estuvo a cargo de Ry Cooder, con el aporte de varias canciones de Norah Jones.

My blueberry nights es una obra de arte. Para disfrutarla sólo es necesario comprender la necesidad del amor en su momento justo.

(EL SABOR DE LA NOCHE (”My blueberry nights”), Hong Kong, China y Francia, 2007. Dirección: Wong Kar Wai. Guión: Wong Kar Wai, Laurence Block. Música: Ry Cooder. Fotografía: Won Kar Wai y Darius Khonji. Elenco: Norah Jones, Jude Law, Nathalie Portman, Ed Harris, Rachel Weisz y David Stratharin. China, Francia, 2007.

El 15 de septiembre de 2007 Aldemaro Romero entró en una dimensión aún más compleja, rica y legendaria. Con su muerte surgió la percepción de la ausencia, la comprensión de un legado que nos pertenece a todos los venezolanos y la nostalgia por una vida y una obra que trasciende la eterna y necia división entre los académico y lo popular. Esto es lo que nos permite conmovernos cuando vemos Aldemaro, ese homenaje musical y teatral que Federico Pacannins escribió, produjo y dirigió para que los demás recordáramos y disfrutáramos, de nuevo, a este maestro legendario.

Música, baile y actuación constituyen los soportes de este experimento escénico que se despliega como un acto amoroso en el que la amistad y la admiración dominan el desarrollo dramático. Es una suerte de crónica biográfica que se expresa, por una parte, como relato casi lineal sobre su biografía y, por la otra, como reconstrucción musical de su trayectoria. Lo cierto es que Pacannins no pretende otra cosa que homenajear al maestro de una manera legítima y personal.

En el primer caso, Beatriz Vázquez y Rafael Romero urden la trama siguiendo los pasos de Aldemaro —desde su Valencia natal y durante más de setenta años— como melómano, compositor, intérprete, director orquestal, promotor cultural y tantos oficios más que ejerció desde una formación autodidacta. Actor y actriz, Romero y Vázquez encarnan la voz de la representación, que conduce a una postura más comprometida, más crítica con respeto al entorno cultural venezolano.

En el segundo curso narrativo, un muy eficiente quinteto de cantantes y bailarines interpreta la música criolla, el género cañonero, el bailable, el jazz, la música académica y la Onda Nueva de su inspiración. Canciones como De repente, Me queda el consuelo, Mambo timbal, De Conde a Principal, Quinta Anauco, Hablaré catalán, El catire, Esta noche me voy a emborrachar con mi mujer, Poco a poco y Tonta, gafa y boba conforman este recorrido por su repertorio. Algunos echamos en falta Doña cuatricentenaria, homenaje de un valenciano a su Caracas adoptiva, pero entendemos que no es posible incluir todas las creaciones de Aldemaro.

El quinteto compuesto por Sandra Yajure, Mar