Recordemos un poco la historia. Tras perder un juicio con el poderoso y corrupto empresario Hans-Erik Wennerström, el periodista Mikael Blomkvist es contactado por otro capitán de empresas, el anciano Henrik Vanger, para averiguar la desaparición cuarenta años atrás de su sobrina Harriet. Simultáneamente, la enigmática y arisca Lisbeth Salander, investigadora de una firma de seguridad, es contratada para averiguar los antecedentes de Blomkvist. Sus vidas marchan paralelas. El periodista indaga en una historia muy sórdida y la hacker trata de librarse del acoso de un tutor de la seguridad social del Estado. Sus trabajos convergen para dar con la verdad del caso Harriet Vanger y del caso judicial de  Wennerström. Palabra más, palabra menos, este es el núcleo dramático de la novela y sus versiones fílmicas.

Creo que es fatuo comparar la adaptación de Los hombres que no amaban a las mujeres que hizo en Suecia el director danés Niels Arden Oplev con la versión de Fincher, pues más allá de las similitudes argumentales, ambas proponen visiones distintas pero convergentes. Me gustaron ambas. Son parecidas pero diferentes. Una y otra interpretan esta compleja historia de dos personajes cuyas vidas marchan paralelas hasta que una investigación los une alrededor de una mirada muy crítica de ciertos aspectos de la vida sueca. Oplev sintetizó con inteligencia ciertos pasajes y personajes de la novela. Fincher se asió a la fidelidad de la trama. Poseen finales diferentes. Lo importante es que una y otra se sumergen en los pantanos de la vida oscura de una sociedad altamente organizada a través de dos personajes muy particulares.

La personalidad más fuerte de la historia se halla en Lisbeth Salander, cuya conducta es definitoria en la resolución tanto del caso de Harriet Vanger como en la investigación de las actividades irregulares de  Wennerström. Aunque buena parte de la línea argumental se ocupa de Blomkvist (álter ego del propio Larsonn), la médula dramática la resuelve (no la conduce) Salander. Ella es la ficha que interviene cuando el juego está trancado, como se dice de forma coloquial. Pero al mismo tiempo posee la sordidez que caracteriza a los personajes de algunas de las películas de Fincher, particularmente Seven, El club de la pelea y Zodiac. Lisbeth es un ser humano marginal y marginado, rechazado y amado, que no conoce medias tintas, que va por el mundo en bajo perfil. Aunque la investigación del periodista constituye el nervio central del film, la trama personal de la hacker investigadora domina el tono de la narración. Según mediciones de mercadeo, todo el público recuerda primero a Lisbeth Salander sobre cualquier otro personaje.

El Fincher de La chica del dragón tatuado no es el mismo de El curioso caso de Benjamin Button o de Red social, sino el obsesivo director que indaga en las zonas más oscuras del alma y las conductas. En cierto modo se regodea con los pasajes más terribles de la historia con un detallismo cercano a la enajenación. Abunda en detalles, en giros sutiles, en bruscos cambios de trama, pero nunca abandona el tono de comprensión hacia personajes y situaciones dramáticas que pocos comprenden. En esta caracterización se tornan fundamentales la fotografía de Jeff Cronenweth y la dirección de arte de Donald Graham Burt. Y la música de Trent Reznor y Atticus Ross funciona como un alerta dramático. Fincher hace de las suyas y lleva el dramatismo hasta los extremos. En un momento dado, en medio de una dura secuencia, Lisbeth le pregunta a Blomkvist “¿puedo matarlo?”, con poco disimulado placer, y marcha a perseguir al pérfido Martin Vanger. Para ella los códigos morales y de conducta son distintos. No reconoce la razón jurídica de una sociedad. Está al margen y quiere permanecer allí.

El elenco se posesiona de la atención del espectador. Rooney Mara se encuentra sensacional como Lisbeth, con una definición de su personaje cercano a la complicidad moral. Una actriz que va al fondo del personaje y se expone de manera contundente. Se encuentra a la par de la célebre actuación de Noomi Rapace en la adaptación sueca. Por su parte, el británico Daniel Craig ejecuta con eficiencia su interpretación de Mikael Blomkvist, aunque no puedo olvidar la interpretación de Michael Nyqvist en el film de Oplav, mucho más parecido a un periodista normal. Completan el reparto actores de solvencia como Stellan Skarsgård, estupendo como el villano Martin Vanger, Robin Wright, quien dimensiona al importante personaje de Erika Berger, la socia del periodista, y Christopher Plummer como un convincente Henrik Vanger.

LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO (The girl with the dragon tatoo), Estados Unidos, Suecia, Reino Unido y Alemania, 2011. Dirección: David Fincher. Guión: Steven Zaillian, sobre la novela de Stieg Larsson. Producción: Ceán Chaffin, Scott Rudin, Søren Stærmose y Ole Søndberg. Fotografía: Jeff Cronenweth. Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall. Música: Trent Reznor y Atticus Ross. Dirección de arte: Donald Graham Burt. Elenco: Daniel Craig, Rooney Mara, Stellan Skarsgård, Robin Wright, Christopher Plummer, Joely Richardson. Distribución: Cinematográfica Blancica.

La Habana, jueves 13 de cctubre de 1960. Fidel promulga la Ley 890 que expropia todas las empresas industriales, comerciales, fábricas, almacenes, depósitos y demás bienes y derechos integrantes de las mismas. Esta ley incluyó bancos, centrales azucareros y también fábricas de peines y coloretes. Castro se apoderó de todo el aparato productivo, tiró un manotazo a empleos y salarios, pero sobre todo, a la calidad de vida de la gente. La población comenzó a empobrecerse, a perder sus patrimonios, viviendas, trabajos y ahorros. A partir de ese día los cubanos se convirtieron en miserables empleados sin derechos del Estado castrista.

La destrucción de la economía cubana desatada por esta expropiación forzada, fue encubierta por la ayuda soviética, que entre 1960 y 1990 suministró cerca de cinco mil millones de dólares anuales, cuyo total acumulado algunos han estimado en más de cien mil millones de dólares. Esta transfusión financiera es suplida ahora por  Venezuela con una cantidad anual parecida y cruelmente, por las remesas de los exilados cubanos en EEUU, que llegan a más de mil cien millones de dólares al año. Tremendo fracaso el de Fidel que convirtió a sus ciudadanos en mendigos del mundo.

Hoy en el 2012 podemos hacer un crudo balance: ¿cuánto ganaron y perdieron los cubanos con la destrucción de la propiedad privada? La economía cubana nunca se recuperó, es más dependiente que nunca, el desabastecimiento, las menguadas cartillas de racionamiento regulan el consumo de las familias y la crisis de servicios públicos  es total.

Cincuenta y cuatro años después, Raúl Castro inicia la lenta reversión del gran robo cometido al pueblo cubano, cuyo único fin fue destruir la propiedad privada. Un millón de trabajadores son botados a la calle en un país donde no existe empleo  privado, salvo el informal y donde la gente solo sabe servir al Estado. Se restituye la propiedad de la vivienda familiar cuando ya las casas se caen a pedazos. Razón tenía Fidel al confesar que el socialismo no servía ni siquiera en Cuba. Esta pesadilla se ha devorado a más de una generación. Los músicos cubanos tragados por la revolución, reaparecen  por iniciativa de Ray Cooder ¡un músico del imperio! El mundo entero vio emerger estas envejecidas figuras: Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Omara Portuondo y Rubén González, empobrecidos, llenos de talento y nostalgia por el mundo y la vida perdida en nombre de una revolución que hoy naufraga lastimosamente.

Los cubanos fueron robados. Hoy se intenta hacer lo mismo con los venezolanos. Todas las leyes contra la propiedad recientemente promulgadas, no son más que una violación de la Constitución y de nuestros derechos humanos: Ley de Tierras y Desarrollo Agrario del 28 de abril de 2005,  Decreto-Ley defensa de las personas en el  acceso a bienes y servicios, Ley Orgánica del Poder Popular de 2010, Ley Orgánica de las Comunas de 2010, Ley Orgánica del Sistema Económico Comunal de 2010, Ley  para la regularización y control de arrendamientos  de viviendas de 2011, Ley Especial para la entrega de la Propiedad de la Tierra en Barrios y Urbanizaciones Populares de 2010.

Todas esta leyes, al igual que la 890, encubren el gran asalto a nuestro patrimonio, son un robo, aunque se pague, porque no las mueve el interés colectivo general,  son apropiaciones forzadas con el fin de destruir la propiedad privada e imponer el comunismo.

Doce años después, el fracaso de las expropiaciones socialistas es inocultable. Una muestra es el plan Guayana Socialista. Los trabajadores denuncian el fiasco del colectivismo y el control obrero: “No hay una política, no hay voluntad de ejecutar el Plan Guayana socialista”, apuntan los dirigentes sindicales, que ya sufren en sus salarios y beneficios, la ruina e inviabilidad del colectivismo. Guayana se destruye junto con toda  la legión de productores y empresarios robados.

Hoy son dos mil quinientos treinta actos violatorios cometidos por el Estado. En contrapartida no existe ni un solo título de propiedad otorgado a los ciudadanos. Las expropiaciones lo único que han producido es desmesura de la propiedad del estado totalitario, una deuda pública triplicada, dependencia de las importaciones de alimentos y una inflación que destruye 30 por ciento del valor de los salarios, sobre todo en los hogares más pobres. Aún estamos a tiempo de parar el proceso que, irremediablemente, nos convertirá en los nuevos mendigos del mundo. Gracias María Corina por tu reclamo, no queremos ser otra triste parodia cubana.

isaper@gmail.com

Resulta que el presidente de una república democrática por carta constitucional, es asesinado frente al público cuando disfruta de un evento artístico. El país, casi en  ruinas, sigue dividido en dos sectores radicales aún después de una larga guerra fratricida para imponer opuestos sistemas de gobierno.

Ante el magnicidio, los altos mandatarios del grupo en el poder, algunos son héroes militares de la reciente batalla interior, obedientes seguidores de la nueva Constitución, encarcelan a los asesinos de su líder, todos civiles, para someterlos a la justicia militar, pues consideran que el país aún se encuentra bajo estado bélico de excepción.

Aplican la ley marcial a los conspiradores cuya culpa está comprobada salvo la de un acusado. Y se aprovecha este detalle para montar un juicio cuyo veredicto ya está cantado pero da la oportunidad de aparentar, en medio de la crisis general, el apego a la legalidad por parte del nuevo régimen. Así, sólo con funcionarios del gobierno en  rol testimonial que bloquean una investigación seria, se aparenta respeto a la institución judicial, raíz y columna garante del estrenado sistema. Se nombra pues como obligatorio abogado estatal, defensor del presunto cómplice del crimen, a un  heroico ex capitán del bando victorioso quien muy a su pesar cumple la orden oficial.

Esa ficción bipolar de simulacro, confusión, arbitrariedad, caos y montaje teatral político, muestra la aberración y debilidad de cualquier sistema erigido bajo el imperio del impulso emocional que legisla con normas a su conveniencia. Al legalizar el rencor vengativo surge una nueva Inquisición que conspira a fondo contra el propio Estado destruyendo su partida de nacimiento.

Pero en ese país democrático prevalece la ley fundacional y dos años después del espectáculo, la Corte Supremapor unanimidad corrige su propio error y mucho antes, el defensor ya retirado del oficio ejerce otro sorpresivo.

Este cuento de sonido tan familiar, salvo el final, es historia referida al presidente Abraham Lincoln, autor de “nadie es demasiado bueno para gobernar a otro sin su consentimiento”, tema de la película The conspirador, 2011 (en inglés pueden se él, ella o también ellos, según el caso) dirigida con alma y destreza por Robert Redford. Excelente guión, diálogo preciso, actuaciones y producción de sobria eficacia, una fotografía difusa del juicio que refleja lo turbio de la puesta en escena.

Sus críticos han discrepado hacia los extremos. Ni por asomo figura entre las pre-seleccionadas al Oscar. No fue exhibida en Venezuela.

Quizás porque exige una lectura más hacia el fondo de ojo que de mirada para competencias.

Con cierta frecuencia me hacen esta pregunta amigos y conocidos, quizás no con las mismas palabras pero en general la duda es la misma: ¿cómo escoger un vino bueno, bonito y barato para consumo frecuente, para acompañar las comidas diarias o quizás tomar una copa en la cena?

El año precedente he notado un aumento interesante en la cantidad de personas que están dispuestas a tomar vino con frecuencia, creo que influenciadas en su mayoría por la cantidad de noticias que han surgido detallando los beneficios del tinto para la salud e incluso para la longevidad. Esto también lo deben haber tomado en cuenta los productores de esta noble bebida, pues se ha incrementado mayormente la cantidad de vinos de gama media y baja que sacan al mercado, apelando a supuestos análisis que apuntan a que “la gente quiere ahora vinos donde resalte la fruta”, lo que traducen en bebidas jóvenes, económicas y fáciles de tomar, y que a su vez ha hecho aumentar la oferta de éstos en los estantes de supermercados, licorerías y tiendas especializadas.

Se me ocurrió entonces escribir algunos consejos, tomados de mi propia experiencia y la de algunos amigos y amigas, para evitar sorpresas ingratas al momento de probar un vino en la intimidad y quietud de un sencillo almuerzo o cena en nuestra propia casa.

Sabiendo que el precio es el principal factor no hablaremos en detalle de este punto, pero sí vale la pena agregar que no sólo existen vinos buenos en la categoría de los económicos, que podríamos acotar en Venezuela como aquellos menores a Bs. 100,00 (o menos de doce dólares americanos), sino que puedo afirmar con experiencia que los hay muy buenos.

Otro detalle importante a tomar en cuenta es que es en extremo difícil conseguir vinos malos en el mercado, por varias razones: una es que los importadores pasan por un trabajo tan arduo para traer botellas al país que difícilmente se les ocurriría apostar a una posible pérdida con productos de baja calidad; otra es la técnica de vinificación, que en todos los países productores se ha pulido muchísimo, lo que también permite obtener calidad incluso en caldos jóvenes; además tenemos a las personas que seleccionan los productos que venden en sus tiendas que también han aumentado su nivel de conocimiento y hacen su propio filtro de calidad. No está demás agregar que nuestros vinos nacionales, en específico los producidos por Bodegas Pomar, desde hace mucho tiempo podemos anotarlos en la lista de recomendables en cualquiera de sus categorías.

Lo anterior no quiere decir que todos los vinos económicos que compremos serán buenos siempre; hay, entre otros, dos factores que pueden ayudar a dejar un mal gusto en boca: los defectos y el gusto personal.

Hay diferencias entre un vino de mala calidad y un vino defectuoso. Cuando uno habla del primero se refiere a un vino que es correcto, sin defectos, pero que por alguna razón no cumple las condiciones para llamarlo un buen vino. Entre estas razones pueden estar que el caldo proviene de uvas de mala calidad, que no logró equilibrar los niveles de acidez y dulzor, que no muestra los aromas esperados a un blanco, tinto o rosado, o en el que sólo se perciben aromas a alcohol, o únicamente a madera, estos entre otros criterios más que valen para extenderse en otra entrada. Un vino con defectos es aquel que por algún error en su período de producción (vinificación y/o crianza), transporte o almacenaje, se dañó de alguna manera, bien por excesiva exposición a sustancias químicas (sulfitos) u orgánicas (levaduras), bien por contacto con algún hongo en la botella o corcho, también por sobre-exposición al oxígeno por un corcho vencido en su guarda o almacenaje donde incluso puede dañarlo la mucha presencia de sol o calor.

La segunda razón para que uno sienta un vino malo es el gusto. Hay personas a quienes no les gustan una bebida con notas ácidas muy acentuadas, demasiado frutales, demasiado dulces, o con algún sabor amargo al final del trago, o a quienes les parece difícil la astringencia que producen en labios y paladar algunos tintos que han pasado mucho tiempo en crianza en barricas de roble.

Entendiendo lo anterior podemos imaginar que la mayoría casi absoluta de botellas económicas que conseguiremos en el mercado serán buenos vinos, ahora el truco está en poder escoger un vino que nos guste y acompañe bien el consumo diario con comidas o con una buena lectura.

Para no extenderme mucho menciono algunas recomendaciones que creo podrán ayudar a esta selección:

• Compren un dispositivo para sacar el oxígeno de las botellas, son generalmente una pequeña bomba manual con unos corchos de goma especiales que permiten extraer el aire de la botella generando un vacío en ella, lo que evita que se sigan oxidando después de abiertos y puedan seguir consumiendo la botella por varios días. El que conozco y utilizo es de marca Vacuvin, pero quizás haya otras marcas en el mercado. Es casi un deber tener uno en casa.
• Una botella de vino rinde para8 a10 copas, dependiendo de su tamaño. Se supone que el consumo frecuente  no debe pasar de dos (2) copas al día para que sus efectos saludables puedan en verdad ser beneficiosos para la salud, y no ocurra lo contrario por un exceso de alcohol en el organismo. Tomen esta cuenta como base para calcular la cantidad de vino a comprar al hacer mercado. Una compra quincenal por ejemplo, podría incluir unas tres botellas para poder tener la suficiente para la siguiente visita al supermercado o tienda de confianza.
• Se debe tener siempre blancos y tintos para el consumo diario. Aunque no es exacta la vieja conseja de blancos para carnes blancas y tintos para carnes rojas, sí tiene su basamento lógico, pues los platosblancos como los hechos en base a pescados y aves, incluso ensaladas y las pastas con algunas salsas blancas, necesitan vinos suaves, frescos y de buena acidez que no superen o se impongan a la comida; la misma lógica aplica para los platos en base a carnes rojas, pastas con salsas rojas u oscuras, fiambres o sopas con sabores fuertes, requieren vinos con más potencia para lograr el nivel de sabores y aromas de éstos, con la astringencia necesaria para superar las grasas y otros matices en boca que producen las comidas de esta categoría. De acuerdo a sus preferencia o estilo de comidas diarias, compren blancos y tintos de tal manera que puedan acompañar sus comidas según la costumbre que tengan semanal, quincenal o mensualmente.
• No hagan caso de prejuicios estéticos comunes: La tapa de rosca o el corcho sintético, una etiqueta fea, una botella delgada, pequeña, o muy gruesa, ninguno de estos criterios impactan la calidad de un vino. No he probado vinos envasados en tetrapack, esas cajas cuadrangulares aluminizadas, pero entiendo que son vinos jóvenes de mesa bastante correctos, aunque personalmente prefiero mantener mi prejuicio en ese aspecto y consumir solamente los envasados en botellas de vidrio.
• Revisen la fecha: para la categoría de los económicos eviten vinos que marquen año de cosecha de más de dos a tres años. Hay los que aguantan más tiempo pero para arriesgarse hay que conocer bien la bodega, su proceso de vinificación, la región, y quizás otros datos más, por lo que prefiero recomendar que no se arriesguen en ese sentido, a menos que deseen hacerlo por probar o experimentar, que también es válido.
• El punto de la fecha nos lleva a otro criterio relacionado: el lugar donde compren el vino. Busquen supermercados, licorerías o tiendas donde sepan que hay buena rotación de vinos; por regla general la mayoría de los sitios no especializados carecen de un buen método de almacenaje de este tipo de licores pero es algo que no representa problema cuando las botellas se venden rápidamente.
• Revisen el líquido al servirlo, los vinos jóvenes y económicos deben ser muy limpios y brillantes, sin residuos o partículas de ningún tipo.
• Cuiden la temperatura al servirlos: los vinos tintos deben servirse frescos (de12 a15 grados) y los blancos fríos (de7 a10 grados); los rosados deben servirse a una temperatura intermedia entre las anteriores (de9 a12 grados aproximadamente).
• Prueben varias marcas, de varios países y de varias cepas (uvas) y vayan anotando cuáles son sus preferidas, de esa manera se irán formando una idea de qué vinos les gustan más para consumo diario y con el tiempo irán reduciendo el esfuerzo de selección.

Recordando estas recomendaciones podrán mejorar tanto la selección de sus vinos de diario como la experiencia al disfrutarlos solos o con comidas.

Ahora muchos se indignan —con argumentos propios del más lacrimógeno populismo latinoamericano— por la sola idea de legislar la piratería en Estados Unidos, España y otros países más o menos occidentales. Desde luego en Venezuela, país de derechos menguantes, de los derechos de autor mejor ni hablar.

Los argumentos de la masa pirática son una mezcla de anarquismo evangélico con vandalismo justiciero, no sin un torrente de lirismo comunitario. Todos consumimos gratuitamente lo que todos producimos porque todos somos hijos de Internet. Es el mantra del saqueo digital, ese que está poblando el planeta de un inabarcable reguero de chatarrería cultural. Hay quien afirma que las leyes son a beneficio de Hollywood (esa mafia enemiga del cine humanista, vivencial e inspirado), que los autores queremos cobrar pero también ser vistos, leídos, reconocidos y alguna vez amados. Nunca, ay, por dinero. Gente que cree que el arte, la tecnología, la ciencia y la cultura sin más son misiones jesuíticas. Esta turba demagógica hace rato necesitaba un héroe indiscutible, un mártir contra la ley. Le tocó a Kim Dotcom, ese esclarecido hedonista, ese filántropo salido de la demasiado abrigada Alemania hacia los campos soleados de Nueva Zelanda, ese Gatsby ahora entronizado por la adolescencia más vulnerable del mundo desarrollado y no tanto.

A menos que quieran sumarse al pensamiento mágico universal, alguien tiene que explicar algún día a la muchachada (a veces meramente retórica) de los países ricos la diferencia entre internet y la bola de cristal. Los ciudadanos de los países pobres, esos beneficiados por las almas sensibles de la red, quizá tardaremos en darnos cuenta de que la piratería no es una solución sino parte de nuestra pobreza. Nos condena a consumir deshechos y a veces a no consumirlos en absoluto, convierte en ganado a los autores, enriquece a quien tiene las códigos de la propiedad ajena y hace de la cultura una forma de la gracia divina. Ya sabemos la alternativa populista: subsidio, saqueo o buhonería. No es imposible imaginar otra: crear un espacio ciudadano en que el autor tenga tantos derechos como el usuario, en que el usuario no esté limitado a la adquisición de baratijas ni el comerciante sea un buhonero de incierta responsabilidad y ningún amparo legal de parte de la empresa o del Estado. Eso pasa por respetar los derechos y exigirles responsabilidades a quienes hacen de la cultura una forma de negocio lícito, sean editoriales, discográficas, productoras de cine, salas de exhibición o compañías tecnológicas. Todo lo cual supone una ley, ni demagógica ni corporativa.

Por supuesto el robo, incluido el carterismo más ratero, puede ser una de las bellas artes, y tiene de antiguo buen patronazgo, pero si no queremos quedarnos en su apreciación estética, al menos hay que llamarlo por su nombre. Con Kim Dotcom está preso uno de los rateros más representativos de la época. Veremos las consecuencias.

A principios del año pasado se estrenó en Broadway High, de Matthew Lombardo, con la dirección de Rob Ruggiero y la interpretación central de Kathleen Turner. La pieza recogió opiniones favorables de la crítica neoyorquina aunque no fue un éxito comercial. Tal vez porque trabaja el doloroso tema de la identificación de los demonios propios. Una mujer  con un pasado religioso intenta rehabilitar a un chico homosexual que se prostituye para pagar su adicción a las drogas, con la colaboración de un sacerdote que a su vez guarda un secreto sórdido. Son tres seres humanos que evidencian la persecución de la culpa. La obra fue adaptada al ambiente venezolano por Producciones Lazo bajo la dirección de Luis Fernández, con las interpretaciones de Carlota Sosa como la hermana Helena, Christian McGaffney como Andy y de Rafael Romero y Luis Fernández, quienes se alternan como el padre Miguel. La vi la noche de su estreno en el Trasnocho y sé que la primera función casi nunca es la mejor. Ahora debe estar en su punto pues la historia de tres seres atormentados más una puesta en escena vigorosa y creativa permiten apreciar un drama con toda su fuerza.

Fernández tuvo el tino de cifrar su puesta en escena sobre la base de las actuaciones de un elenco breve y compacto y en el manejo impactante de los dispositivos de la producción, especialmente la iluminación de José Jiménez y el diseño de la escenografía y del sonido, ambos del propio director. Presumo que optó por este camino ante un texto que —si bien plantea inquietudes lacerantes en un espacio que parece sin salida— se revela como previsible. El proceso de descubrimiento de los propios traumas constituye el hilo dramático de la historia. Cada cual se despoja del ropaje de lo aceptado a través del reconocimiento de sus miedos personales. Helena, Andy y Miguel interactúan descubriéndopse a sí mismos. Curiosamente sólo el muchacho se expresa a través de sus condición presente, mientras que la mujer y el cura se sumergen en sus pasados, sacrificando sus secretos, desnudando sus obsesiones particulares. Al final Andy se muestra con un ser humano atormentado pero también como el más auténtico. Y uno se pregunta quién necesita más la rehabilitación.

Las actuaciones de Sosa, McGaffney y Fernández —no he visto la de Romero— se articulan rápidamente con el nudo dramático del texto y enfatizan la función de cada personaje dentro de la trama. Priorizan el cómo expresar el conflicto sobre el conflicto mismo. Hay escenas de mucha fuerza entre el muchacho y la mujer o entre el muchacho y el sacerdote cuya validez se fundamenta en el trabajo interpretativo. Al principio todo aparece como muy políticamete correcto en un proceso de rehabilitación pero pronto adquiere el tono de la redención. Necesitan expiar sus culpas, sobre todo quienes están ligados a la fe. Lo significativo es que los tres personajes pasan de las palabras a las acciones que develan el disfraz de las frases y muestran duro rostro de la experiencia personal.

High (Alto) se encuentra impregnada de un fuerte sentido religioso, no sólo porque dos de sus personajes se definen a partir de la fe —como razón de ser, como excusa para dejar de ser—  sino porque su nervio central se sitúa en la puesta en duda de creencias y conductas. Crisis personales en medio de un caos emocional que se vive triangulado. La obra es dura, poco complaciente con el público, no pretende un acto de evasión sino una confrontación con el mundo interior y scereto de cada cual. Algo que hacía falta en el espacio teatral caraqueño.

HIGH (Alto), de Matthew Lombardo. Dirección: Luis Fernández. Producción: Mimí Lazo. Escenogradía: Luis Fernández. Iluminación: Joé Jiménez. Diseño de sonido: Luis Fernández. Elenco: Carlota Sosa, Christian McGaffney, Rafael Romero y Luis Fernández. Teatro Trasnocho. Vienes y sábado a las 10:00 pm y domingos a las 8:00 pm.

El compromiso de los aspirantes y partidos, refrendado una y otra vez, consiste en que el abanderado que resulte triunfador contará con el respaldo activo y entusiasta de los demás, con sus respectivas organizaciones, durante la campaña electoral. Este acuerdo se ratificó con la firma, el 23 de enero, de un programa de gobierno que sintetiza las aspiraciones comunes de todos los candidatos. La fecha escogida para la celebración del acto no fue azarosa. Ese día se cumplieron 54 años de la caída de la última dictadura que se instaló en Venezuela, la de Marco Pérez Jiménez. El gobierno que se instale el 10 de enero del venidero año posee una hoja de ruta con todas las coordenadas señaladas.

Los sondeos de opinión no son uniformes en cuento a la intención del voto en las primarias. Los pronósticos van desde señalar que participará 10% del padrón electoral, hasta indicar que lo hará alrededor de 30%. Cualquier cifra por encima del promedio mundial -10%- sería excelente para la democracia venezolana, pues reflejaría la voluntad indestructible del pueblo de combatir el autoritarismo. Una cantidad menor a ese porcentaje tampoco debe desanimar a los demócratas, ni ser considerada una catástrofe. El Gobierno, sobre todo en la provincia, posee muchísimos mecanismo de chantaje y coerción que deben considerarse en el momento de evaluar la participación electoral en un proceso que puede ser monitoreado y supervisado directamente por la poderosa maquinaria chavista. Además, cualquier número de votantes será superior a la voluntad exclusiva de autócrata, quien decidió ungirse de manera unilateral como candidato eterno. Se parece a los mandatarios de Corea del Norte..

En el lapso que queda antes de la cita de febrero hay que redoblar los esfuerzos para lograr que los votantes venzan el miedo y blindarse frene a los chantajes que el régimen intenta infundir.

Todas las amenazas y ataques que el país está presenciando con motivo de las primarias representan solo un anticipo de cómo se comportará el caudillo durante el período que va del 12-F al 7-O, fecha en la que se pondrá a prueba la sobrevivencia de Hugo Chávez en el poder. Durante esos ocho meses a la oposición le espera el uso en su contra de toda la artillería pesada del régimen. Ya lo anunció Chávez, secundado por Diosdado Cabello, presidente de la Asamblea Nacional, y por Henry Rangel Silva, nuevo ministro de la Defensa, quien en la toma de posesión subrayó su compromiso con la revolución socialista y su lealtad con el jefe del Estado.

Por ahora, la preocupación mayor debe concentrarse en resguardar la pulcritud de las elecciones primarias y asegurar el compromiso de los aspirantes en que esa cita, luego, no dejará huellas imborrables que impidan mantener y profundizar la unidad tras la búsqueda del gran objetivo de estos tiempos: recuperar plenamente la democracia en Venezuela.

@tmarquezc

Las presentes reflexiones han sido escritas como un breve homenaje al destacado economista chileno Jorge Ahumada Corvalán (en la foto), con ocasión de haberse cumplido los 50 años de la fundación del Centro de Estudios del Desarrollo (Cendes),  dependiente de la Universidad Central de Venezuela, siendo Jorge Ahumada uno de sus fundadores y su primer director. Al Cendes le correspondió, bajo el impulso del economista chileno, elaborar y dictar el primer postgrado en Ciencias de Desarrollo impartido en Venezuela y en América Latina. En la presente columna hemos recogido varias ideas publicadas en otros escritos y que nos ha parecido oportuno reproducir aquí con algunas importantes modificaciones de coyuntura.

Una interrogante preside y acompaña la presente reflexión ¿Qué idea de desarrollo es la que domina en el debate tanto académico como público sobre materias económicas y políticas en nuestro país? ¿Se trata de una visión integral centrada en la persona? ¿O se trata más bien de una visión que tiene un carácter esencialmente economicista con una clara vertiente ideológico-partidaria? Es aquí me parece donde se encuentra la vigencia y la actualidad de la obra intelectual de Jorge Ahumada C. (1917-1965), uno de los intelectuales y economistas más influyentes en Chile y América Latina en la década de los cincuenta, sesenta e incluso los setenta. En uno de sus grandes libros el economista chileno realizaba un lúcido y crudo análisis sobre la realidad de nuestro país hacia fines de los años 50:

Al regresar al país después de algunos años de ausencia, son muchos los chilenos que se sienten decepcionados y hasta heridos al comprobar que una nación que reúne todas las condiciones para que sus habitantes disfruten de una vida digna y llena de posibilidades, ofrece, en cambio, el espectáculo de la sórdida pobreza de los más, en contraste tan agudo con la ostentación orgullosa de los menos, que hiere la pupila del observador más distraído” (En vez de la miseria, Segunda edición, 1958, p. 13).

Es sorprendente y en cierto sentido “devastador” para el espíritu, que las reflexiones del gran pensador chileno fallecido repentinamente a los 47 años de edad en Venezuela, mantengan aún su plena vigencia, no obstante que han pasado más de cincuenta años desde que su genial y ya clásico ensayo conociera su primera edición. Recordemos que Jorge Ahumada al colocar a la economía -y también la política-,  como un instrumento al servicio del hombre, ya pavimentaba el camino para comprender que la crisis por la cual atravesaba nuestro país, era una crisis integral, y para salir de ella se requería de soluciones integrales y no puramente técnicas, de ahí la importancia que siempre le concediera al humanismo y a una visión cultural amplia sobre los fenómenos tanto económicos como políticos. Son estas ideas las que permean su vision del desarrollo tan ajena a los tecnócratas actuales tan carentes de sabiduría e incluso de sentido común:

La preocupación del desarrollo como objetivo social se justifica por la necesidad de conseguir que la convivencia entre los hombres transcurra sin asperezas y dentro de normas políticas que den el máximo de posibilidades para que cada miembro del grupo social consiga una vida digna. Y al mismo tiempo que es su justificación, constituye un llamado a la responsabilidad que en el proceso del desarrollo debe exigírseles a todos aquellos que han tenido la fortuna de adquirir una educación universitaria” (Jorge Ahumada, La planificación del desarrollo, Universidad Católica de Chile-Naciones Unidas FAO, 1972, p. 12 y 13).

Los últimos acontecimientos acaecidos en nuestro han removido ciertas “verdades” consideradas hasta hace poco como auténticos “dogmas”, derribando las frágiles certezas y el “mito” o “modelo” de “desarrollo tecnocrático” sobre el cual habíamos edificado tantos sueños y alimentado tantas ilusiones y utopías. Ciertamente, qué duda cabe, el remezón que han provocado los recientes movimientos ciudadanos tanto sociales como estudiantiles –más allá de las opciones ideológicas de muchos de sus dirigentes-, ha sido fuerte y para muchos de nosotros inesperado. Nos habíamos acostumbrado a vivir en un país que la arrogancia de economistas y políticos habían presentado como una suerte de “oasis” en América Latina. El modelo de desarrollo político y económico a seguir e imitar. La soberbia de tantos políticos, y líderes de opinión, apoyada sobre juicios ligeros y parciales tanto de los “clásicos” analistas de cifras y datos, “economistas” o “cientistas” políticos, con una formación humanista y ética prácticamente nula y con el mal hábito de “argumentar” solamente desde las frías cifras sin integrar la realidad concreta de las personas ¿Será por esto que habitualmente confunden una economía de mercado con una sociedad de mercado?

¿Qué idea de desarrollo entonces es la que ha acompañado y acompaña a nuestros líderes económicos y políticos? Que la pregunta quede abierta para que cada lector responda según lo que le ha tocado vivir en el anonimato de lo cotidiano. Lo que me interesa recordar, y esto Jorge Ahumada lo vio con una meridiana claridad, el desarrollo antes de ser una categoría económica o política es esencialmente una categoría ética, es decir está referido esencialmente a lo humano. Como lo recordará magistralmente Pablo VI:

El desarrollo no se reduce al simple crecimiento económico. Para ser auténtico debe ser integral, es decir, promover a todos los hombres y a todo el hombre. Con gran exactitud ha subrayado un eminente experto: ‘Nosotros no aceptamos la separación de la economía de lo humano, el desarrollo de las civilizaciones en que está inscrito. Lo que cuenta para nosotros es el hombre, cada hombre, cada agrupación de hombres, hasta la humanidad entera’” (Encíclica Populorum Progressio, n° 14).

Se nos podrá argumentar -y es cierto-, que en los últimos años hemos tenido progresos significativos en términos de indicadores económicos, las cifras lo señalan y lo avalan ¿Pero ese crecimiento ha llegado realmente a las personas más humildes permitiéndoles salir del círculo vicioso de la pobreza y así mejorar sustantivamente su calidad de vida? También no faltará quien nos diga -el papel da para todo-, que hay muchos países de América Latina, donde hay más pobreza y desigualdad que en Chile y eso es verdad. Sin embargo, quienes encuentran en ese argumento un fácil consuelo, “olvidan que los chilenos siempre hemos tenido la pretensión de ser un pueblo que marcha a la cabeza del progreso, imitando muy de cerca los avances espirituales y materiales de Europa y Estados Unidos…”. Por esto, “la mayoría de los chilenos rechazaría de plano el paralelo con muchos países asiáticos o africanos y también con países indoamericanos…  Para juzgarnos a nosotros mismos no podemos, en consecuencia, usar patrones que no corresponden a nuestras aspiraciones más íntimas” (Jorge Ahumada, En vez de la miseria, p. 13).

Volviendo al punto de inicio de la presente reflexión, creo que las agudas y penetrantes consideraciones de Jorge Ahumada contenidas en tantas de sus obras, mantienen su plena vigencia en sus principios y en su amplia visión humanista y cultural, siendo como un faro que nos permite comprender  la verdadera naturaleza de los problemas que nos aquejan y las soluciones que ellos requieren. Como lo destacara el Banco Central de Venezuela, con motivo de la publicación en la década de los 90 de las Obras Escogidas del destacado pensador y académico chileno: “Esta recopilación de ensayos, conferencias y artículos muestra la originalidad y fuerza del pensamiento económico de Jorge Ahumada, uno de los forjadores del pensamiento económico latinoamericano. Sus escritos han sido fuente importante de consulta para el estudio de los problemas de la América Latina y de Venezuela y para el análisis de sus soluciones”.

Ciertamente, hoy día vivimos en una sociedad completamente distinta a la que vivió el autor. Ya no estamos en la Sociedad Industrial sino en la Sociedad de la Información. Sin embargo, ¿alguien podría cuestionar la tesis del autor que la superación del drama de la pobreza y de las profundas inequidades que existen en nuestro país requiere de una solución integral fundada en una concepción humanista del desarrollo? Hemos tardado demasiado tiempo en asumir que el desarrollo que tanto anhelamos compromete tanto a la educación como a la economía, tanto a la ética como a la política, tanto a la cultura como a la sociedad… Esta tarea -entre otras cosas-, exige por parte de nosotros una nueva mirada sobre la realidad país. Una mirada que integre la óptica de los más necesitados y marginados de la sociedad. En concreto, que la mirada del pobre y desvalido sea también de algún modo nuestra mirada, que sus preocupaciones también sean las nuestras, que sus tristezas, angustias y alegrías también se hagan carne en nosotros. Esta nueva mirada ha sido expresada de manera maravillosa por el Papa Juan Pablo II, en su notable discurso pronunciado en la CEPAL y que me permito recordar aquí:

Al igual que yo, estoy seguro de que, tras el lenguaje conciso de cifras y estadísticas, vosotros descubrís el rostro viviente y doloroso de cada persona, de cada ser humano indigente y marginado, con sus penas y alegrías, con sus frustraciones, con su angustia y su esperanza en un futuro mejor. ¡Es el hombre, todo el hombre, cada hombre en su ser único e irrepetible, creado y redimido por Dios, el que se asoma con su rostro personalísimo, su pobreza y marginalidad indescriptiblemente concretas, tras la generalidad de las estadísticas!.

]]> http://ideasdebabel.wordpress.com/2012/01/27/por-una-economia-humanista-en-vez-de-la-miseria-por-rodrigo-ahumada/feed/ 0 Alfonso Molina Jorge Ahumada http://ideasdebabel.wordpress.com/2012/01/26/la-piel-que-habito-la-historia-de-una-venganza-una-transformacion-irreversible-un-viaje-sin-retorno-por-mary-carmen-algelich/ http://ideasdebabel.wordpress.com/2012/01/26/la-piel-que-habito-la-historia-de-una-venganza-una-transformacion-irreversible-un-viaje-sin-retorno-por-mary-carmen-algelich/#comments Fri, 27 Jan 2012 00:46:58 +0000 Alfonso Molina http://ideasdebabel.wordpress.com/?p=18956 Sigue leyendo →]]> ¿Thriller, drama o ciencia-ficción? Difícil contestar esta pregunta cuando nos referimos al último film de Pedro Almodóvar La piel que habito. Se trata de una de las películas más impactantes del director manchego, donde hay un fuerte predominio de  la ficción sobre la realidad. Gracias a su talento, ha utilizado el género negro, retorcido y perverso, para contarnos una historia de amor llevada a extremos que escapan de nuestra imaginación. Almodóvar ha demostrado conocer a la perfección las pasiones humanas como los sentimientos más intensos que nos llevan a situaciones desesperadas y sin esperanza alguna. Desde el comienzo la película crea expectativas y una extraña fascinación, que se va acentuando a medida que se desarrolla la trama. Un film donde Almodóvar toma riesgos, se atreve y gana.

Impecable la actuación de Antonio Banderas en su papel de Robert Ledgard, el eminente cirujano plástico que tras años de investigación logra crear una piel artificial, que hubiera podido salvar a su mujer suicida tras sufrir graves quemaduras en un accidente automovilístico. Un cirujano interesado en la transgénesis con seres humanos, y que no dudará en hacer uso de una praxis prohibida para cumplir su retorcida venganza. Es aquí donde Almodóvar nos cuenta una historia cargada de mentira, tan cruel como brillante, a la cual decide ponerle el nombre de Vera.

Comprendo que La piel que habito no guste a todo el público, así como sucedió en el año 2004 con La mala educación. Siempre he pensado que el cine de Almodóvar nos lleva a los extremos: o se ama o se odia. No puede haber términos medios. Amarlo es tarea fácil, sobre todo por ese admirable atrevimiento que tanto caracteriza a este director.

La trama no tendría éxito sin un reparto de altura. La combinación de los apellidos Almodóvar-Banderas actúa como uno de los mayores atractivos para los admiradores del séptimo arte. La frialdad con la que Banderas representa este personaje sin escrúpulos demuestra su exquisito talento. La actuación de Elena Anaya, quien interpreta al personaje de Vera, es inmejorable. Bella en cualquiera de sus planos. No dudo que se haya ganado el mérito de ser una de las actrices a quien Almodóvar siempre considerará a la hora de protagonizar uno de sus filmes. Debo mencionar  a la estupenda actriz Marisa Paredes en el papel de Marilia, la fiel “ama de llaves”, y a quien recuerdo con gran admiración por su trabajo en la película Todo sobre mi madre, ganadora del Oscar como el mejor  film de habla no inglesa en el año 1999.

La piel que habito goza de una estética impecable. La banda sonora de Alberto Iglesias, como siempre, fantástica. Nos envuelve en un sonido misterioso dando esa sensación de thriller que tanto  necesita transmitir este film. En cuanto al vestuario, Almodóvar no se quedó atrás. El modisto francés Jean Paul Gaultier contribuyó con su talento en la creación de los bodies que viste la actriz Elena Anaya, prendas claves en el desarrollo de los acontecimientos. El exquisito vestido de flores en llamativos colores pertenece a la colección primavera-verano 2011 de Dolce & Gabbana.

Si hay algo que me gusta de Almodóvar es ese toque tan particular que le proporciona a cada una de sus protagonistas femeninas, aunque tiene el don de convertir a todos sus personajes en figuras magistrales.

¿Quién es esa mujer llamada Vera? ¿Por qué su encierro? ¿Quién es Marilia? No quiero seguir revelando ningún otro detalle, arruinaría el factor sorpresa, la inquietud y el interés que despierta la película de principio a fin. El cine de Almodóvar no se puede contar al detalle, se tiene que ver y sentir. Les aseguro que será difícil de olvidar.

Una mentalidad abierta y liberal es requisito indispensable para disfrutar de este film. No es fácil de digerir, pero queda en evidencia la originalidad y maestría de su autor. Se los puedo asegurar.

LA PIEL QUE HABITO, España, 2011. Dirección: Pedro Almodóvar. Guión: Pedro Almodóvar, con la colaboración de Agustín Almodóvar, y basado en la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet. Interpretación: Antonio Banderas (Robert Ledgard), Elena Anaya (Vera), Marisa Paredes (Marilia), Jan Cornet (Vicente), Roberto Álamo (Zeca), Blanca Suárez (Norma), Bárbara Lennie (Cristina), Susi Sánchez (madre de Vicente), Eduard Fernández, (Fulgencio),  José Luis Gómez (Presidente del Instituto de Biotecnología), Fernando Cayo (médico).

Supongo que debes de estar contentísimo, de forma imperceptible nos vamos acercando a esa simplificación de la ortografía por la que con tanto genio y buen umor abogaste en Zacatecas durante el 1er Congreso Internacional de la Lengua Española, allá por 1997. Y aunque tu moción de enterrar las aces (antiguas haches) rupestres todavía no se aprobó, ni tu discurso aya logrado que se supriman los adverbios terminados en mente, los proscribo en esta carta para no producirte escozor.

“Simplifiquemos la gramática antes de que la gramática termine por simplificarnos a nosotros”, decías entonces, y la Real Academia Española de la lengua no dejó que tus palabras cayeran en saco roto; como seguro ya sabes el 1o de enero de este impredecible 2012 entraron en vigor las nuevas normas. Mientras más las repaso y más intento desentrañar las razones por las cuales “se aplica la supresión del acento ortográfico en el adverbio solo y en los pronombres ese, este y aquel, cuyo uso no estará justificado ni siquiera en caso de ambigüedad”, más me va pareciendo que se logrará lo contrario de lo que tú pedías: al simplificar la gramática nos irán simplificando.

Aunque, si nos detenemos a pensarlo, quizás la fulana simplificación no resulte tan simple, porque dentro de algunos años, quién sabe si en este, cuando tengamos que escribir ecatombe, acinamiento, ambre –entre tantas otras que podría enumerar al azar– nos veamos en la obligación de aclarar: “Ambre: del castellano antiguo hambre y este del latín famen, -inis, por fames. La transformación de esta letra en ace, allá por el siglo XI, no se llegó a generalizar asta el siglo XV y ubo vacilaciones asta que Nebrija la adoptó como sonido general y corriente; aunque Don Quijote, más de un siglo después, imitando los libros caballerescos, decía: fasta, fermoso, según consta en el Diccionario gramatical y dudas del idioma de don Emilio Martínez Amador. Ambre: oy sin ace a raíz de la solicitud que el colombiano García Márquez, Premio Nobel de Literatura, iciera en el 1er Congreso Internacional de la Lengua Española, para mayor gloria de la Gramática. Amén.” Y solo luego de esa forzosa y larga aclaración estaríamos autorizados a seguir con el asunto motivo del escrito.

¡Ay, Gabo!, de solo pensar en la cantidad de papel que gastaremos en una simple carta, decreto o panfleto se me estruja el corazón. Nos quedaremos, pues, sin la ace y sin árboles. No aré, sin embargo, ningún rapapolvo a la extirpación total de ese invento nefando de los tipógrafos (¿o fue tal vez de los matemáticos?) de acentuar la conjunción disyuntiva “o” para diferenciarla del 0, pero te apuesto que será más fácil aquello del camello y el ojo de la aguja que su desaparición de nuestros textos escolares y/o oficiales y/o personales.

Sé que ubiera debido escribirte esta el mismo día en que la Nueva Gramática entró en vigor, pero mi trabajo de correctora y la presión del editor (tú sabes cómo es eso) no me dejaban tiempo ni para comer. Y ya que nombro la cuerda en la casa del aorcado (con la nuevas normas tendré menos encargos), me acuerdo que en Zacatecas también dijiste: “Además, mi ortografía me la corrigen los correctores de pruebas”, aseveración que nunca terminó de parecerme del todo coerente: porque si una ace más o menos, un acento más o menos no acen ninguna diferencia, ¿para qué diablos necesitabas los correctores?

También dijiste entonces “que al fin y al cabo nadie ha (¿abrás pronunciado a o ha?) de leer lagrima donde diga lágrima ni confundirá revolver con revólver”; sí, en teoría eso es posible, pero aquí, y en la práctica, se muere uno de revólver y no de “revolver”, salvo que se ponga a remover contenedores pútridos e infectos y se pesque una septicemia, o a meter la cucara (es un decir) en algún guiso podrido y se pesque una bala de revólver, pero por revolver, es decir, por andar metiéndose en turbios asuntos ajenos, cosa que a los deudos del abaleado suele producirles lágrimas.

Como parte de tu argumentación en el discurso del 97 sostenías que: “La umanidad entrará en el tercer milenio bajo el imperio de las palabras. No es cierto que la imagen esté desplazándolas ni que pueda extinguirlas. […] No: el gran derrotado es el silencio”. Y allí discrepo de nuevo contigo, aunque entienda bien lo que quisiste decir: todos podremos ablar y escribir como nos venga en gana, es decir, abremos logrado la revolución del lenguaje o, más que la revolución, abremos, por fin, realizado el sueño de los anarquistas. No estoy segura de que nada pueda extinguir “el imperio de la palabra”, salvo, claro está y como ya a sucedido con otros (incaico, romano, español, etc.), que ese imperio empiece a perder territorio palmo a palmo, letra a letra…

En la entrevista posterior que concediste, decías: “No faltan los cursis de salón o de radio y televisión que pronuncian la b y la v como labiales o labiodentales, al igual que en las otras lenguas romances”. Y ese es otro de tus logros, la Academia viene de sentenciar que “nunca más se dirá ve (uve) y doble v (uve doble). Debemos perder la costumbre de señalar a la b como b larga, grande o alta. Nunca más debemos decir v corta, ciquita o v de Venezuela”. Tú me perdonarás, pero eso de nunca más me suena inquisitorial, y lo de tener que decir “uve” me suena a cartilla de la Madre Patria, me suena a salto a atrás, a cuando los gramáticos tuvieron que inventar eso de ponerle h al uevo, h al uerfano y h al ueso (que no la llevan en latín) para que los pocos que sabían leer en esa época no pronunciaran vevo, vérfano, veso.

¡Ay, Gabo!, creo que solo la lengua ablada es capaz de tolerar torsiones, piruetas, amagos, porque al fin y al cabo siempre tendrá el recurso de las manos y del rostro para acer que nos entendamos; pero el papel no, porque al contrario de lo que sostienen algunos, el papel no lo soporta todo.

En varios sentidos, Cabimas, donde todo comenzó funciona como una suerte de síntesis de la filmografía de Penzo en la medida en que su personaje principal, Carlos, representa la rebeldía frente a lo establecido, como en La casa de agua (1984), En territorio extranjero (1993) o Borrador (2006), tres piezas muy distintas en lo temático unidas por el punto de vista del realizador. En efecto, Carlos surge como al álter ego de Penzo, como sucedía con el personaje central en Borrador. Tal vez esta postura representa la crisis de una generación que busca profundizar en sus sueños no logrados, como esa ciudad casi fantasma y ese país demasiado acosado por décadas de negligencia. Al concluir el relato podemos establecer que Carlos es Cabimas como Cabimas es Venezuela. Claro, desde una perspectiva muy personal.

Se torna difícil analizar el desarrollo guionístico del film pues salta de la historia de Carlos y su peculiar equipo de filmación a las manifestaciones históricas del primer reventón petrolero. Personajes reales y ficticios se alternan con naturalidad, aunque es evidente que Penzo rehuye la narrativa tradicional. No está contando una historia sino dejando que sus personajes fluyan de un lado a otro. Los habitantes hablan como cronistas espontáneos, cuentan sus historias, expresan sus frustraciones, mientras el breve equipo de forasteros planta la cámara e indaga en esa realidad. Verdaderos o ficticios, estos seres humanos interactúan y marcan sus propios territorios. El final del relato parece indicar que Carlos encuentra su rumbo en una metáfora agraria dentro de un planteamiento de minería.

Pensando en Cabimas, donde todo comenzó, encuentro grandes similitudes con el film anterior de Penzo, Borrador. El primer rasgo común es que ambos trabajos poseen la apariencia de borradores que los aleja de un formulación terminada, al estilo de las obras precursoras de la nouvelle vague francesa y en particular de aquellos trabajo provocadores de Jean-Luc Godard a principios de los sesenta del siglo pasado. La segunda característica afín se encuentra en el uso de una filmación como metáfora de la indagación en la realidad colectiva y en la individual. El equipo humano de Carlos es el equipo humano de Penzo. Se trata de una extensión expresiva determinada por las actuaciones de Carlos Carrero, Raúl Medina, Diego Penzo y Nathassa Jiménez. Lo documental y lo ficticio conviven gracias a un curioso trabajo de montaje de Sergio Curiel, con el matiz poco convencional de la fotografía de José Eduardo Tovar, el registro sonoro de Raúl Amargó Pérez y la incisiva música de Diego Penzo, ganadora en el pasado Festival de Cine Venezolano de Mérida.

Nunca he pensado que el petróleo es el excremento del diablo. Al contrario, creo que ha sido una bendición para los habitantes de este país. No hay que culpar al petróleo de lo que nos ha sucedido desde los tiempos de Juan Vicente Gómez. Es una forma de evadir las características de cada etapa de nuestra historia. Fallamos los hombres, no los recursos naturales. No obstante, Cabimas permite establecer una metáfora plena de significados. Es lo que propone Penzo en su película. Cada cual debe extraer sus reflexiones.

CABIMAS, DONDE TODO COMENZÓ. Venezuela, 2010. Dirección y guión: Jacobo Penzo. Producción: Jacobo Penzo, Siria Briceño. Fotografía: José Eduardo Tovar. Montaje: Sergio Curiel. Sonido: Raúl Amargó Pérez. Música: Diego Penzo. Dirección de Arte: Régulo Rincón y Jacobo Penzo. Elenco: Carlos Carrero, Raúl Medina, Diego Penzo, Nathassa Jiménez. Distribución: Gran Cine.

Sigo creyendo, como lo señalé tiempo atrás en uno de estos artículos, que seis son demasiados precandidatos (Nota del editor: ahora son cinco al retirarse Leopoldo López a  favor de Capriles Radonsky), y que estos no debieron pasar de dos o tres, a fin de que el ganador fuese electo por el mayor número de votos posible. Pero se impusieron los factores determinantes de que fuesen más, incluidos intereses partidistas y ambiciones personales, entre otros.

A estas alturas, en lo que hay que insistir es en la necesidad de mantener la unidad, más allá del 12 de febrero. Se sabe que existe el compromiso de los aspirantes de apoyar todos al que resulte ganador, y en expresar ese apoyo en trabajo intenso en la campaña electoral para el 7 de octubre. El conocimiento que se tiene de cada uno de los precandidatos avala la confianza en que será así, y en que esa unidad electoral se mantendrá aun después de las elecciones, pues el nuevo gobierno que se espera iniciará sus funciones en enero de 2013 requerirá de ella, y aun más allá, hasta que se consolide y normalice el régimen democrático en nuestro país. Incluso en el supuesto de que en noviembre Chávez triunfe de nuevo y sea reelecto para otro período, la unidad de la oposición seguirá siendo necesaria, hasta el definitivo despertar de la pesadilla chavista.

Afortunadamente los precandidatos son excelentes, cada uno con las diferencias naturales frente a los otros, por supuesto. Ninguno es perfecto, desde luego. Y es inevitable que muchos votantes no vean triunfar el suyo. Se trata de un experimento nuevo, cónsono con la situación absolutamente anormal, desde el punto de vista político, en la que se realizarán estas elecciones. De modo que quienes no vean triunfar a su candidato no deberán sentirse derrotados, sino dispuestos sin reservas a votar en las elecciones presidenciales por el que resulte escogido en las primarias, no sólo aunque no haya sido el suyo, sino incluso aunque no le guste.

Hoy, más que nunca, es posible confiar en la madurez del pueblo venezolano

En aquellos años la lucha de los afroamericanos por sus derechos civiles se convirtió en una causa transformadora de la considerada democracia más avanzada del planeta. El asesinato de Martin Luther King fue uno de sus capítulos más dolorosos pero hubo muchos otras historias menos conocidas pero igualmente significativas. Como la de Aibileen y Miny, dos mujeres que redimensionan sus vidas a través de la evocación y narración de sus conflictos y exigencias. Interpretadas de manera seductora por Vila Davis y Octavia Spencer, ambas le cuentan a Skeeper, protagonizada por Emma Stone, las notorias iniquidades que han sufrido. Se atreven a compartir sus vivencias con la chica blanca a pesar del temor a las represalias. Lo que hoy consideramos ridículo, medio siglo atrás era una ley aceptada y nunca discutida.

Historias cruzadas, titulada originalmente The help como la novela que la inspira, no pretende convertirse en una denuncia tardía ni busca reabrir la lucha de razas en una Norteamérica con muchos otros problemas, sino ofrecer una narración con un tono amable y comprensivo. No es un drama duro sino una evocación de una época muy injusta con un tono que recurre a la sonrisa y la comprensión. No es un comedia, no está hecha para reírse, pero tampoco es una tragedia en la acepción clásica.

El rasgo más sólido de la película de Taylor reside en el preciso dibujo de sus personajes y en el desarrollo de sus conflictos. Sus confesiones y sus actitudes ante la injusticia confirman la fortaleza de su desarrollo. Pero al mismo tiempo revela una debilidad en cierto maniqueísmo con que trabaja el perfil de las villanas de la historia. La distancia entre negras y blancas es muy marcada. Lo cual refuerza la condición de película femenina. Los personajes masculino son pocos y sobre todo irrelevantes. En ese submundo de mujeres, las diferencias no son sólo de raza sino también de condición social. Pero la trama fluye con comodidad y el espectador se engancha con las situaciones dramáticas y con los momentos cómicos.

Quizá el éxito del film haya que buscarlo en su componente histórico y en su tono verosímil. Aunque se inspira en una novela, posee elementos de cierto carácter documental. La reproducción de la época, la fidelidad de los detalles y el equilibrio narrativo ponen de relieve su poderosa carga humana sustentada en la fuerza de los hechos reales. Las narraciones de esas criadas fueron verdaderas, recogidas por la novelista y trasladadas al lenguaje cinematográfico por un ex actor que ahora se dedica a dirigir películas que atraen la atención de todos.

HISTORIAS CRUZADAS (The Help), EEUU, 2011. Dirección y guión: Tate Taylor, sobre la novela de Kathryn Stockett. Fotografía: Stephen Goldblatt. Montaje: Hugues Winborne. Música: Thomas Newman. Elenco: Emma Stone, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Viola Davis, Allison Janney, Chris Lowell y Sissy Spacek. Distribución: The Walt Disney CompanyVenezuela.

Las declaraciones del Presiente sobran, ¿o se trata de una amenaza velada? El primer mandatario está obligado a cumplir y hacer cumplir la Constitución Nacional, “norma suprema y fundamento del ordenamiento jurídico. Todas las personas y los órganos que ejercen el Poder Público están sujetos a esta Constitución”. Además, “la soberanía reside intransferiblemente en el pueblo quien la ejerce (…), indirectamente, mediante el sufragio…” (Art.5); “El gobierno de la República Bolivariana de Venezuela (…) es y será siempre democrático, participativo, electivo, descentralizado, alternativo…”

No hay nada extraordinario ni heroico en que el Presidente proclame que obedecerá la opinión que se exprese el 7-O en las urnas comiciales. Ese es su compromiso ineludible, solo que hasta ahora nunca lo ha honrado. Siempre lo ha violado de forma impúdica.

Al estilo empleado por Putin o por Bouteflika, todas las elecciones posteriores a 1999 se han efectuado en un ambiente en el que campea el ventajismo oficialista más desconsiderado; el marcado desequilibrio entre el Presidente y su contendor. La maquinaria del Gobierno y del Estado ha sido colocada sin ningún pudor al servicio del aspirante del oficialismo. La oposición se ha visto obligada a participar en un ambiente hostil en el plano institucional y precario en el ámbito financiero. El cuadro para 2012 luce aún peor que en las oportunidades anteriores.

El nombramiento del general Rangel Silva como ministro de la Defensa es un signo inconfundible de que el primer mandatario quiere proyectar la señal de que la FAN le es incondicional. Diosdado Cabello al frente de la Asamblea Nacional y como primer vicepresidente del PSUV, segundo de abordo, representa otro indicador de que el jefe de Miraflores no tendrá contemplaciones de ninguna naturaleza.

En el marco de esta trayectoria tan desventajosa, lo que sí sería una prueba irrefutable de talante democrático es que el Presidente de la República se comprometa a garantizar unos comicios equitativos y transparentes, y a impedir que el proceso se convierta en un fraude continuado, como han sido en el pasado reciente.

El Presidente tendría que declarar: que apoyará un proyecto de ley en la Asamblea Nacional en el cual se limite severamente el uso, por parte de la Presidencia de la República, de los recursos públicos con fines proselitistas y electorales, que no ejercerá ningún tipo de presiones sobre el CNE para verse favorecido durante los meses que dure la contienda; que no abusará del poder que le confiere la primera magistratura para llevar adelante su campaña; que quedan suspendidas las cadenas de radio y televisión a partir del primer trimestre de 2012; que ningún organismo que dependiente del Ejecutivo Nacional –ministerio, empresa pública, ente descentralizado-, hará campaña a favor de su candidatura; que los recursos de PDVSA no serán manejados para favorecerlo; que los numerosos canales de radio y televisión oficiales estarán a disposición del candidato opositor, así como lo están para él; que VTV y las otras estaciones de televisión mantendrán un trato respetuoso con su rival; que los funcionarios públicos no serán obligados a asistir a los mítines y marchas convocadas por el Presidente-candidato; que la Fuerza Armada no continuará siendo politizada, ni será utilizada para amedrentar y chantajear a los descontentos con la política del Gobierno.

Este es el tipo de compromisos que debería contraer el Jefe del Estado. Las elecciones no pueden convertirse en una pantalla para maquillar la naturaleza autoritaria de un régimen que –presionado por las circunstancias internacionales- se ve obligado a cumplir cada cierto tiempo con un rito democrático. El voto encarna una de las expresiones básicas de la ciudadanía y de la libertad. Esta esencia hay que recuperarla.

@tmarquezc

Es un pánico distinto del originado por las dictaduras gomecista y perezjimentista, que fueron regímenes militares de conducta puntual. Espionaje, persecución, censura, aislamiento, tortura, eliminación física y afines se aplicaban a los enemigos activos del sistema y, en algunos casos, a sus colaboradores inmediatos o bajo sospecha de complicidad, así fuera emocional.

Se produjo entonces la mudez pública y una sigilosa reacción privada clandestina tanto a escala local como en el obligado exilio.

Sobre la dura dinámica de aquellos miedos, todavía se puede consultar un vasto memorial entre ellos, los directos testimonios de José Rafael Pocaterra en sus Memorias de un venezolano de la decadencia, el de José Vicente Abreu en Se llamaba SN y en la retro-ficción Falke de Federico Vegas.

El actual temor se sostiene en la certeza de que el Plan Ávila puede aplicarse sin escrúpulos a cualquier manifestación masiva pacífica que transgreda las paranoicas zonas prohibidas del país.

Así, se anula el derecho constitucional de ejercer el artículo 350, democrática norma que consagra la desobediencia civil para no acatar las ahora diarias violaciones de la carta natal republicana.

Este miedo profundo y latente, recubierto con tácticas y estrategias defensivas siempre en riesgo de ser activadas o anuladas de repente, a capricho armado, es lo que acredita trampas obvias, desde el cambio de distritos electorales y pasar  la tradicional fecha decembrina de elecciones presidenciales para  Octubre  de este año.

Para una fobia individual cuyos daños no trascienden a la ciudadanía, vale mucho la lenta solución médica.

Pero si la siembra del miedo dirige tanto tiempo a una sociedad y ésta no asume su legítima defensa, sin remedio ni justificaciones, abre las puertas a su propia y definitiva destrucción.

En materia cinematográfica analizamos El amante, hermoso film italiano de Luca Guadagnino, y proponemos nuestra visión sobre  Las mejores películas del 2011. Mary Carmen Artgelich debuta como articulista con su texto sobre Un método peligroso, nuevo e inquietante film de David Croneberg, y Pablo Gamba critica Las aventuras de Tintín, de Steven spielberg, y la película venezolana Patas arriba, de Alejandro García Wiedermann.

En el campo de las letras Alicia Freilich escribe Guillermo Meneses ahorita, para celebrar el centenario del escritor venezolano, mientras Alfonso Molina aprecia la legendaria novela La vida breve de Óscar Wao, de Junot Díaz. Otro debutante en Ideasde Babel, Vicente Bloise, presenta su cuento Un pequeño regalo.

Sobre sabores y placeres surge de nuevo el curso Técnicas para cocinar de todo, que imparte Jaime Parra, y el muy grato lounge de Il Grillo en el piso seis del Tolón

Trino Márques escribe Primarias: a votar sin miedo y Los nuevos retos de Europa y Gerver Torres aborda A los 20 años del 4-F. Eric Ekvall presenta su polémico artículo El tabú sobre los fraudes electorales.

De la red bajamos tres artículos que nos pareció importante compartir con ustedes: Food-for-thought, viejo pero muy pertinente texto de la española Rosa Montero sobre los prejuicios y la inmigración; Los fantasmas de 2011, por el mexicano Jorge Volpi, sobre la dimensión de los indignados en el planeta; e Historias de redentores, por el argentino Marcos Aguinis, acerca del nuevo libro del mexicano Enrique Kreuze.

Esperamos que la disfruten.

Una actuación impecable de Tilda Swinton.

Lo importante de El amante, tercer largometraje de Luca Guadagnino, no se encuentra en al originalidad de su historia sino en la sugerente y bella manera de narrarla. Emma es una mujer de mediana edad y de origen ruso que años atrás se casó con un industrial milanés y se integró a una familia muy tradicional, donde guarda un papel secundario detrás de su marido y sus tres hijos ya grandes. Pero de pronto realiza el hallazgo del amor e inicia el despertar de su propia personalidad e identidad, con las consecuencias que cabe suponer. Palabra más, palabra menos, el realizador italiano propone su visión sobre el amor, la libertad y la vida, a través de atmósferas sutiles e imágenes de gran belleza, con la magnífica actuación de Tilda Swinton, la actriz inglesa de origen escocés que hace unos cuatro años ganó el Oscar. Su trabajo en Io sono l’amore —en italiano y ruso— es impecable.

Aunque ha vivido casi toda su vida en Milán, Guadagnino nació en Palermo, Sicilia, hace 41 años. Posee una carrera importante en el campo del documental, el cortometraje y el videoclip. Es un reconocido activista de los derechos de los homosexuales. Tras darse a conocer con Los protagonistas en 1999 y de sorprender con Melissa P en 2005, fundamentado en escandaloso libro de la actriz y ensayista Melissa Panarello, filmó este melodrama que se expresa casi sin diálogos gracias a un uso audaz de una cámara sumergida en los detalles y en los anhelos de sus personajes. Va creando una trama compleja en la que aparentemente no pasan muchas cosas. Poco a poco devela la personalidad de Emma frente al universo de sus hijos (dos de los cuales son homosexuales), su esposo y su suegra. Vive en una elegante prisión familiar, rodeada de lujos y con una afectividad tamizada por la rutina. Lo curioso es que ella —excelente cocinera— descubre la sensualidad a través de un platillo de camarones preparado por Antonio, amigo de su hijo y chef del restaurante donde come con su suegra. El manejo de la luz en esa escena es esencial para el desarrollo posterior de la trama. El conflicto dramático deviene en tragedia y en la lucha por la libertad personal y amorosa.

El amante ostenta una estructura narrativa muy bien cimentada sobre las características de esta mujer solitaria que escapó de una prisión en su Rusia natal al casarse con Edoardo Recchi para entrar en otra más refinada y opulenta en la sociedad milanesa. Le importa más entender la homosexualidad de su hija que los negocios de la familia, en pleno proceso de globalización. Es una mujer aislada que aún no ha descubierto el sentido del amor. Ese hallazgo se expresa a través de la sensible dirección de Guadagnino, la poderosa interpretación de Swinton, la magnífica fotografía del francés Yorick Le Saux, el vestuario muy cuidado de Antonella Cannarozzi, el rítmico y pausado montaje de Walter Fasano, la minuciosa dirección de arte de Francesca Di Mottola y la precisa música de John Adams. Todos estos factores se articulan de manera muy coherente.

Donde falla  un poco el film es en la resolución dramática de su guión que desvaría con cierta confusión hacía su final. Aunque Swinton expresa cabalmente el dolor de madre que sufre Emma, la línea argumental que apunta hacia el amor y la libertad se desdibuja. Con todo, Io sono l’amore se levanta como una obra muy personal, poco comercial, que se maneja con códigos narrativos distintos pero muy bien concebidos. Sin embargo, ha obtenido un buen respaldo de público y crítica tanto en Italia como en otros países europeos. Incluso estupo postulada al Globo de Oro como film no hablado en inglés.

EL AMANTE (Io sono l’amore), Italia, 2009. Dirección: Luca Guadagnino. Guión: Barbara Alberti, Ivan Cotronero, Walter Fasano y Guadagnino; basado en un argumento de este último. Producción: Luca Guadagnino, Tilda Swinton, Alessandro Usai, Francesco Melzi D’Eril, Marco Morabito y Massimiliano Violante. Música: John Adams. Fotografía: Yorick Le Saux. Montaje: Walter Fasano. Dirección artística: Francesca Di Mottola. Vestuario: Antonella Cannarozzi. Interpretación: Tilda Swinton, Flavio Parenti, Edoardo Gabbriellini, Alba Rohrwacher, Pippo Delbono, Maria Paiato, Diane Fleri, Waris Ahluwalia, Gabriele Ferzetti, Marisa Berenson.  Distribución: Cinematográfica Blancica.

El libro al que me refiero -de aparición reciente- tiene una quemante actualidad. Abarca personajes cuyos nombres han movilizado multitudes y cavaron hondo en la mentalidad de nuestro tiempo. Se titula Redentores, ideas y poder en América latina. La palabra “redentores” le fue sugerida por Mario Vargas Llosa. Mientras uno recorre sus páginas, provistas de fluidez, suspenso y sorprendentes revelaciones, se comprende mejor el acierto del vocablo.

El devenir de nuestro continente latinoamericano es motivo de interminables estudios y revisiones. Se busca como en un cofre mágico el aleph que descifrará los enigmas de nuestros fracasos y esperanzas, la interpretación objetiva de ominosos errores, la repetición de trampas colectivas, el destino trágico de emprendimientos cargados de ilusión y trasformados en ríos de sangre. Los doce personajes seleccionados cubren un arco iris de temperamentos, méritos y vicios. Krauze los ha ordenado en seis partes.

La primera se refiere a cuatro profetas: José Martí, el cubano impoluto asociado a las banderas del martirio y la independencia. El segundo profeta es el uruguayo José Enrique Rodó, quien roturó una extensa homilía hispanoamericana. El tercero es José Vasconcelos, un mexicano erigido en caudillo cultural. El cuarto profeta es el redivivo José Carlos Mariátegui, creador del marxismo indigenista. Como se advierte, el panorama de Krauze es plural y abarcador, pero nada arbitrario. En conjunto ofrece los puntos cardinales de las ideas que irán dominando el paisaje continental.

La segunda parte del libro está dedicada a su maestro Octavio Paz y lleva por subtítulo “El poeta y la Revolución”. Con habilidad condensa una larga y azarosa vida. La brevedad relativa de lo mucho que podría narrar de ese hombre -que deslumbró con sus versos y sus ensayos- no impide a Krauze notificarnos sobre las zozobras del mundo que resonaron en la cabeza y el corazón de Paz. Se convirtió en el receptor de las tendencias que corrieron a lo largo del siglo XX, como si fuese una aspiradora que luego procesa todo lo obtenido. Su sensibilidad y perspicacia, su cultura y su coraje lo ayudaron a dar uno de los mejores testimonios de una complicada centuria.

La tercera parte del libro se ocupa de dos íconos revolucionarios. Diseca a Eva Perón, “la madona de los descamisados” y al Che Guevara, “el santo enfurecido”. La profusa información que respalda a Krauze no imposibilita una cercanía conmovedora con los anhelos, conflictos, logros y fracasos que ambos experimentaron en sus meteóricas carreras. Los podemos ver con lupa y, al mismo tiempo, con largavista.

La cuarta parte se refiere a la novela y la política. Uno al lado del otro están las dos figuras más relevantes del boom latinoamericano: Gabriel García Márquez y Mario Vargas Llosa. Para referirse a García Márquez apela al título de uno de sus textos celebrados y labra un letrero elocuente: “La sombra del patriarca”. García Márquez es ya un patriarca con el inquietante sudario de la sombra que lo obliga a desmoronarse ante la fascinación del poder. Pese al genio que inspiró sus narraciones y la agudeza con que trata a los gerontes convertidos en tiranos, no logra despegarse de quien lo macula. Termina Krauze la joya dedicada a este escritor del siguiente modo: “La obra de García Márquez sobrevivirá a las extrañas fidelidades del hombre que la escribió. Pero sería un acto de justicia poética que, en el otoño de su propia vida y el cenit de su gloria, se deslindara de Fidel Castro y pusiera su prestigio al servicio de los boat people cubanos. Aunque tal vez sea imposible. Esas cosas inverosímiles sólo pasan en las novelas de García Márquez”.

En cuanto a Vargas Llosa, traza un fresco amplio y muy atrapante sobre las experiencias que lo agitaron desde su infancia y le permitieron trasladar muchas turbulencias vividas con pasión a una literatura escrita con destreza, audacia y originalidad. Pasó por el periodismo, el mundo de la traducción, los estudios sistemáticos, viajes incansables, el teatro y hasta la poesía. Pero su obra mayor reside en novelas potentes como La guerra del fin del mundo , Conversación en La Catedral y La fiesta del chivo, por sólo citar algunas. Rebelde y provisto de un agudo pensamiento crítico, ha entrado y salido de trincheras peligrosas hasta convertirse en una de las voces más libres y respetadas del mundo.

La quinta parte de Redentores, ideas y poder en América latina fue dedicada por Krauze a la religión y el impulso revolucionario. Ahí aparecen dos figuras que han ocupado titulares y han devanado los sesos de quienes procuran conseguir una interpretación objetiva. Se trata del sacerdote Samuel Ruiz, llamado “el apóstol de los indios” y el subcomandante Marcos. La biografía de Marcos lleva por título “Ascenso y caída de un guerrillero”.

La última parte del libro funciona como la coda de una estridente sinfonía. Apunta al “caudillo posmoderno” con melodías seductoras, acordes altisonantes y revelaciones que hacen mover la silla donde uno está sentado, absorto en la lectura. Se refiere sólo a Hugo Chávez y demuestra cómo para ese hombre singular la historia es su autobiografía. Así de increíble, pero así de evidente. Krauze desenreda la madeja de su ondulante pensamiento y trayectoria, las diversas influencias que se grabaron desordenadamente en su cabeza, las equivocaciones groseras respecto de un marxismo que ignora por completo y su tendencia al endiosamiento del héroe. Por esta última obsesión Enrique Krauze demuestra que Chávez, sin sospecharlo, es un seguidor estricto de Carlyle, el filósofo reaccionario que Marx detestaba, como también detestaba a Bolívar. Si Hugo Chávez se enterase de que estas afirmaciones están vigorosamente documentadas…

Como señala el autor de este libro, Redentores… es una historia de las ideas políticas en América latina desde el fin del siglo XIX hasta nuestra actualidad. Combina el análisis ideológico con la biografía y el contexto en que vive cada personaje. Esta docena de joyas biográficas describe los temas políticos centrales que dominan en nuestro continente, no sólo por sus repercusiones, sino porque cada uno de los nombres estudiados vivieron con pasión la historia, la revolución, el poder, el amor, la amistad y las familias. Son seres humanos que han condicionado y siguen condicionando a millones.

Marcos Aguinis nació en Córdoba, Argentina. Escritor que ha transitado una amplia formación internacional en literatura, medicina, psicoanálisis, arte e historia. Columnista del diario La Nación. Primer Ministro de Cultura después de los gobiernos militares. En 1963 apareció su primer libro y, desde entonces, ha publicado diez novelas, catorce libros de ensayos, cuatro libros de cuentos y dos biografías que generan entusiasmo y polémica. Entre ellos destacan: La gesta del marrano, La cruz invertida, La pasión según Carmela, Refugiados, crónica de un palestino. Su última novela es Liova corre hacia el poder (Ed. Sudamericana). En el campo de los derechos humanos enfrentó temas polémicos que pusieron en riesgo su vida. Durante la última dictadura fue limitada la circulación de sus libros y algunos salían del país en forma clandestina. Ha escrito artículos sobre una amplia gama de temas en diarios y revistas de América latina, Estados Unidos y Europa. Ha dictado centenares de conferencias y cursos en instituciones educativas, artísticas, científicas y políticas en Alemania, España, Estados Unidos, Francia, Israel, Rusia, Italia y casi todos los países latinoamericanos.

* Tomado de La Nación, de Buenos Aires. http://www.lanacion.com.ar/1434590-historias-de-redentores

Jaime Parra sigue impartiendo sus muy gratos cursos de cocina de un sólo día.

Hace algunos meses varios amigos periodistas nos reunimos un sábado en la mañana con la intención de saldar una vieja deuda gastronómica: tomar el curso Técnicas para cocinar de todo que desde hace unos años dicta Jaime Parra en compañía de su esposa Evelyn González. Fue una experiencia estupenda, muy grata, signada por el buen humor, la curiosidad y el compañerismo. María Mercedes Nouel, Osmelia Díaz Granados, Martha González, Alberto Veloz, Ray Avilés y yo nos presentamos —con algunas botellas de buenos vinos y varios espumantes del Penedés y Carora— para atender las indicaciones de este jefe de cocina que —la verdad— goza de gran paciencia para enseñarnos a unos indisciplinados alumnos. Trabajamos las distintos tipos de masa quebradiza, practicamos los diferentes cortes de alimentos, aprendimos a elaborar las salsas madres —con especial acento en la española—  y elaboramos un fondo oscuro a la manera tradicional. En un ambiente de alegría y respeto cocinamos tomates confitados, cebollas caramelizadas, una deliciosa quiche de varios quesos y tocineta, el mejor risotto con hongos y setas que me he comido y unos memorables medallones de lomito bañados con salsa bernesa. Como se aprecia, todos platos clásicos que conformaron el menú de una cena para recordar. Desde luego, ninguno salió “graduado de cocinero” pero todos aprendimos en esta experiencia lúdica con los alimentos. Yo disfruté muchísimo de la compañía, los platos y los vinos. Para resumirlo en una frase: la culinaria como experiencia lúdica. Les cuento esto porque me parece mezquino no informarles que Jaime tiene dos nuevos cursos de un solo día que ofrecerá el sábado 28 de enero y el sábado 4 de febrero. Les sugiero que escriban a cocinardetodo@gmail.com y seguir el twitter @cocinardetodo. La van a pasar muy bien y me lo van a agradecer.

Una mujer entre dos precursores del psicoanálisis en un film inquietante.

El director David Cronenberg vuelve a sorprendernos. Más elegante y moderado pero como siempre inquietante, dispuesto a recorrer universos morbosos y mentes perturbadas para lograr uno de sus mejores trabajos: Un método peligroso. Película basada en la obra teatral de Christopher Hampton The Talking Cure (“La cura del habla”) y a su vez en el libro de John Kerr A Most Dangerous Method (“El método más peligroso”). Este film nos lleva a los primeros tiempos del psicoanálisis, cuando la mente era todavía un terreno inexplorado. Penetra en los oscuros instintos del ser humano para descubrir sentimientos que parecen ser irracionales. Temas tan interesantes y estudiados por Freud como son el origen sexual de la neurosis, los traumas infantiles, las pasiones reprimidas, la interpretación de los sueños y la cura del habla, despiertan gran interés en la mayoría de los espectadores.

Un método peligroso es un drama basado en hechos reales, sobrio, elegante pero también perturbador, que narra la relación entre el joven psiquiatra Carl Jung representado por Michael Fassbender; la paciente Sabina Spielrein, interpretada por Keira Knightle, y el célebre Sigmund Freud, a quien da vida el actor Viggo Mortensen.

Siendo aún un tratamiento experimental descubierto por Freud, Jung ensaya el psicoanálisis o “cura del habla” con Sabina Spielrein, una joven rusa de origen judío afectada por una profunda neurosis. Mujer brillante e inteligente, pero perturbada por la humillación que vivió en su infancia debido al maltrato paterno que producía en ella una extraña y morbosa excitación. La represión sexual como posible causa de su neurosis. Jung y Freud inician su primer contacto a través de un intercambio epistolar acerca del caso de Sabina. A medida que van acentuando su relación, el padre del psicoanálisis ve al joven psiquiatra como su sucesor, quien haría posible la expansión de sus estudios y prácticas terapéuticas fuera del ámbito judío. Sabina va más allá de su rol de paciente y se convierte en amante de Jung. Se inicia entre ellos una relación tan turbulenta como apasionada. Ella busca el placer sexual a través del dolor físico, él da libertad a sus más íntimos deseos. Pasiones que quedan demostradas en sus encuentros sexuales donde no faltan las mórbidas escenas de sadomasoquismo. Lo más grandioso de este film es observar como ni el propio especialista escapa del peligro que representa sumergirse en el misterio de la sexualidad y en la complejidad de la mente humana.

Gracias al éxito del tratamiento, a su innata inteligencia y al apoyo de Jung, Sabina se convierte en una psiquiatra reconocida y admirada por el propio Freud. Aportó ideas muy valiosas a la teoría freudiana y lingüística, habiendo tenido una existencia conflictiva y finalmente trágica. Ella es el motivo del acercamiento entre Jung y Freud y posiblemente también el motivo de su ruptura. Jung, quien fue colaborador de Freud en sus inicios, se distanció del mismo por diferencias intelectuales junto al deseo de expandir su trabajo hacia otros terrenos.

Los personajes secundarios de este film están representados por Emma (Sarah Gadon), la sumisa y millonaria esposa de Jung, y el también psiquiatra Otto Gross interpretado por Vincent Cassel.

Le hubiera agradecido a Cronenberg un papel más extenso al maravilloso personaje de Otto Gross. Su aparición fue corta, pero esencial en el desarrollo de los hechos. Fabulosa interpretación la del actor Vincent Cassel, quien también nos deleitó en el film Promesas del Este con el mismo director tras las cámaras. Un personaje libidinoso, sin límites, de adicciones evidentes y dispuesto a romper con todos los paradigmas. Figura que despertó en Jung múltiples tentaciones, la exteriorización de sus deseos reprimidos y oscuras pasiones. El único lema de Gross era: “no te reprimas de nada”. El placer es algo sencillo hasta que nosotros mismos decidimos complicarlo.

Las actuaciones de Michael Fassbender y Viggo Mortensen son espléndidas. Mi especial reconocimiento por su excelencia a Vincent Cassel. Sin embargo, Keira Knightle me pareció un poco sobreactuada en las primeras escenas cuando Sabina comenzaba su terapia. Exagerados tics acompañaban su mandíbula desencajada. Pero a medida que transcurre la película queda en evidencia su brillante interpretación, que le permitió demostrar la evolución psíquica de un personaje rebosante de complejidad.

Cabe destacar la ambientación de una Europa elegante a principios del siglo XX en Zurich y Viena, así como la exquisita fotografía de Peter Suschitzky. Los diálogos extensos sustentan este film. Y no puede ser de otra manera, una película basada en la cura del habla tiene que estar rica en diálogos, que a pesar de ser algo complejos brillan por reveladores e interesantes.

En conclusión, Un método peligroso es una película intensa y fascinante, me atrevería a decir que una de las mejores que nos ha ofrecido el año 2011. Por lo tanto, debemos disfrutarla sin poner límites a nuestro placer.

El propio Díaz parece un personaje novelesco. Nació en un barrio de Santo Domingo el último día de 1968 y se mudó a Nueva Jersey en 1974, cuando contaba apenas siete años. Conoció la vida del inmigrante pero también la de un adolescente que se abre camino en el campo de la literatura hasta estudiar la carrera de Inglés y egresar de la Universidad de Rutgers y luego culminar una maestría en Bellas Artes en la Universidad de Cornell, méritos académicos que confirmaron su vocación y su talento. Recibió una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation, gracias a la cual vivió en el DF mexicano, y otras distinciones universitarias. Actualmente se desempeña como profesor de escritura creativa en el Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) y como editor de ficción de la revista de literatura y política Boston Review. Sostiene una importante actividad como defensor de los derechos políticos y sociales de los inmigrantes en Estados Unidos. Los cuentos que había publicado en la revista The New Yorker fueron recogidos en su primer libro Drown (Ahogado) que fue publicado en 1996 por Mondadori en español bajo el título de Los Boys. Pero sin duda, la obra que lo ha catapultado es su primera novela: La maravillosa vida breve de Óscar Wao.

Se construye sobre la base de las desventuras de una familia y un país. Oscar es un adolescente obeso y nerd que presuntamente arrastra el fukú, es decir, una maldición  de sus antepasados dominicanos. Amante de la ciencia ficción, vive con su hermana Lola y de su madre Beli, víctimas directas o indirectas de la terrible dictadura de Trujillo que concluyó en 1961. Oscar no se atreve a tener relaciones sexuales, busca el reconocimiento social y escolar y sufre de amores no correspondidos, en abierto contraste con la resolcuión y la sensualidad de su madre y de su hermana, cada una a su estilo y hora. A través de largas notas al pie de páginas, que contextualizan la historia, se hilvana la narración de Óscar que en un momento dado abre paso a la de Lola y Beli, en diferentes momentos. De hecho, Óscar nunca conoció la dictadura pero padece su memoria y su terrible legado espiritual. En cambio Beli se halla unida de manera permanente con esos recuerdos y Lola sufre esa herencia involuntaria.

A veces la novela parece una tragedia, en otros momentos adquiere el tono de una comedia, a ratos semeja una burla de las costumbres y prejuicios de los inmigrantes, pero siempre se manifiesta a través del uso audaz del lenguaje que va más allá de la mezcla del inglés y el español. No se trata de un mero spanglish sino de una propuesta de lenguaje que arrastra incluso vocablos afro-antillanos. La sugestiva traducción castellana que leí —responsabilidad de Achy Obejas— revela la presencia del inglés como idioma del escritor y como respaldo lingüístico de la trama. Y una amiga que lo leyó en inglés me señala que también se siente la poderosa fuerza del español como lenguaje de la cultura dominicana. Podría decirse que es literatura dominicana escrita en inglés o literatura norteamericana con raíces dominicanas. Ignoro si esta propuesta de Díaz posee más consistencia, pues no he tenido acceso a otros libros suyos, pero sí revela una formulación muy cuidada en sus significaciones.

El reto de Óscar consiste en vencer el fukú maligno, convertirse en un gran escritor fantástico y seducir a la mujeres. Desiste de su vieja idea de adelgazar y de hacerse más atractivo. Practica, más bien, una suerte de flagelación continua y retroalimentada por los cuentos de su familia en la República Dominicana. Un desafío distinto a la de Lola y Beli, quienes buscan reafirmar la condición femenina de sus existencias y conductas. Ellas fueron las víctimas directas de un autoritarismo definitivamente machista y sanguinario, a la usanza del propio Trujillo. Pero siempre la reivindicación afectiva, sexual y social de esas dos mujeres se enfrenta con la brutalidad de una realidad excluyente.

Tal vez el aporte más importante de La maravillosa vida breve de Óscar Wao a la renovación del lenguaje —tanto en inglés como en español— se encuentre en la sesuda arquitectura narrativa que desde la perspectiva de Yunior va presentando personajes, situaciones y resoluciones de una forma externa mas no distante. El manejo de extensas citas expresa el detallismo del trabajo literario. Algo que guarda en común con Blanco nocturno, una novela muy distinta —aunque también excelente— del argentino Ricardo Piglia. El propio Díaz ha declarado que tardó once años en escribir la novela que lo colocó en el mapa mundial de la nueva narrativa.

LA MARAVILLOSA VIDA BREVE DE ÓSCAR WAO (The Brief Wondrous Life of Oscar Wao), de Junot Díaz. Traducción de Achy Obejas. Literatura Mondadori. Ramdon House Mondadori, Barcelona y Bogotá, 2008.

En cambio, el teniente coronel no ha podido ni siquiera revivir ese esperpento llamado Polo Patriótico. La actitud hegemónica del PSUV no la ha aceptado ninguna de las agrupaciones que conformaron esa coalición en el pasado. El PCV no ha bajado la cerviz frente a la arrogancia del partido oficialista, que quiere arreglar todo a punta de real y gritos. Luego del atropello al que sometieron a agrupaciones modestas como el PPT -apoyado por la Sala Electoral del TSJ-, el chavismo optó por dividir los pequeños partidos que antes integraban la alianza: el MAS, la Causa R y el propio PPT.

La MUD es un ejemplo de democracia y pluralidad. El fallido Polo Patriótico, de caudillismo y sectarismo. Este contraste los tiene locos.

Otra apuesta consistía en creer que las primarias naufragarían en un mar en el que los tiburones devorarían a las sardinas. Otra marfilada. En las Primarias están compitiendo candidatos de los partidos tradicionales que se han recuperado, de los partidos nuevos surgidos en los últimos trece años y aspirantes independientes representantes de corrientes de opinión y de pequeñas agrupaciones. Nadie se ha agredido. Nadie se ha descalificado. Han podido convivir en medio de la evidente disparidad de criterios existente entre ellos. Le han dado una lección de democracia al chavismo. Incluso, comparadas con las primarias del Partido Republicano norteamericano, las nuestras han sido una clase de civilidad y tolerancia.

Las elecciones se realizarán el 12 de febrero sin traumas y en un ambiente signado por la coexistencia. La paz en las filas opositoras también los tiene locos.

Los errores de cálculo llevaron al comandante a recomponer la estrategia: descalificar el proceso, vaticinar su fracaso y aterrorizar, tres movimientos que hablan muy bien de la fibra autoritaria que lo anima.

La descalificación comenzó por señalar que a la cita de la oposición iría un grupito de escuálidos que seleccionaría a alguno de esos candidatos “majunches” que no servían ni para calzarle las alpargatas. Modesto, el hombre. El promedio mundial de participación en unos comicios primarios se sitúa en torno a 10%. Hace apenas pocas semanas el Partido Socialista francés realizó una consulta interna en la que participaron dos millones de votantes, bastante menos del 10% del padrón electoral del país galo. En las consultas realizadas por los republicanos en Iowa y New Hamsphire ha concurrido cerca de ese promedio. Sin embargo, el Comandante dice que a las primarias de la oposición venezolana concurrirá “apenas” 20% del REP. O sea, a una participación que duplica el estándar planetario, Hugo Chávez la califica de fracaso. Paradójico, ¿verdad? Chasco el suyo que no ha podido ni siquiera reanimar la coalición entre compadres.

Junto al descrédito, el amedrentamiento. Desde atemorizar a los votantes diciendo que de la oposición ganar el 7 de octubre, eliminará las misiones que tanto benefician a los más humildes, hasta amenazar a quienes se atrevan a ir a sufragar el 12-F, la panoplia de intimidaciones es muy amplia. No hay gente más aviesa que los cobardes con poder enfrentando la posibilidad de perderlo. Se valen de cualquier recurso para chantajear y satanizar. Lo que estamos viendo con motivo de las primarias es solo un anticipo de cómo se comportará el caudillo durante el período que va del 12-F al 7-O. A la oposición le espera el uso en su contra de toda la artillería pesada del régimen. Ya lo anunció Chávez, secundado por Diosdado y por Rangel Silva.

En el lapso que queda antes de la cita de febrero hay que redoblar esfuerzos para lograr que los votantes asistan en masa a las urnas electorales. Es indispensable insistir en la protección y las garantías del votante. Sería conveniente que -además de las actividades que realicen los candidatos- la MUD organice, conjuntamente con los partidos y candidatos, caravanas, visitas a los mercados populares, a las paradas de autobuses, al Metro, jornadas de volanteo por las ciudades y pueblos, y toda la amplia gama de tareas tradicionales que antaño servían para crear el clima electoral más propicio.

Hay que contrarrestar el terror que el chavismo trata de infundir. ¡A votar sin miedo!

@tmarquezc

Dedico esta historia deliciosa, que además es auténtica, a todos aquellos españoles que, en el fondo, recelan de los inmigrantes y les consideran individuos inferiores. A todas esas personas que, aun bienintencionadas, les observan con condescendencia y paternalismo. Será mejor que nos libremos de los prejuicios o corremos el riesgo de hacer el mismo ridículo que la pobre alemana, que creía ser el colmo de la civilización mientras el africano, él sí inmensamente educado, la dejaba comer de su bandeja y tal vez pensaba: “Pero qué chiflados están los europeos”.

* Publicado el 17 de mayo de 2005 en El País de España.