Hola amigos en Venezuela y el mundo. Bienvenidos a Ideas de Babel.

En esta edición Silvia Dioverti planteó su peculiar concepto de ‘dispercepción’ para explicar la pérdida de la inocencia y del paraíso. Su artículo generó un comentario de Sofía Kamila Krzeminska, que a la vez fue respondido por la propia Silvia. Un poco más allá, Gerver Torres formula preguntas sin  respuestas al ministro Nelson Merentes. Por su parte, Trino Márquez analiza el conflicto universitario como la confrontación entre barbarie y heroísmo. Alexandra Cariani nos presenta su entrevista al periodista y escritor argentino Horacio Convertini, a propósito de su visita a Caracas para presentar su novela New Pompey. Ricardo Pineda analiza el origen y la trayectoria del hombre de acero en sus interesantes crónicas de Superman. De El País de España bajamos el artículo del narrador español Javier Cercas “¿Otra Europa?”, sobre un artículo muy polémico del italiano Giorgio Agamben sobre la crisis europea. Yo escribo sobre la nueva generación de cineastas germanos que nutren la programación del Festival de Cine Alemán. Y me planteo la necesidad de conformar un gabinete a la sombra para formular las políticas públicas de los sectores democráticos ante los desmanes del gobierno de Maduro.

Espero que la disfruten.

Alfonso Molina

Ante un Estado totalitario que acosa cotidianamente a los ciudadanos, la única alternativa la encontramos en la presencia de la Mesa de Unidad Democrática y en la figura de Henrique Capriles Radonski. Pero, en rigor, la sociedad democrática está en capacidad de ofrecer sus destrezas profesionales para reconstruir el país y de exigir a su dirigencia la formulación de políticas alternativas a las del régimen. Se ha llamado ‘gabinete a la sombra’ el equipo de especialistas capaz de formular y anunciar las políticas públicas de la alternativa democrática ante las acciones del régimen. ¿Cómo vamos a enfrentar los problemas de PDVSA, las empresas básicas de Guayana, la inflación, la escasez, la producción agrícola, la inseguridad de los ciudadanos, los controles de precios y divisas, la vida universitaria, la salud pública, la estructura judicial, el sistema penitenciario, el poder electoral, las relaciones internacionales, la cultura, la ciencia y la tecnología, el deporte, la ecología, la infraestructura vial, los presos políticos, la libertad de expresión y un largo etcétera que abarca todos los órdenes de nuestra vida? Hombres y mujeres muy calificados pueden responder cada semana a las erradas políticas del actual gobierno en cada materia. Economistas, ingenieros, médicos, abogados, diplomáticos, sociólogos, artistas, comunicadores, científicos, deportistas y otros profesionales de alta formación pueden ofrecer una visión distinta de país. Un equipo paralelo que está dispuesto —desde ya— a formular soluciones como miembros de un nuevo gobierno democrático.

Entiendo que es una propuesta que se ha hecho a la MUD y al comando de Capriles Radonski. ¿Por qué no se ha conformado ese gabinete a la sombra? El régimen ofrece mucha ‘materia prima’, más allá de lo electoral. Perdónenme mi visión de publicista, pero tenemos que ‘vender’ la esperanza como pasaporte a otro futuro. Tenemos que comunicar un futuro mejor y posible.

Es, justamente, lo bien logrado de esa frase lo que me impulsa a responder a tu lúcido comentario dejado al pie de mi artículo Dispercepción en este mismo medio. En primer lugar porque ustedes los lectores son la urdimbre en donde el esbozo del articulista, una vez plasmado en negro sobre blanco, alcanza su real diseño, esa fina filigrana que, de faltar, haría de un artículo de opinión un prospecto de medicinas, un ejercicio one way, un puro onanismo ególatra y escritural. Y, en segundo lugar, porque si “París bien vale una misa”, los comentarios de los lectores bien valen un artículo en respuesta, aunque no siempre encontremos el tiempo para hacerlo.

Pues sí, como dice tu vecina, de catarsis se trata, no sé si de aquella necesaria para que podamos aspirar a un Enrique –como se aspira a un Oscar, a un Grammy–, en mi caso es una catarsis de poca monta, la mínima necesaria como para seguir respirando, aun cuando ese seguir respirando consista, egoístamente, en lanzar la pelota para el lado del lector y, así, deslastrarme un poco de tanta frustración; es, si me permites la ironía, un “dadivoso” compartir el mal para tratar de empequeñecer la parte que me llega, esa cuota que, sin que pueda cerrar ojos y oídos, entra en mí sin ser invitada. ¿O sí?, quizá solo atraigamos o invitemos aquello que es consubstancial con nosotros… Pero volvamos al precio de las aspiraciones porque este otro es un tema arduo y largo.

Cuando comenzó a hablarse de las profecías mayas, cuando comenzó a rodar la información por la web y me llegó en uno de esos innumerables correos que anunciaban el fin del mundo, recuerdo haber recordado una frase que Borges pone en boca de uno de sus personajes: “Que el cielo exista, aunque mi lugar sea el infierno” (“Deutsches Requiem”, El Aleph), porque entonces me pareció, y me lo sigue pareciendo ahora, que si para que lo poco de bueno o de energía positiva que hay pueda alcanzar para cambiar a un número contadísimo de personas y darle una nueva esperanza a la humanidad, entonces bien valía la pena que llegaran las catástrofes anunciadas y nos borraran de la faz de la tierra a todos aquellos que no fuimos o no somos capaces de cambiar, de ingresar –como dicen que dicen las profecías–, a esa nueva dimensión de la humanidad y de la Luz.

A diferencia de lo que me produce mi dispercepción, esa que hace que “todo me hieda y nada me huela”, para decirlo en auténtico venezolano, las primera lecturas de las profecías sobre el fin del mundo me causaron goce, el goce de saber que hay otros Planes para esta humanidad que somos, que hay seres de Luz, llámales maestros, arcángeles, dioses, que trabajan para que no todo aquello que fue Designio Divino se pierda, que trabajan para protegernos de la oscuridad, para protegernos “contra el mal de la noche completamente oscura cuando viene”. Y eso, Sofía, es lo único que me consuela, porque ni siquiera la esperanza que me traería un triunfo de Enrique –ese Oscar, ese Grammy– me sirven en este momento para pagar este hoy tan ostentosa y demencialmente caro.

¿Valen un Enrique las docenas de muertes semanales que deja la inseguridad?, no sé, habría que preguntarle a quienes perdieron a un ser querido en manos de esa violencia. ¿Nos valen mientras tanto las calles fétidas, la degradación humana, la Naturaleza violentada?, no sé habría que sopesar el aquí y ahora –por malformado que este sea–, contra un mañana posiblemente venturoso. Hoy tenemos lo que tenemos como fruto de un ayer, de un pasado que aspiró –como aspira este hoy– a que algo así como la impunidad existe. Y no hablo de esa que consiste en no ir a la cárcel y etcétera, hablo de esa lesiva, corroyente, implacable que es producto de lo que hacemos y que termina por hacernos ser lo que somos (o a la inversa, es igual) y que, como el espejo deformante de Alicia en su país de las maravillas, nos hace ver mínimos, nano humanos; hablo de esa impunidad que consiste en creer que algo así como “Después de mí el diluvio” es posible y que lo que hoy hacemos no tiene consecuencias inmediatas y no nos alcanza.

Sí, coincido en que hay una gran catarsis preparando un vuelco definitivo, solo espero que cuando la gran purga (creo que es en ese sentido que tu vecina usa el término catarsis) haya pasado, no nos sobrevivan –como apuntó alguna vez Uslar Pietri– las cucarachas. No sé si el aleteo de una mariposa en Australia produce un maremoto en Japón, pero sé lo que nos estamos produciendo día a día a nosotros mismos. Y, disculpa, Sofía, el pesimismo, pero siento que no hay vuelta atrás, que pasarán muchos años, generaciones quizá, antes de que esta fotografía de lo que somos comience a desleírse en el imaginario colectivo y podamos aspirar a un Enrique.

Silvia Dioverti

La prueba de fuego la tiene ahora El hombre de acero, protagonizada por Henry Cavill, producida por Christopher Nolan y dirigida por Zack Snyder.

Desde su debut en las páginas de historietas, en junio de 1938, Superman ha sobrevivido y prosperado durante décadas de reinvenciones y reinterpretaciones, apaleado por el cambio de los tiempos y de los gustos. Algunos lo ven como el mítico símbolo de la esperanza y entereza moral, mientras que otros lo califican de fenómeno cultural pop. Ahora, 75 años después, arriba a las salas de cine de todo el mundo —incluyendo Venezuela— la anticipada El Hombre de Acero y, tal como lo prometen los avances y carteles de publicidad, parece emerger con más fuerza que nunca.

Fue el primer héroe con súper poderes proveniente del mundo de los cómics. El hombre vestido con mallas azules, capa roja y una S cruzada en su pecho comenzó su vida como el infante Kal-El en el lejano planeta de Kriptón. Pero en realidad fue concebido en la imaginación de unos adolescentes de Cleveland, Ohio: Jerry Siegel, escritor y Joe Shuster, ilustrador; dos tímidos solitarios, hijos de inmigrantes judíos, con intereses comunes a la hora de sonar el timbre de receso o salida en la secundaria: las novelas de aventura y ciencia ficción, revistas ‘pulp’ y tiras cómicas.

Originalmente idearon un personaje calvo y malvado con habilidades telepáticas. El nombre surgió del filósofo alemán Friedrich Nietzsche en su famoso enunciado sobre el superhombre, cinco décadas previas. Pero pronto comenzaron a reconsiderar el concepto. Ahora sería un bastión del bien, cuya fortaleza se mediría con la de un Hércules, Sansón o cuanta leyenda parecida existiera. Convirtieron a Superman en un extraterrestre refugiado en la Tierra, específicamente Metrópolis (inspirada en Nueva York) y le dieron una identidad secreta, como el tranquilo y reservado reportero Clark Kent.

Todas las grandes casas editoriales enseguida lo rechazaron. Lo consideraron muy juvenil y no les convencía la idea de que alguien pudiera saltar grandes alturas (aún no volaba) y que le rebotaran las balas. Siegel y Shuster entraron en el mercado produciendo cientos de historietas en la National Allied Publishing (que luego pasó a llamarse Detective Comics y, por ende, DC Comics) sobre espadachines, caza vampiros y detectives privados, que eran la norma del momento. Desesperado por un éxito, la compañía necesitaba un nuevo protagonista en su tiraje de antologías. Fue así como salió a la venta en los quioscos el primer número de Action Comics (valorada hace dos años en una subasta por 900 mil dólares). Su portada a full color mostraba a un hombre de traje azul y capa roja levantando un vehículo, toda una increíble proeza para la época. Cada revista costaba 10 centavos, cifra accesible para el ciudadano común que ganaba 25 dólares a la semana. Corría entonces la Gran Depresión que azotaba con mucha incertidumbre la estructura económica en Estados Unidos.

El protagonista afrontaba problemas asociados con la época, como el crimen urbano, estafas de constructoras o el maltrato de los patrones con sus empleados. Lo suyo era una cruzada social y cada edición seguía sumando más lectores y fieles seguidores. En enero de 1939 el personaje hizo el salto al periódico por la puerta grande y 13 meses después Las aventuras de Superman debutó en las emisoras radiales, permitiendo que 20 millones de radioescuchas sintonizaran los próximos 2 mil capítulos. Clayton “Bud” Collyer prestó su barítona voz, de dócil a grave, en el doble papel de Clark Kent y Superman. Se establecieron mitologías como su capacidad de volar, se revela que la kriptonita lo debilita, el Daily Star pasó a llamarse Diario El Planeta y se introducen personajes frecuentes como el editor Perry White, el fotógrafo Jimmy Olsen y la intrépida reportera Luisa Lane, su gran amor prohibido.

“Un elemento en la mitología de todo superhéroe es que debe tener un alter ego. Batman es en realidad Bruno Díaz y el Hombre Araña es Peter Parker. Ellos se tienen que poner un disfraz para hacer sus proezas. Superman, en cambio, no tiene que convertirse en nada. Cuando se despierta, ya es Superman. Su alter ego es Clark Kent. Lo que usa (los lentes, el traje de ejecutivo) es su disfraz para poder encajar entre los humanos. ¿Y cuáles son sus características? Es débil, inseguro y un cobarde. Kent es la crítica de Superman para el mundo entero”. Tal es la teoría del director y guionista Quentin Tarantino en el monologo que recita David Carradine al final de Kill Bill Vol. 2.

A sólo tres años de su debut en la imprenta, Fleisher Studios produjo el primero de 17 cortometrajes de animación para la gran pantalla. Superman podía resolver los problemas del mundo, pero en la vida real la amenaza era más espantosa: el 7 de diciembre de 1941 ocurrió el ataque a Pearl Harbor, que significó la entrada de Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial. De inmediato su heroicidad en la ficción fue usada como propaganda para animar a las tropas aliadas que combatían a Hitler y su ejército nazi.

La constante amenaza de un desastre nuclear entre naciones, tras las retaliación ‘yanqui’ a Hiroshima y Nagasaki, motivó a la película de bajo presupuesto El hombre átomo vs. Superman (1950), con el ex vaquero Kirk Alyn, quien venía de hacer los seriales para cine los sábados en función de matiné. Sin embargo, la persona que estaba destinada a perdurar en el papel era George Reeves, un actor conocido por su papel secundario en “Lo que el viento se llevó”. Lideró la secuela, Superman contra los hombres ratones, estrenada en noviembre de 1951. Todo ello contribuyo a la creación de una serie en un novedoso medio de alcance masivo: la televisión.

Las aventuras de Superman, filmada en blanco y negro, tuvo una aceptación inmediata desde su debut el 19 de septiembre de 1952 y quedo inmortalizada con su clásica introducción: “Mas rápido que una bala. Más veloz que una locomotora. Capaz de saltar sobre los rascacielos… ¡Miren, en el cielo! Es un ave, es un avión… ¡es Superman!”. En Venezuela era transmitida por Venevisión, en función vespertina junto con El llanero solitario.

Pero todo el encanto natural de Reeves a lo largo de seis temporadas no podía ocultar fuera del set su frustración por no salir del encasillamiento. La mañana del 16 de junio de 1959, el mundo se despertó con un espantoso titular de prensa: “Superman se suicidó”. El actor, de 45 anos, fue encontrado muerto en su apartamento, con serias evidencias de haber bebido licor la noche anterior. Sin embargo, no se encontraron huellas dactilares en el arma que lo mató, ni siquiera las suyas. Un misterio. En el filme de 2006, Hollywoodland, estelarizado por Ben Affleck, se examina la posibilidad de que pudo tratarse también de un asesinato por encargo tras su amorío con la esposa de un influyente productor de cine.

Sin Reeves, la serie culminó. Afortunadamente, los comics seguían vendiéndose y expandiendo la mitología del personaje. Las aventuras se remontaron a su época de adolescente en Smallville o Villa Chica, como se le conoce en castellano. Aparecieron su prima Superchica y los villanos que escaparon de la zona fantasma tras la destrucción de Kriptón. Nuevos enemigos como Brainiac y aliados como el supercaballo Cometa y el superperro Krypto deleitaron el imaginario juvenil. Los sábados por la mañana los niños podían sintonizar las populares comiquitas Los superamigos, donde les acompañaba Acuaman, Batman, Robin y la Mujer Maravilla en el Salón de la Justicia.

Comenzaba la década de los ’60 y toda esa promesa de justicia social y optimismo se vieron opacadas una vez más por el asesinato del presidente John F. Kennedy. Una generación creció desilusionada entre disturbios raciales, protestas políticas, la sicodelia y activismo en contra de la guerra de Vietnam. A ese punto Superman parecía irrelevante, un héroe de papel. Con la institucionalidad de una nación moralmente quebrada, debido al escándalo Watergate y la posterior renuncia del presidente Richard Nixon, la sociedad reavivaba un interés por la espiritualidad donde el superhéroe, a los ojos de la cultura pop, encajaba perfectamente en el prototipo de un mesías secular.

En el documental para la televisión “¡Mira! Arriba en el cielo” no se descarta una alegoría judeocristiana en la mitología de Superman. Después de todo, baja de los cielos para salvar a hombres y mujeres. “Pueden ser buenas personas, Kal-El. Desean serlo. Sólo carecen la luz que les muestre el camino. Por esta razón sobre todo les he enviado a mi único hijo” (Mensaje de su padre, Jor-El). También hay paralelismos a pasajes del Antiguo Testamento, cuando los progenitores de Moisés iban a ser asesinados por los egipcios (la destrucción de Kriptón) y el hijo descendió por el Nilo y aterrizo en la tierra como un inmigrante y fue adoptado.

Una resurrección estaba en puertas cuando el productor ruso-mexicano Ilya Salkind y su padre, Alexander Salkind, quienes habían alcanzado el éxito con la adaptación al cine de Los tres mosqueteros, tuvieron la visión para una película épica, la más ambiciosa de la historia sobre los orígenes de un  personaje proveniente del cómic. Contrataron al autor de El padrino, Mario Puzo, para elaborar el guión en dos volúmenes. La dirección recayó en Richard Donner, quien insistió en imprimirle un toque de seriedad y respeto al material. El ganador del Oscar Gene Hackman interpretó al maniático Lex Luthor, Margot Kidder fue escogida para el rol de Luisa Lane y el legendario Marlon Brando (por un sueldo de 3,7 millones de dólares más porcentajes de los ingresos, inaudito para la época) dio vida a Jor-El, el científico que envía a su hijo a la Tierra. Los productores se negaban a darle el papel principal a un actor de renombre y optaron por un desconocido. Ese fue Christopher Reeve, un recién graduado de la prestigiosa universidad dramática Julliard, de apenas 25 años.

Según la sección de trivia en la página IMDb, el rodaje fue todo menos placentero. Los efectos especiales y las escenas de vuelo habían sobrepasado el horario y el presupuesto. Las tensiones aumentaron entre Donner y los Salkind, por lo que se decidió abandonar 70% de la segunda parte y concentrarse en terminar la primera. El 10 de diciembre de 1978, 40 años después de la publicación del primer número de Action Comics, se estrenó Superman: La película, realzada con la gloriosa banda sonora de John Williams. El filme recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo. El nuevo y moderno cine de Costa Verde de Maracaibo abrió sus puertas por primera vez con dicho estreno, en diciembre de 1980.

La secuela era inevitable. Pero las diferencias creativas entre Donner y los Salkind eran irreversibles, así que los productores recurrieron a otro director para completar las escenas restantes y regrabar algunas secuencias que se tornaron chistosas e inverosímiles. Superman II (1981) fue otro éxito de taquilla, por lo que los productores no esperaron hacer la siguiente entrega. Superman III (1983) fue coprotagonizada por el comediante Richard Pryor, como un torpe programador que construye una computadora capaz de destruir al protector de Metrópolis. Las críticas fueron muy duras y los ingresos monetarios, aunque menores, igual le favorecieron. Peor le fue a Superchica (1984), que expandió el universo del personaje presentando a su prima, encarnada por Helen Slater. Se vendieron los derechos de la franquicia al grupo Canon Films para hacer Superman IV (1987), que abordó el problema del desarme nuclear en el mundo. Fue tan pobre en efectos especiales que se hundió comercialmente y significó no sólo el final de la saga cinematográfica sino también la última vez que Christopher Reeve se colocaría el famoso traje tricolor.

Cuando la serie televisiva Las aventuras de Superboy salió al aire en 1988, quedó claro que el personaje debía ser reinventado a los convencionalismos de la época. Los fanáticos que crecieron con las historietas ahora eran adultos y querían ver a sus héroes con sus propios conflictos y complejas dimensiones. Fue en ese entonces que Batman (1989), de Tim Burton, maravilló a las audiencias con su sombría actitud. Los tiempos habían cambiado.

DC Comics apostó por lo impensable en 1993. Clark Kent le propone matrimonio y le revela su verdadera identidad a Luisa Lane en las tiras cómicas, pero los planes de boda se ven interrumpidos por un monstruo llamado Doomsday, quien da muerte al iconoclasta luchador de la justicia en la edición número 75. En menos de dos semanas aficionados y coleccionistas compraron cerca de tres millones de copias. Fue un suceso cultural histórico. El mundo se había quedado sin Superman, pero la editorial rápidamente buscó la manera de revivirlo en numerosas versiones, bien sea como robot o a manera de renacimiento intergaláctico.

Asimismo, en televisión se preparaba otra nueva serie llamada Luisa y Clark, con Dean Cain y Terri Hatcher, que se centraba en la relación de los reporteros y no tanto en la heroicidad de Superman. Pero otro evento trágico estaba por ocurrir en la vida real. El 27 de mayo de 1995 Christopher Reeve cayó de un caballo durante una exhibición de equitación y sufrió una parálisis en la espina dorsal, del cuello para abajo, que lo dejó conectado a un respirador artificial De inmediato corrieron rumores sobre una maldición al relacionarse el accidente de Reeve con la muerte de George Reeves. Sin embargo, fue entonces que el actor se armó de increíble fuerza ante el mundo convirtiéndose en un incansable activista de la investigación médica contra la discapacidad física. Aún sin la habilidad de caminar, demostró que los humanos pueden ser tan valientes e influyentes como cualquier ídolo ficticio. Lamentablemente falleció el 10 de octubre de 2004.

Superman seguía su curso en el mundo de la animación. En 1996 el canal WB produjo una serie art deco renovada y más adelante apareció La liga de la justicia, al lado de Batman y Linterna Verde, entre otros, en un tono mordaz que hasta la fecha ha tenido gran aceptación. También innovadora fue Smallville, en torno a la vida de un joven y confundido Clark Kent, quien en medio de la pubertad descubre que tiene poderes sobrenaturales y no sabe cómo controlarlos. La serie halló la manera de hacer Superman sin el traje, sin volar y mostrando a Lex Luthor como un amigo que todavía no se entrega por completo al lado oscuro.

Arrancaba el nuevo milenio y las nociones de verdad y justicia sufrieron otra prueba muy dura con los ataques terroristas el 11 de septiembre de 2001. ¿Dónde estaba Superman? En los bomberos, rescatistas y voluntarios que arriesgaron su vida para ayudar a las víctimas de las Torres Gemelas. Se redefinió el concepto de héroe con el valor y sacrificio del ciudadano común.

Fueron muchos los intentos de devolver a Superman en el sitial cinematográfico. Hubo un proyecto que traería lo visión gótica de Tim Burton a Metrópolis con el actor Nicolas Cage en el papel titular, pero eso nunca se concretó. Tras la oleada inspirada por X-Men, El Hombre Araña, Hulk, Los 4 fantásticos y Batman inicia se reactivó el interés del estudio Warner Bros. para la realización de Superman regresa (2006). El director Bryan Singer optó por retomar la historia iniciada por Donner tres décadas atrás, en un mundo que parecía haber olvidado al héroe. Pero el novel y apuesto Brandon Routh nunca trascendió en el papel y las escenas de vuelo parecían evocar un tono dudosamente masculino. Kevin Spacey intentó canalizar a Hackman como Lex Luthor, sin éxito. Desempolvaron, en clave nostálgica, el clásico tema de John Williams y material de archivo inédito con Brando como Jor-El. Pero otras decisiones, como la revelación de un hijo entre Luisa Lane y Superman, no convencieron al público y los resultados fueron mixtos.

La gran prueba de fuego la tiene ahora El Hombre de Acero, nombre alternativo que muy bien funcionó para Batman en la reciente trilogía de El caballero de la noche. No es coincidencia. La superproducción va de la mano de Christopher Nolan, quien sirvió de mentor del proyecto que dirige Zack Snyder (el mismo de 300 y Watchmen). Hans Zimmer tiene la titánica tarea de crear una banda sonora cumbre, pero diferente al de John Williams. El británico Henry Cavill se une a la creciente lista de actores no americanos en abordar populares héroes nacidos de la cultura norteamericana (como el gales Christian Bale en la reciente encarnación de Batman y los australianos Hugh Jackman y Chris Hemsworth, los respectivos Wolverine y Thor). Con un reparto de lujo que incluye a Russell Crowe, Kevin Costner, Amy Adams y un intenso Michael Shannon como el malvado Zod, ahora la creación de Joe Shuster y Jerry Siegel se inicia en el formato 3D con avanzados efectos especiales en plena era digital. El legado está servido para una nueva lectura, acorde a los rápidos cambios que surten en la sociedad actual. ¿Tiene el mundo la necesidad de otro Superman? Que comience la función.

Alexandra Cariani: Eres editor general del diario Muy, una publicación reciente del Grupo Clarín, gran grupo mediático. ¿Cómo es ese diario? Es un diario popular tengo entendido. ¿Qué perfil tiene?

Horacio Convertini: El diario cumplió dos años el dos de mayo. Es popular, pensado para la clase media baja y la clase baja. Es pequeño, ágil y muy colorido. Hace su foco no tanto en la noticia importante sino en la noticia interesante, eso implica que tiene mucho deporte, espectáculo, mucha farándula, mucho policial. Es un diario nuevo que ha ganado un lugar dentro de lo que es el paisaje de los diarios en Argentina y que si Dios quiere va a seguir por muchos años más.

A.C. Ha tenido mucho éxito por lo que veo.

H.C. Ha tenido éxito. Se instaló en un mercado muy competitivo, el segmento de los diarios populares en Argentina, encabezado por dos diarios muy buenos y fuertes como son el Diario Popular y Crónica, pero nosotros ya estamos ahí. El año pasado, por ejemplo, después de nueve años de ascenso ininterrumpido en las ventas, el Diario Popular por primera vez tuvo un descenso y todos los especialistas lo adjudican a la competencia de Muy, lo cual me pone muy contento.

A.C. Antes de eso fuiste por muchos años jefe de la sección de policiales del diario Clarín.

H.C. Sí. Fui tres años, no tanto, jefe de policiales del Clarín y la pasé muy bien. Aprendí mucho. La sección estaba compuesta por editores y redactores realmente muy duchos en el tema, el que menos sabía era yo pero era el jefe, qué se le va a hacer, son las decisiones editoriales. Aprendí mucho de los editores y redactores, tengo grandes amigos e incluso compañeros de cancha, tres éramos del mismo club entonces íbamos a la cancha.

A.C. ¿De cuál club?

H.C. De San Lorenzo.

A.C. Como el Papa ¿no?

H.C. El Papa también es de San Lorenzo, claro, por supuesto, vamos a conquistar el mundo. Obama está pensando hacerse de San Lorenzo también (risas).

A.C. Hablando de policiales quiero felicitarte porque acabas de ganar, recientemente, el concurso de novela negra de BAN el Festival Internacional de Novela Policial de Buenos Aires. Lo ganaste con una novela que se llama El último milagro, entre 350 manuscritos, felicitaciones.

H.C. Vengo de racha como decimos los porteños.

A.C. Estás, como decía Andy Warhol, en tu cuarto de hora, viviendo tus 15 minutos de fama.. Debe haber mucha producción de novela negra en Buenos Aires para que exista un festival. No sé si habrá más concursos.

H.C. Hay dos festivales de novela negra. Uno es el Azabache que tiene su concurso, yo lo gané el año pasado. Otro es el BAN que lo gané este año y se está sintiendo la posibilidad de que haya un tercero en la ciudad de Córdoba, porque hay una actividad muy fuerte con la literatura policial y negra.

A.C. Evidentemente tiene que haber una movida fuerte del policial allá. Tengo entendido que en la novela El último milagro pones el género policial en la cancha de fútbol. ¿De qué manera? ¿Nos puedes contar algo?

H.C. Sí, es una historia bastante loca y divertida. Hay un club en Argentina que existe, es real, se llama Racing. Es uno de los cinco clubes grandes de Argentina, siempre vive crisis casi terminales y mal que mal las capea todas. En la novela está a punto de perder la categoría, de irse a la B, la segunda categoría del fútbol argentino, que es prácticamente una desgracia económica e institucional. El presidente del club, un hombre que ha llegado desde fuera de la política interna y tiene la idea de hacer una cruzada moral y limpiarlo de ladrones, oportunistas y vivillos, se enfrenta con una inevitable sucesión de partidos perdidos y cheques rebotados, está con la soga al cuello y aparece una oportunidad media extraña que le ofrece una corporación japonesa, de insertarle un chip en el cerebro a su mejor jugador y transformarlo en una especie de Messi, Maradona al cuadrado, que será manejado por un japonés desde la platea sin que nadie lo sepa por supuesto. Entonces, pese a que tiene una gran resistencia de hacer eso porque implica traicionarse, va a intentar ese camino, que va a despertar una serie de profundas divergencias internamente. Como es una novela policial al fin y al cabo se va a dirimir todo a los tiros y con sangre.

Ganador Serial

A.C. Ese es El último milagro, pero hay otra novela negra con la que Horacio Convertini, ganó el año pasado el Premio Novela Azabache que se llama La soledad del mal.

H.C. Sí, exactamente. Ahora está nominada a uno de los premios de la Semana Negra de Gijón en España lo cual me da mucha felicidad. Es una historia más oscura que El último milagro que si bien es muy oscuro tiene pasos casi de comedia a lo largo de su trama. La soledad del mal es muy oscura, trata sobre un asesino serial que va a encontrar en algún momento de muertes y crímenes, absolutamente planificados, la horma de su zapato. Va a encontrar a alguien que le mueve la estantería como decimos los argentinos, una mujer que es la amante de una de sus víctimas. La soledad del mal es justamente la narración de este asesino profundamente infeliz, millonario pero profundamente infeliz, que debe matar para calmar muchas de sus angustias interiores, producto de una vida terriblemente desolada que va a ir siendo desglosada a lo largo de la novela. Encuentra en esta mujer la posibilidad de que su vida en torno al mal no sea tan solitaria y en ese encuentro va a estar la clave de la novela.

A.C. Usaste la palabra serial que es un perfecto vocablo para las novelas policiales y tú mismo te autocalificas como un concursante serial porque, además, has obtenido premios en España. Con El refuerzo obtuviste el accésit del XLVII Concurso Internacional de Cuentos Miguel de Unamuno. También hace pocos días obtuviste el Premio Sigmar de Literatura Infantil y Juvenil por Terror en Diablo Perdido. Estamos viniendo de la novela negra y ahora vamos a la literatura infantil, así que realmente eres un “ganador serial.”

H.C. Ahora me titulan ganador serial. Hace unos años un compañero, curiosamente de trabajo, me dio la pista de dónde encontrar por Internet bases de concursos literarios. Cuando empecé a ganar concursos y a participar yo lo alentaba porque él escribe también, escribe muy bien, es un buen escritor. Lo alentaba para que participara, él se ofendía mucho, decía que la literatura es otra cosa. En un blog hace referencia a mí, sin nombrarme, como un concursante serial. Yo me enteré de rebote y al principio me dolió un poco eso. Él dice que en realidad en ese blog había querido elogiar mi esfuerzo y capacidad de trabajo. Yo sospechaba que no pero al fin de cuentas esto es como en el judo. En el judo tenés que utilizar la fuerza de tu contrincante para hacerlo caer, entonces lo tomé como un elogio y lo tomé como una descripción mía, sí soy un concursante serial. Soy alguien que necesita concursar para obtener visibilidad dentro de un mercado editorial super competitivo en Argentina donde la narrativa no tiene el lugar de privilegio que uno puede suponer que tiene.

A.C. Uno se imaginaría que sí.

H.C. Pero no, no lo tiene. Hay un gran dinamismo, mucha gente que escribe literatura, gente de distintos estratos sociales, que puede venir del ramo de las letras pero también de otra actividad como yo que vengo del periodismo, jóvenes, viejos, mucha gente en talleres literarios, que produce obra y no sabe muy bien qué hacer con esa obra. Entonces mucha gente lo que hace es generar editoriales autogestionadas, que pueden publicar un, dos, tres títulos por año y más o menos tienen un pequeño rebote. Y otros como yo que han decidido el camino de los concursos para lograr lo que no obtienes tocando el timbre de una editorial.

A.C. Cosa que se puede aplicar a otros ámbitos de la vida. A veces no logras frontalmente las cosas sino por caminos laterales, tangenciales. Fíjate que con un concurso tú logras visibilidad, premio metálico que nunca está de más y publicación de la obra, es decir, es una estrategia muy inteligente, pero para concursar como tú lo has hecho, casi compulsivamente, tienes que tener obra, quiere decir que tú tenías muchas cosas escritas.

H.C. Absolutamente, sí, había escrito casi como un loco durante cinco o seis años, cuentos, novelas, además de escribir y corregir en una especie de sucesión casi psicopática. El resultado es esto que tú ves.

A.C. ¿Eran obras que ya estaban allí? ¿Que tú las propusiste a editoriales y no te las aceptaron? ¿Fue así?

H.C. Sí, exacto.

A.C. ¿Qué estarán pensando ahora los que te rechazaron?

H.C. No, nada, ni deben saber. Yo estoy pensando la venganza, va a ser muy dulce y terrible al mismo tiempo. A ver, me ha pasado lo siguiente, una respuesta típica, que te deja un sabor bastante amargo, es: leí tu novela, me gustó, la pasé muy bien, está buena, bien escrita, pero no la vamos a publicar porque estamos buscando otra cosa. ¿Qué cosa buscás? ¡Decímelo que te lo hago a medida! ¡Pero decímelo ! Así me ha pasado con varias editoriales. Yo entiendo, esas editoriales chicas que buscan escritores jóvenes, que vengan del lado de lo académico y cuyas obras se lean por sobre el hombro, es decir, no una escritura frontal, guerrera, atractiva, sino algo que esté bordeando la experimentación, la vanguardia, o cosas así que vos decís cuando terminás de leer: Pero ¿qué leí? Buscan eso, que el lector se pregunte qué leyó y no lo tenga muy claro, con mi literatura tienen claro qué leen.

A.C. ¿Y no buscan también los editores cosas facilitas? Bien potables, digeribles.

H.C. En las editoriales pequeñas, independientes, con muy buena prensa, me parece que buscan otra cosa, buscan lo sofisticado y mi literatura no es sofisticada.

A.C. Lo otro que tiene mucha pegada es el trabajo periodístico.

H.C. Eso sí se vende muchísimo.

A.C. Y siempre, por supuesto, los temas new age, de autoayuda.

H.C. Absolutamente.

Un policial lleno de sentimientos

La  primera obra  de Horacio Convertini  que se publicó en Venezuela fue El Refuerzo, una novela corta publicada por Ediciones Punto Cero en 2010. Donde sirviéndose de la elocuencia visual del thriller cinematográfico, el autor construye un extraordinario relato que recorre las entrañas de un mundo poblado por personajes sombríos para los cuales el fútbol no es más que un subterfugio del poder y la muerte, una infracción habitual. Ahora, dos años después, la editorial que dirige Ulises Milla apuesta por un nuevo título: New Pompey.

A.C  Podríamos decir que esta es una novela de la memoria, construida a base de recuerdos personales.

 H.C. Tiene una carga de gran melancolía, esa evocación triste del pasado, cuando el pasado se transforma en una cuenta no saldada. Yo digo que el personaje Cali carga consigo la peor de las infelicidades que es no haber sido del todo infeliz, no haber sido del todo desgraciado. Porque si vas en un avión, el avión se estrella en la cordillera, estás 30 días perdido y tenés que comer de la carne de tus amigos muertos, como pasó por ejemplo con los supervivientes de los Andes, bueno, ahí tenés una desgracia tan grande, tan abrumadora, que te releva de cualquier otra cuestión interna o repudio del alma que puedas tener. Pero Cali, el personaje principal de New Pompey, es una persona normal, tiene empleo, no pasa hambre, se ha peleado con su pareja de toda la vida pero tiene un lugar donde vivir, se ha muerto su madre a quien él no quería en el fondo y sin embargo, es profundamente infeliz, porque la vida lo ha llenado de pequeñas muescas, que son pequeñas heridas que no termina de suturar y que intentará suturar pero no va a lograrlo. Lo intentará, mejor dicho, en esa noche alocada y terrible en que su mejor amigo de la adolescencia toca el timbre de su casa y le propone un plan criminal, absurdo, insensato y hasta modesto porque ni siquiera es algo espectacular pero va a conmover un poco lo que es todo su presente.

A.C. Sí. Nueva Pompeya, así se llama el barrio, ¿está en las afueras de Buenos Aires o en la capital?

H.C. Está en la Capital Federal, en uno de los arrabales de la Capital Federal.

A.C. ¿Cerca de La Boca, no?

H.C. Cerca de La Boca, de Barracas, junto al riachuelo.

A.C. Sí, preciso esto porque creo que Nueva Pompeya es un gran protagonista. Es el barrio, es lo que fue y lo que es.

H.C. Exacto.

A.C. Son sus personajes, aquellos que se quedaron y los que salieron del barrio, que es la gran imagen, el que salió del barrio e hizo la vida afuera, en otras zonas de Buenos Aires.

H.C. Exacto.

A.C. Nueva Pompeya es ese barrio, es decir, yo me transporté y viví ese barrio como pueden ser otros tantos de Buenos Aires, no sé, el mismo ahora que está de moda, Flores, donde nació el Papa. Cómo marca la vida en las personas.

H.C. Un poco mi intención en la novela era que el barrio estuviera ahí. Esta novela es la que más tiene de mí. No es una novela autobiográfica desde luego, pero la casa de Cali es mi casa, está ubicada en la calle donde yo crecí, el club donde suceden las cosas es el club donde yo iba, a mi mejor amigo de la adolescencia también le decían El Chino y también tenía un apellido irlandés. Aparecen muchas cosas mías en esta novela y aparecen los escenarios en donde yo fui profundamente feliz, aunque no así el personaje, pero yo fui profundamente feliz en ese barrio. Barrio obrero, un barrio lleno de fábricas y de talleres, un barrio en donde todos se conocían y que fue brutalmente arrasado por las políticas neoliberales de los años noventa en Argentina. Las fábricas donde había miles de obreros hoy son carcasas con los vidrios rotos. Los talleres industriales han desaparecido, algunos han vuelto en los últimos tiempos pero estoy hablando de que la novela se desarrolla en el año 2001.

A.C. En plena crisis ¿no?

H.C. Cuando la crisis comienza a vislumbrarse. Todos estamos como en la cubierta del Titanic y no nos damos cuenta.

A.C. Claro, eso fue la época del corralito ¿no?

H.C. Todavía no había sido declarado el corralito, es el invierno del 2001, el corralito es en diciembre de 2001.

A.C. Hay una crisis en Cali, el personaje protagónico. Una crisis personal en medio del contexto de crisis de un país.

H.C. Exacto. La crisis de Argentina es como el escenario, la música de fondo. Él la ve venir, la ve incluso desde afuera, está más preocupado por su crisis interior. La crisis del país suele aparecer en diversos momentos en este relato. Aparece al comienzo cuando está solo en su casa, ve la televisión y al ministro de economía diciendo que el país se va a salvar, que hay un mega canje, que es la gran oportunidad para Argentina. Cuando su amigo viene a contarle una historia absurda de cómo Nueva Pompeya se va a transformar en New Pompey, esa vocación tan porteña de ponerle nombre inglés a las cosas, como está el Palermo Soho, Palermo Hollywood, barrios que han adoptado un nombre inglés.

A.C. Ellos sueñan con transformar a Nueva Pompeya en eso.

H.C. En eso, New Pompey, una especie de New York.

A.C. Sí. Es que son personajes que hasta dan ternura, realmente, y a la vez los sientes tan reales. Porque uno ha conocido chinos, rusos y además uno ha conocido, por cuestión de vivencia personal, el papel por ejemplo que jugaba un elemento clave de los barrios en Argentina que era el club. A mí me contaban que la vida transcurría en el club. Ahí había todo. No es la imagen del club que uno tiene acá en Venezuela, era otra cosa, el club era el centro vital, neurálgico, del barrio.

H.C. Eran clubes de barrio, aquí en Venezuela no logran entender cabalmente la idea porque los clubes significan otra cosa.

A.C. Igual que la palabra barrio, son diferentes acepciones.

H.C. Claro. Los clubes de barrio eran armados por los vecinos, generalmente muy pequeños, había una pileta de natación, una cancha de básquet, se enseñaba arte marcial o boxeo, folclore. Todo el mundo pasaba por el club. La fiesta de casamiento de mis padres fue en el Club Unidos de Pompeya donde sucede la trama. Entraba gente a la fiesta con el carné de socio, no con la invitación, con el carné de socio. En determinado momento no alcanzaba la comida. Uno de mis tíos que trabajaba en una confitería-panadería tuvo que salir corriendo en medio de la noche a buscar más alimento porque no alcanzaba, porque había muchos colados como decimos en Argentina, mucha gente había entrado con el carné de socio y no estaba invitada. Esa era la fuerza del club, te identificabas frente a los demás, vos eras del club.

A.C. ¿Existe todavía el Club Unidos de Pompeya?

H.C. Sí, pero está muy mal. Yo hice toda la novela de memoria, contando el club de memoria, porque no había vuelto desde los veinte y pico años. Un domingo de verano decido ir para ver si todo lo que recordaba estaba tal cual o no. Me digo: es un domingo de verano, tiene que estar la pileta abierta, entonces voy a ver la pileta y no estaba funcionando. El club estaba lleno de rejas, prácticamente no me dejaron entrar y el resultado fue desolador. Preferí dejar el club como lo imaginaba y no el club real porque era demasiado fuerte, es un club que está prácticamente fundido y duele porque lo que está fundido en realidad es el concepto de comunidad. La gente ya no va al club, no se reúnen entre ellos, las calles han dejado de ser lugares, hemos perdido sitios en común.

A.C. Bueno de hecho comienzas la novela con n epígrafe que dice así: Porque me lo llevan, mi barrio, mi todo, / yo, el hijo del lodo lo vengo a llorar… / Mi barrio es mi madre que ya no responde… / Que digan a dónde lo han ido a enterrar (Puente Alsina, tango de Benjamín Tagle Lara).

H.C. Sí, eso es un tango de los años treinta, hay una versión maravillosa de Edmundo Rivero. Puente Alsina es el puente que comunica Pompeya con Valentín Alsina, un barrio, una localidad, ya del Gran Buenos Aires no de la Capital Federal. Es un puente que está muy maltrecho ahora, en general siempre estuvo maltrecho, lo recuerdo bien, cruza el riachuelo. Sí, elegí ese párrafo del tango porque sintetiza un poco eso, cómo vivíamos nosotros el barrio, casi como una identificación nacional, tu primera nacionalidad está dada por esas calles.

A.C. Exacto y al eliminar eso estás rebanando una parte de la identidad de muchos argentinos, también cuando quieren tratar de imponer un cierto modo de vivir, una nueva dinámica en los barrios. Fíjate que tú contaste de memoria lo del barrio y aquí estuvo hace poco una amiga escritora que me decía que la memoria es una cuestión de oído. Me encantó esa frase. Esto viene a colación porque hay algo que me gustó mucho y creo que hay que destacar de New Pompey: el lenguaje, la jerga que usan. Casi se necesita un glosario, uno porque está muy familiarizado con la jerga porteña de los argentinos, pero hay un manejo y un trabajo del lenguaje increíbles.

H.C. Sí, me han rescatado eso como uno de los méritos de la novela. Me cuesta verlo como un mérito porque me ha salido naturalmente, yo hablo así, hablo con mis amigos así, entonces estoy más cerca de ser el narrador de la novela que el escritor. Esa es mi forma de hablar, no tengo un léxico académico en mi vida cotidiana.

A.C. Sí, pero digamos, independientemente de que el lenguaje sea muy localizado, es una novela sencilla de leer, con un lenguaje directo, sin  pretensiones  intelectuales pero elaborado, musical. Y por momentos poético. Como dice Ulises Milla: “una poesía del bajo fondo, una poesía arrabalera”. A propósito de música me comentabas que Chan Chan, uno de los temas de Buena Vista Social Club podría ser el soundtrack de una película sobre New Pompey.

H.C. Sí, me suena, tiene esa cadencia melancólica que le viene muy bien a la novela. Yo identifico a la novela con dos tangos, uno es Puente Alsina que figura en el acápite de la novela y otro es Ventarrón un tango que cantaba Gardel, te estoy hablando de principios de siglo XX, que cuenta la historia de un guapo, Ventarrón, que es de Pompeya y sale del barrio para conquistar el Centro. Vuelve derrotado y cuando regresa los que lo respetaban no lo respetan más. Es como una especie de fábula de la derrota que cae perfecto con el libro.

A.C. ¿Por eso dice Gabriela Cabezón que New Pompey es la nueva novela tango del siglo XXI? ¿Algo así?

H.C. Algo así, ella lo definió muy bien. No escribí la novela pensando escribir un tango. Ahora, cuando la terminé y ella encontró eso como lectora, digo: pero sí, tiene razón, esto es un tango.

A.C. Sí, es un tango. Yo considero que en el fondo es una gran herida, de principio a fin. Además, con una anécdota de alguna manera tan simple, pocos personajes, en una sola noche, te da para hablar de un montón de cosas. Eso también me gusta de la novela, con esa anécdota te da para hablar de todo, de la infancia, los padres, la derrota, la soledad, qué se yo, los sueños, los sueños alcanzados, los sueños rotos. Te da para mucho.

H.C. Sí, creo que en mi literatura busco además trabajar mucho los sentimientos y esta es una novela llena de sentimientos.

A.C. Es verdad.

H.C. Creo que te deja algo, te deja pensando, algo reverbera después de leerla y si bien hay espacios para la carcajada, hay también espacios para esa mirada amarga sobre las relaciones entre las personas, y un poco es eso, hay mucho sentimiento puesto también a la hora de escribirla. No es una novela que ha resultado inocua para mí. Yo me comprometo con todo lo que escribo pero cuando escribo la historia de un asesino serial, bueno, yo no soy un asesino serial, y lo escribo desde otro lugar, pongo conflictos humanos, densos, pero en los cuales no me siento tan comprometido como persona. En New Pompey sí, claramente, porque yo estoy ahí en esa novela.

A.C. Sí, es un gran flash-back también la novela ¿no? Una de las cosas importantes está en las relaciones entre amigos, entre el que vuelve, entre los que se quedaron en el barrio, los que nunca logran salir de ciertas limitaciones y el que sí salió de Nueva Pompeya, fue a vivir a Belgrano o Recoleta y cambió de vida. Pero en el fondo, ¿se cambia o no se cambia del todo?

H.C. Es raro, funciona como un mecanismo de identificación muy fuerte. Creo que no te lo sacás nunca del todo, el barrio encima, sobre todo un barrio tan específico, un barrio tan periférico que ha construido su propia mitología, donde nosotros desde chicos y en plena época del rock cantábamos el tango Sur cuando nombra a Pompeya y nos poníamos de pie porque eso es lo que nos identificaba. Nosotros éramos un barrio que teníamos tango, éramos un barrio distinto a los demás, era una personalidad.

A.C. New Pompey tiene un complemento policial importante, pero creo que tiene más corazón que otra cosa y tiene además un desenlace muy desconcertante. Yo más bien anticipaba que iba a terminar con algo trágico, terrible, y realmente el desenlace no tiene un happy end pero es una ventanita  esperanzadora que ventila  esa herida que corre de principio a fin en la novela.

H.C. Un escritor, periodista y amigo, Alejandro Cavallari, una vez dijo algo que me marcó cuando estaba trabajando en New Pompey. Dijo en referencia a El refuerzo y a los cuentos que tengo publicados en un libro que se llama Los que están afuera: “Che, como hacés sufrir a tus personajes, tratalos mejor”. En  New Pompey me propuse tratar mejor a mis personajes, sentía que sí, que era excesivamente riguroso y los exponía a cosas terribles. Y en ese final por lo menos deja abierta una mirada de esperanza para Cali, funcionó un poco este casi ruego para que tratara mejor a mis personajes.

A.C. Ya para finalizar se están cumpliendo los 50 años de Rayuela, quería preguntarte cómo fue tu lectura de esa novela, qué vínculo o no vínculo encuentras con Cortázar.

H.C. Nada. Rayuela no fue nada, no la leí. La tengo en casa y nunca le entré. Me pasó con Rayuela que la compré, había un deber ser, leerla. Estaba ese juego de que se podía entrar por cualquiera de los capítulos, lo que me generaba un gran desconcierto, la idea de poder entrar por cualquier lado me hacía sentir que podía cometer un error y no me gustan los laberintos. Me acuerdo que empecé a leer el primer capítulo, no me movió nada y la dejé. La tengo por ahí, nunca intenté retomarla.

A.C. Quizás ahora en el 50 aniversario la leas.

H.C. No, no creo. Ahora, qué significó Cortázar para mí, creo que le empecé a entrar por Torito un cuento que habla sobre Justo Suárez, un boxeador argentino maravilloso que vive una parábola extrañísima. Fue el primer ídolo popular del boxeo argentino y muere abandonado y tuberculoso, a los treinta y pico de años. A partir de Torito entré a los cuentos de Cortázar y los disfruté mucho, pero era una lectura de mis veinte años. Además, en mis veinte años buscaba cosas raras, literatura más testimonial y no ha sido para mí Cortázar una influencia por lo menos consciente. Sin embargo, uno de los cuentos que yo más quiero, que he escrito, se llama La Visita y es una reformulación en algún punto de Torito de Cortázar.

A.C. Horacio ya para finalizar, ¿anticipas de alguna manera cómo será recibida New Pompey en Argentina y en Nueva Pompeya?

H.C. Bueno, en Pompeya están organizando una presentación, con un grupo de tango. Hay un lugar donde quieren hacerla, es un instituto cultural que me sorprende, es bueno, de la dinámica del barrio, en la placita de Pompeya, y un grupo está preparando los tangos que identifican a la novela. Sí, creo que va a ser bien recibida.

A diferencia de Convertini, a nosotros si nos gustó infinitamente Rayuela, así que para despedir estar conversación optamos por un tema de Charlie Parker, uno de los músicos que más le gustaba a Cortázar, tanto así que se basó en su vida para escribir su famoso cuento, El Perseguidor. Melómano empedernido, Cortázar decía algo que merece la pena repetir: en el jazz es posible toda imaginación.

* Esta entrevista fue  transmitida en el mes de abril  en Zonalibre, programa radial conducido y producido por la periodista Alexandra Cariani en la Emisora Cultural de Caracas 97. 7 FM

Con el fin de someter las universidades y convertirlas en apéndices de ese modelo fracasado que es el socialismo del siglo XXI, caricatura del comunismo tradicional del siglo XX, tendieron un cerco financiero que las mantiene al borde de la bancarrota. Las universidades se han transformado en liceos grandes, sin capacidad de enseñar, investigar e innovar de acuerdo con las altas exigencias que impone la sociedad del conocimiento. La ciencia y la tecnología han sido marginadas, a pesar de los enormes esfuerzos realizados por el personal docente para mantenerse al día en un mundo donde los conocimientos se renuevan constantemente. Por ejemplo, en medicina se calcula que después del descubrimiento del genoma humano, una facultad se desactualiza en apenas cinco años si no renueva continuamente su bibliografía. Las universidades han declinado hasta convertirse en cajas de resonancia donde se retransmiten saberes que se desarrollan en países donde se les da al conocimiento la dignidad que merece.

La crisis universitaria ha golpeado al personal docente con una brutalidad feroz. Los profesores venezolanos son los peores pagados de toda América Latina, cuando hace apenas algunos años competían en condiciones ventajosas con los del resto de la región. En este punto los dirigentes gremiales han colocado el énfasis. No puede ser de otro modo. La actividad docente y de investigación exige condiciones mínimas de tranquilidad mental, que no pueden alcanzarse si el profesor se la pasa todo el día devanándose los sesos para ver cómo hace para que el dinero le alcance hasta el final de la quincena. Un sueldo digno es lo mínimo que puede aspirar un educador que solo puede escalar en el escalafón universitario mediante la presentación y defensa exitosa de trabajos de ascenso y la obtención de títulos de cuarto y quinto nivel —Maestría, Doctorado y Postdoctorado— que demandan una gran concentración mental. El docente universitario no eleva su estatus académico por antigüedad. El ascenso por inercia no existe. La Universidad es una institución jerárquica y meritocrática, y así debe serlo. Es un centro de enseñanza donde unos docentes evalúan la calidad, consistencia y rigor científico del trabajo de otros situados en un rango inferior. De allí que la igualdad que algunos maoístas y cheguevaristas trasnochados proponen no puede existir. Tal igualitarismo resultaría letal para su misión esencial: producir y transmitir conocimientos altamente especializados. La democracia en este plano tiene que limitarse a que todas las personas con las aptitudes requeridas, tengan la oportunidad, independientemente de su condición socioeconómica, de acceder a esos centros de formación intelectual.

El Gobierno insiste en degradar las instituciones de educación superior, con el fin de alinearlas con el proyecto de ideologización contemplado para todos los niveles de la educación venezolana. Este plan incluye eliminar la diversidad teórica y doctrinaria que debe caracterizarlas y, desde luego, empobrecer a los docentes. Los estudiantes han entendido que el derecho al estudio y la formación intelectual incluye una dimensión ética insustituible. Los alumnos no pueden recibir clases ni orientaciones profesionales si sus docentes son vejados. La solidaridad con el humillado, especialmente cuando este es el maestro, forma parte de las obligaciones morales de los estudiantes. ¿Qué clase de educación es esa que se desentiende de los principios y se ocupa solo de los conocimientos instrumentales? Tal educación no sería para desarrollar, sino para amputar.

La huelga de hambre emprendida por estudiantes y profesores de varias universidades, la caminata desde la UCLA de Barquisimeto hacia Caracas y los numerosos actos de apoyo de diversos sectores nacionales, constituyen ejemplos de coraje que los bárbaros desestiman. La justicia se encuentra del lado de los universitarios y pronto se impondrá.

@trinomarquezc

“Tres”, de Tom Tykwer, es una de las películas más esperadas y también de las más polémicas de esta priemra muestra de cine germano.

Hablar del cine alemán de hoy conduce necesariamente a comprender la condición múltiple de la nación germana tanto en el plano social como en el económico y el cultural. No existe una sola Alemania sino varias, reunidas en una compleja presencia muy heterogénea. Así lo pone en evidencia el primer Festival de Cine Alemán que se organiza en Caracas, con la participación del Instituto Goethe de Venezuela y el Trasnocho Cultural. Son siete películas que abarcan comedia, drama, temas políticos, históricos y de integración cultural. Del conjunto de títulos destacan dos asuntos de manera muy particular: la homosexualidad y la inmigración. Pero también se pone el énfasis en la memoria histórica y sus consecuencias éticas. Sus directores representan una generación nueva de creadores alemanes, que intentan seguir el legado no solo de los clásicos de Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, sino también superar la herencia de Wim Wenders, Volker Schhloendorf, Reiner Werner Fassbinder y Werner Herzog. Es una nueva generación que ha jugado a la internacionalización y lo ha logrado a punta de esfuerzo y constancia para alcanzar altos niveles de calidad. Esta primera muestra comienza el viernes 14 y se extiende hasta el jueves 20. Les comento cada una de las películas seleccionadas.

Viernes 14 de junio: el festival abre con Soul Kitchen (Soul Kitchen, 2009) dirigida por Fatih Akin, uno de los directores alemanes más interesantes de hoy. De ascendencia turca, alcanzó el reconocimiento con las recordadas  Contra la pared y Al otro lado, en las que indagó sobre los problemas de la inmigración y sus aportes culturales. Esta vez plantea una comedia inquietante sobre un cocinero de origen griego que está al frente de un restaurante de moda en Hamburgo, el Soul Kitchen del título. Lo acosan las inmobiliarias que quieren el terreno donde funciona, la oficina de impuestos que busca sacarle alta sumas de dinero y la afición al juego de su hermano que lo mete en problemas.

Sábado 15 de junio: una de las obras más polémicas de la muestra es Tres (Drei, 2010), drama del afamado Tom Tikwer, autor de películas tan disímiles como Corre, Lola, corre, El perfume y Agente internacional, que aborda la relación de Hannah y Simón en el Berlín actual, signada por la incertidumnre ante la maternidad, las enfermedades y los vacíos afectivos. A la vida de una y otro llega Adam, de quien se enamorar, aunque separadamente y sin saber la relación del otro. Muy bien actuada y dirigida, causará polémica por su propuesta final.

Domingo 16 de junio: ¡Goethe! (Goethe!, 2010), del prolífico Philip Stölzl, se sitúa en 1772 para contar los amores y aventuras de Johann Wolfgang Goethe, a la sazón estudiante de Derecho de 23 años, que esenviado por su padre a trabajar en la Cámara de la Corte Imperial en Wetzlar, donde se enamora de Charlotte Buff, quien le sirve de inspiración para escribir Las desventuras del joven Werther, novela de juventud que lo catapulta como un gran nombre  de la literatura alemana.

Lunes 17 de junio: le toca el turno a Sascha (Sascha, 2010), el trabajo más aplaudido de Dennis Todorovic, quien ha dedicado su filmografía de ficción y documental al tema homosexual. En una urbe alemana actual, un muchacho de familia inmigrate de Montenegro se enamora perdidamente de su profesor de piano y crea una situación conflictiva en su familia, que reside en un barrio multicultural, por sus inclinaciones sexuales.

Martes 18 de junio: una de las películas más comentadas del festival es La canción en mi (Das Lied in mir, 2010), de Florian Cossen, que narra la extraña historia de María Falkernmayer, una mujer alemana que no habla castellano y que, en una escala en Buenos Aires en su viaje a Santiago, escucha una canción infantil en español que la perturba. Su memoria auditiva y afectiva la conducen a realizar hallazgos desconcertantes sobre su familia y sobre los desaparecidos durante la dictadura militar en Argentina. Ha ganado múltiples premios y se las recomiendo.

Miércoles 19 de junio: El sistema (Das System, 2011), drama de Marc Bauder, cuenta una historia rocambolesca: el joven Mike Hiller es atrapado cuando robaba en un chalet en las afueras de Rostock. El dueño no lo denuncia sino que al día siguiente le ofrece un trabajo. Mike podría hacer carrera en un mundo de cabilderos, fraudes y poderosos funcionarios de economía y del servicio secreto de la República Democrática Alemana. Este camino le hará volver a la oscura historia de su familia y a la misteriosa muerte de su padre, en la época de la RDA. Este thriller muestra lo fácil que pueden ser manipulados o incluso corrompidos los seres humanos dentro de un mismo sistema.

Jueves 20 de junio: el festival concluye con Almanya-Bienvenido a Alemania (Almanya-Willkommen in Deutschland, 2010), de Yasemin Samdereli. Hüseyin Yilmaz abandonó Turquía en 1964 y marchó a Alemania. Después trajo a su esposa e hijos. Ahora su nieta relata con cariño y humor la historia de la familia, mientras que todo el clan viaja hacia su tierra de origen, donde pasarán las vacaciones. Cada uno de ellos deberá preguntarse cuál es su patria en realidad.

Sábado 22 de junio: a las 10:30 am comenzará la proyección que servirá al cineforo con Tres, con la participación de José Pisano, jefe de Programación de Trasnocho Cultural, el psicólogo Roberto de Vries y Nikolai Petersen, director del Instituto Goethe de Venezuela.

]]> http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/13/festival-de-cine-aleman-la-nueva-generacion-germana-por-alfonso-molina/feed/ 0 Alfonso Molina Drei Festival de Cine Alemán 2013 http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/11/sobre-un-articulo-de-giorgio-agamben-otra-europa-por-javier-cercas/ http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/11/sobre-un-articulo-de-giorgio-agamben-otra-europa-por-javier-cercas/#comments Tue, 11 Jun 2013 16:09:38 +0000 Alfonso Molina http://ideasdebabel.wordpress.com/?p=28429 Sigue leyendo →]]> Es un hecho: de un tiempo a esta parte, el euroescepticismo corroe Europa. En Gran Bretaña, Cameron promete para 2017 un referéndum sobre la pertenencia del país a la UE; en Italia, Grillo propone salir del euro; en Francia, Le Pen pide también un referéndum para abandonar el euro y la UE; incluso países como el nuestro, hasta hace poco rocosamente europeístas, notan que la fe en las bondades de una Europa unida empieza a agrietarse. Puede discutirse si esta desafección general atañe a la idea de una Europa unida o sólo a la forma en que Europa se está uniendo, pero no que el fenómeno existe, y que crece. Es extraordinario: hace poco más de diez años, cuando estrenábamos el euro y la crisis económica ni siquiera se atisbaba, era una verdad casi indiscutida que la UE iba a ser el gran poder del siglo XXI, y todo el mundo estaba deseando pertenecer a ella; ahora ocurre lo contrario. La crisis económica amenaza con liquidar la mejor idea política que hemos tenido los europeos en nuestra historia. Es verdad que esta crisis no es económica (o no sólo), sino sobre todo política, y también es verdad que no es en origen una crisis europea. Da igual: lo relevante es que cada vez más europeos hacen responsable a Europa de la mala situación; en cierto modo es lógico: nada alivia tanto de momento como atribuir a otro las culpas de las propias desgracias y, del mismo modo que los catalanes hemos descubierto que es estupendo culpar a España de todo lo malo (porque así no tenemos que responsabilizarnos de ello), los europeos estamos descubriendo que es estupendo hacer lo mismo con la Europa unida.

A la vista de este panorama, algunas buenas cabezas están intentando urdir alternativas a la actual UE; el último en hacerlo (o el penúltimo) ha sido Giorgio Agamben. En un artículo publicado en La Repubblica, Agamben lamentaba que la actual UE se haya formado ignorando los parentescos culturales, sobre una base sólo económica; según él, esta opción estaría mostrando ahora toda su fragilidad, en especial desde el punto de vista económico: la pretendida unidad se habría reducido a acentuar las diferencias, imponiendo a una mayoría más pobre los intereses de una minoría más rica, a menudo coincidentes con los de una única nación (Alemania). Agamben busca una alternativa a este supuesto error en una idea acuñada en 1947 por Alexander Kojève: la idea de una unión latina, una comunidad encabezada por Francia que uniera política y económicamente a las tres grandes naciones latinas (Francia, Italia y España), emparentadas por formas de vida, de cultura y de religión.
Escribe Agamben: “No sólo no tiene sentido pretender que un griego o un italiano vivan como un alemán, sino que, incluso si eso fuese posible, significaría la pérdida de un patrimonio cultural hecho sobre todo de formas de vida”.

El diagnóstico de Agamben me parece en parte acertado; su remedio, equivocado del todo. Es verdad que Alemania está imponiendo una Europa acorde sólo con sus intereses y finalmente injusta. Pero, por un lado, no veo qué arreglamos creando una Europa pobre unida por Francia y una Europa rica unida por Alemania, sobre todo teniendo en cuenta que los grandes males recientes de Europa han surgido del enfrentamiento entre Francia y Alemania. Por otro lado, es absurdo pensar que la pobre y frágil Europa latina podría defenderse de la voracidad irracional de los mercados y proteger así su democracia, cuando en realidad tampoco podría hacerlo la rica y fuerte Europa germana (igual que es absurdo pensar que ninguna de las dos pudiera por sí sola luchar contra China o India e impedir, por tanto, que Europa quede reducida a la irrelevancia). Por lo demás, ¿no podrían los vascos o los lombardos, en esa hipotética Europa latina, decir que no tiene sentido obligarles a vivir como españoles o italianos y a perder su patrimonio cultural? ¿No debería ser precisamente una de las mayores fortalezas de una Europa unida el logro de la unidad política y económica sin pérdida de diversidad cultural, sin que nadie obligue a nadie a llevar una forma de vida que no quiere llevar? ¿No asoma la pezuña en el argumento de Agamben el principal enemigo histórico de Europa, que es el nacionalismo? ¿No es en el fondo la nueva Europa de Agamben la vieja Europa de siempre? Ustedes dirán.

Javier Cercas.

El País
Junio 09, 2013
http://elpais.com/elpais/2013/06/06/eps/1370518714_576069.html

Pero igual, algunos —no muchos— irán a oírlo. ¿Por qué lo harán? Lo harán por distintos motivos. Unos querrán evaluar la situación y perspectivas de la deuda externa venezolana. ¿Habrá nueva emisión de papeles? ¿Alguna oportunidad de negocios allí? ¿Cuán cerca está el país de una suspensión de pagos para deshacerse de esos papeles ya? Ministro, ¿nos puede decir cuáles son los planes de financiamiento internacional de corto y mediano plazo de su país?

Otros asistentes querrán ver cuáles son las posibilidades de sacar del país los dividendos que sus empresas mantienen represados por el control de cambio y que han sido calculados hasta en ocho millardos de dólares. Ministro, ¿cuándo podremos repatriar nuestros dividendos? Entre los asistentes habrá los que buscan  juzgar la verdadera situación y perspectivas de la producción petrolera para medir su impacto en las finanzas del país y en los mercados internacionales del crudo. Los precios del petróleo le interesan a todo el mundo. Querrán preguntarle al ministro sobre las enormes discrepancias entre las cifras de producción que ofrecen agencias internacionales y las de PDVSA. Querrán saber  más sobre el deplorable estado de la empresa estatal, su acelerado endeudamiento. Ministro, ¿Cuánto es que realmente está produciendo la empresa estatal? Harán acto de presencia los que buscan calcular cuánto le queda de vida al régimen para estimar a su vez  las posibilidades de sobrevivencia de las filiales que operan en Venezuela. ¿Durará ese régimen un año? ¿Llegará a la mitad del periodo? ¿Sobrevivirá los seis años del mandato?

Como siempre, estarán los que quieren saber si hay alguna oportunidad de un negocito rápido, relancino, sobre todo ahora, con tanto desabastecimiento y escasez imperando en el país. Esos le entregarán su tarjetica de negocios al ministro y en medio de un apretón de manos, le dirán que están dispuestos a ayudar al régimen, trayendo hasta papel sanitario de la India, si hace falta.  No faltará por allí algún académico buscando saber si en el horizonte se asoma algún viraje serio en el modelo económico para escribir un nuevo papel sobre el estado del estatismo en América Latina.

El ministro Merentes, quien es un hombre inteligente, sabe lo que le espera, si termina por hacer el viaje que anunció. Sabe que va a pasar pena. El único cuento que lleva es el de los esfuerzos por agilizar la entrega de divisas; pero ese es el mismo cuento de siempre; el de los “esfuerzos”, el del SICAD (¡ups!). Peor aún; si llegan a creerle que está logrando agilizar el otorgamiento de divisas, asumirán entonces que está agilizando el desastre, puesto que se sabe que muchas de esas divisas van a empresas de maletín. Ese es el drama de Merentes; que no le creerán y que si le creen es peor. Yo que él, me quedaría en casa, conversando con Maduro quien posiblemente no le pregunte ni entiende mucho; y  mandaría de viaje a Giordani, quien frente a cualquier pregunta difícil, se puede hacer el loco, cosa en la que es experto.

(…) pero mientras se comprueba la verdad de lo que dicen

 uno corre el riesgo de ver señales donde las señales no existen,

y de creer que todo pájaro habla cuando canta.

William Ospina El país de la canela

Los ojos no pueden cerrarse ante el horror.

Francisco de Goya Los caprichos

Él está vestido con una malla de baile negra que tiene un gran hueco en la nalga y otro en el muslo, lleva el torso desnudo, los pies descalzos. No tiene, seguro, más de veinte años. Acuclillado, husmea entre los desperdicios y encuentra una botella con algo de agua, la bebe ansioso y vuelve a sumergirse en la bolsa de basura en donde alcanzo a ver unos huesos de pollo. Adivinando el próximo movimiento, completamente incapaz de soportar lo que imagino, desvío la mirada. A su lado, en una de las calles más agitadas de La Candelaria, tan cerca de algunos de los centros de poder, la gente va y viene, nadie lo mira o nadie lo ve.

Compro un vaso de chicha y una empanada, me le acerco. Ahora tiene la cabeza dentro de la bolsa, lo llamo, le tiendo la comida, levanta unos ojos en donde no habita nadie. No hay ya ningún rastro de humanidad en esa mirada, solo hay un vacío inmenso, desolador, el de una mirada que pasa a través mío, vaya a saber hacia qué dimensión. Agarra lo que le doy y lo apoya en el brocal de la acera más interesado en la bolsa y en sus desperdicios. A pocos metros, en la iglesia de Nuestra Señora de la Candelaria, los restos de José Gregorio Hernández, el Santo Doctor, el Siervo de Dios, consuelan a los que no tienen adónde acudir en este país en el que, para muchos, los males se curan así, a fuerza de fe, que es el único medicamento que no cuesta nada.

Mi recorrido por esa Corte de los Milagros* en la que se ha convertido la zona de La Candelaria y sus adyacencias me hace preguntarme con qué ojos miro, con qué mirada taso lo que veo y por qué todo se me antoja sucio, fétido, infrahumano, y vuelve a asediarme, como un ritornelo demente, la misma pregunta: ¿qué cosa somos los seres humanos? A mi lado pasa la gente y esquiva un cuerpo que duerme en un portal, piernas y boca abierta, la mano desmayada sobre el sexo. Un perro resguarda su sueño, atento a quienes pasamos por su lado, ¡ah, quién fuera perro, simple, irracional!; caminamos esquivando montañas de basura, vómitos, ratas desventradas. Desde los miles de afiches padre e hijo sonríen, prometen la mayor suma de felicidad posible. “De tus manos brota lluvia de vida”, reza un cartel. Ojalá, pienso, una lluvia diluviana, apocalíptica que mientras se comprueba la verdad de lo que dicen pase limpiando las calles de esta pobre ciudad. ¿De qué lado querrá usted vivir cuando el Muro de Caracas termine de hacerse visible?

Miro los rostros de la gente para averiguar si ven lo mismo que yo, si está la mirada dilatada por el asombro, incapaz de cerrarse ante el horror. Pero no. El asombro ha desaparecido y ya nada sorprende. Mientras sigo mi descenso por los infiernos, le digo a esta ciudad: dame una cosa, una sola cosa sobre la que sea posible posar la mirada y reivindicarme como ser humano. Levanto la vista y veo crecer, en las grietas de un edificio pustuloso, un helecho. Y la Corte de los Milagros vuelve a engullirme y me regresa a mi mirada deformada, y pienso: tengo distorsionada la percepción, adolezco, pues, de dispercepción.

Para poder continuar hacia donde voy trato de imaginar cómo era esta ciudad antes… porque alguna vez tiene que haber sido armónica, hermosa, en un pasado quizá no tan remoto. Y entonces vienen a mi memoria aquellos versos de Jorge Manrique de todo tiempo pasado fue mejor. Y recién ahora, tanto tiempo después de haberlos fijado en la memoria, comprendo por qué, para la perdida inocencia, todo tiempo pasado fue mejor. No, ningún tiempo pasado fue mejor. En todos se han cometido las mismas tropelías, en todos, desde el mismísimo principio, estaba presente esta condición humana capaz de hacernos descubrir la penicilina o de llegar a la luna y, al mismo tiempo, seguir golpeando con el hueso cainesco los cuellos fraternos. No es, pues, el ayer lo que se añora, sino la pérdida de la inocencia, ese tiempo cándido en el que se creyó que hubo otro tiempo anterior que fue mejor. El ayer era igual de convulso y malformado que el hoy, solo que en ese ayer, en cualquier ayer de cualquier persona, estaba, hasta su posterior pérdida definitiva, la inocencia. La inocencia es el paraíso. Y la pérdida de la inocencia es la pérdida del paraíso, y es eso, tal como lo expresó Manrique, lo que recordamos con dolor. La pérdida de la inocencia es también la pérdida del asombro: ya estamos más allá de lo inverosímil, ni siquiera nos sorprende que cualquier pájaro hable cuando canta.

*La Corte de los Milagros era una zona del París medieval habitada por mendigos, ladrones y prostitutas. Se encontraba en el barrio del mercado de Les Halles. Recibió este nombre porque sus habitantes, por el día, pedían limosna fingiéndose ciegos o discapacitados pero de noche, ya en la Corte, recuperaban milagrosamente la salud. (Wikipedia)

Hola amigos en Venezuela y el mundo. Bienvenidos a Ideas de Babel.

En esta edición Gerver Torres se refiere a El Silbón, una leyenda rural que ilustra la situación del audio hecho público. Trino Márquez fustiga al gobierno por la zancadilla a Globovisión y por la nueva tarjeta electrónica de racionamiento que acorrala a los zulianos. Carlos Rasquin propone una ética del petróleo para enfrentar los problemas del país. Desde España Juanm 1905 envía su opinión sobre The Thieves, el impacto mayor del cine coreano. José Artelo rinde homenaje póstumo al herpetólogo español José Ayarzagüena Sanz que investigó la vida de las babas y los cocodrilos en Venezuela. Jorge Lazo analiza la vieja obsesión de cierta izquierda con el fascismo. Y Héctor Silva Michelena comparte su fascinación por La vida de Adele, la reciente ganadora de la Palma de Oro en Cannes.

De la red bajamos el artículo de Santiago Rodríguez Tarditti sobre Massimo Bottura, el hombre de Módena, chef de la Osteria Francescana, con tres estrellas Michelin, a quien recordamos cuando estuvo en Caracas en el Festival Gourmet Internacional de 2011. Por su parte, Juan Luis Cavaro escribe sobre Los Miserables, la discutida adaptación de la obra de Víctor Hugo sobre la base del musical de Broadway que hizo el inglés Tom Hooper, el mismo de El discurso del Rey. El gran Fernando Savater se refiere a la ética en el mundo actual en un artículo no desprovisto de humor. De la página de Eloi Yague http://ciudaddelostechosrojos.blogspot.com extraemos un texto singular y un video muy expresivo titulado UCV, mi amor. Y Jorge Edwards se emociona con el recuerdo de Hannah Arendt, gracias al reciente film de Magarethe von Trotta.

Yo escribo sobre Un enemigo del pueblo, sólida adaptación del clásico de Henrik Ibsen realizado por el Grupo Teatral Emergente de Caracas, la novena edición del Festival del Cine Venezolano, que este año reúne dieciséis largometrajes en competencia, y la sugestiva novela negra El requetemuerto, de José Pulido, que presenta un fascinante personaje femenino.

Espero que la disfruten.

Alfonso Molina

En una ciudad cuyo balneario constituye su mayor fortaleza económica, el doctor Thomas Stockmann experimenta su primer descubrimiento: las aguas están contaminadas y amenazan la salud de sus ciudadanos y de los turistas. Como hombre de principios, advierte del peligro al alcalde —su propio hermano Pedro— y otras personalidades, incluido el editor de La Voz del Pueblo, diario local. A Stockmann le preocupa el bien común: la salud de la población. A las autoridades políticas y sociales también les preocupa el bien común: mantener el bienestar económico que representan los turistas que acudirán al balneario en verano. El médico parte de una verdad comprobada. Los representantes del poder sostienen una necesidad colectiva. Tal es el punto de partida de un debate que involucra la verdad, la libertad, el individuo, el poder y las masas. En la adaptación que hicieron Sebastián Torres y Jesús Delgado —con dirección de este último— se desnudan los intereses del poder y se replantean los mecanismos del ejercicio democrático. Este montaje fue concebido para mantener encendida la polémica sobre ciertos paradigmas institucionales severamente cuestionados a la luz de la historia.

A finales del siglo XIX Europa asistía al debate entre las ideas del socialismo y del liberalismo, entre el colectivismo y la iniciativa individual, entre la permanente presencia del Estado y la independencia de las libertades ciudadanas. En ese marco se desarrolla Un enemigo del pueblo, tanto en su texto original como en la  adaptación que llevaron adelante Torres y Delgado. La trama define rápidamente dos bandos desequilibrados. El doctor Stockmann contra el resto de los poderes de la ciudad. Un individuo frente a la red de relaciones tejida entre autoridades políticas, intereses económicos y medios de comunicación. El respetable médico de la ciudad —buen ciudadano, buen esposo, buen padre— deviene en un enemigo del pueblo.

La puesta en escena de Delgado sintetiza los planteamientos de Ibsen y perfila la personalidad del doctor Stockmann de manera medular. No pretende sorprender al espectador con el desarrollo de la trama e inicia la función con el desenlace de la obra. Coloca a su personaje en el trance de una condena popular. Ya sabemos su resolución y ahora queremos conocer el proceso que dio tales resultados. El hombre que desencadena una situación de crisis por su postura honesta, el científico que se debe a la verdad comprobada, el ciudadano y padre de familia que cuida la salud de su comunidad se transforma en un solitario, un héroe maldito, un arador en el desierto. Su integridad conforma un referente ético que coloca al espectador en un dilema que se resuelve en pocos minutos.

Por una parte, Thomas Stockmann representa el valor de la libertad y la conciencia de un individuo frente a las conveniencias económicas y las necesidades políticas de los conductores de una sociedad determinada. Por la otra, su hermano Pedro Stockmann, frío y calculador alcalde, Hovstad, oportunista director de La Voz del Pueblo, y Aslaksen, acomodaticio empresario y propulsor de la “moderación”, simbolizan, por antonomasia, la mentira irresponsable y la manipulación de las masas. A estas alturas de la representación, al finalizar la escena de la asamblea popular donde es declarado un enemigo del pueblo, el doctor Stockmann realiza un nuevo hallazgo: la mayoría no tiene la razón. Entonces, ¿quién la tiene? ¿La minoría? ¿Cuál?

Este planteamiento estimula una discusión tanto en el plano teórico como en el histórico porque más que un asunto de cantidades —mayoría sobre minoría— significa un tema de calidades. El problema no reside en las instituciones —una alcaldía, un medio de comunicación, una organización empresarial— sino en quienes las conducen. Hay buenos y malos alcaldes como hay buenos y malos periodistas o buenos y malos ciudadanos. Se trata del dilema humano más que de las formas institucionales de la democracia. Nuestro país, sin ir muy lejos, ha vivido de manera muy expresiva ese dilema.

El tercer gran descubrimiento del doctor Stockmann se manifiesta cuando reconoce que el hombre más poderoso del mundo es aquel que está solo. La lucha del individuo frente a la masificación.

Hay dos elementos de producción que sobresalen en la puesta en escena: el vestuario de Joaquín Nandez y el maquillaje de Daniel García, factores que acentúan de manera especial el dramatismo de los personajes. Trabajan una oscuridad íntima y personal, poco apegados al realismo y más vinculados con el expresionismo y convierte a ese puñado de seres humanos en pugna en representaciones casi fantasmagóricas. A la proyección de esas atmósferas que se desplazan desde el hogar familiar a la persecución callejera, de la asamblea ciudadana a la soledad del acosado, contribuyen la música original de Nacho Huett, la iluminación de Gerónimo Reyes, la escenografía Elvis Chaveinte y la coreografía de Adriana Urdaneta y Jacques Broquet. Valores estéticos que se articulan eficientemente.

Una pieza como Un enemigo del pueblo exige un trabajo actoral completo e integrador. Antonio Delli descuella como Thomas Stockman, en una interpretación que atrapa la atención del espectador desde el principio. Sobre su trabajo recae el sostenimiento de la representación, con el respaldo interpretativo de Wilfredo Cisneros, Claudia Nieto, Jesús Hernández, Lidsay Castro, Jorge Dackar, y Carlos Clemares. Elenco compacto, sin fisuras, eficaz.

Creo que el Grupo Teatral Emergente de Caracas ha atinado nuevamente al montar una pieza clásica como Un enemigo del pueblo. Aún recuerdo su excelente montaje de Escándalos personales, sobre textos de Anton Chéjov. La verdad es que lo mejor de las cartelera se halla en salas alternativas, como la Cabrujas de Cultura Chacao.

UN ENEMIGO DEL PUEBLO (“En folkefiende”), de Henrik Ibsen. Grupo Teatral Emergente de Caracas. Dirección: Jesús Delgado. Adaptación y producción: Jesús Delgado y Sebastián Torres. Vestuario: Joaquín Nandez. Música original: Nacho Huett. Coreografías: Adriana Urdaneta y Jacques Broquet. Diseño de escenografía: Elvis Chaveinte. Iluminación: Gerónimo Reyes. Diseño de maquillaje de Daniel García. Elenco: Antonio Delli, Wilfredo Cisneros, Claudia Nieto, Jesús Hernández, Lidsay Castro, Jorge Dackar, Carlos Clemares, Mayra Dávila, María E Cedeño, Yeisi Guerra, Hernan Iturbe, Marcos Chocrón y Víctor Gimenez. Sala Cabrujas de Cultura Chacao, avenida Francisco de Miranda con 3a avenida de los Palos Grandes, C.C. El Parque, Nivel C-1. Viernes y sábados a las 8:00 p.m. y los domingos a las 6:00 p.m.

El realizador franco-tunecino Abdellatif Keniche conmovió a jurado y público en Cannes con el hallazgo del amor y la sexualidad entre Adèle Exarchopoulos y Léa Seydou en “La vida de Adèle”.

Hace más de 2.600 años, nacía en Mitilene, Lesbos, la mítica poetisa griega Safo, que, en uno de sus fragmentos, dice: “Pero pienso que aún me recordará…”.

A fines de mayo el director francotunecino Abdellatif Keniche ganó la Palma de Oro en Cannes con el film La vie d’Adèle, que narra el idilio entre lesbianas. El presidente del jurado, Steven Spielberg, dijo: “La cinta es una gran historia de amor que hizo a todos sentirnos privilegiados…”. Y Keniche explicó: “La cinta tuvo a una bella joven francesa que descubrí durante el largo tiempo de rodaje. Me enseñó bastante sobre el espíritu de libertad”.

Las dos jóvenes francesas, Adèle Exarchopoulos y Léa Seydou, fueron dos vívidas y excelentes intérpretes de escenas sexuales explícitas y prolongadas, afirma la crítica.

Pienso en la “casa de las servidoras de las Musas”, escenario donde Safo instruía a sus amigas en poesía y sexo, donde el deseo y la religión se confunden en una búsqueda: la belleza. Las críticas y los trailers consultados no son equívocos: en Cannes se instaló una nueva manera de mostrar el sexo y las relaciones que rigen la vida. Como en Lesbos en el siglo VII a. C., cuando los poetas ponían la poesía al servicio de sus emociones, sentimientos y deseos.

La película está concebida como el retrato de la vida de Adèle (Exarchopoulos), adolescente de 15 años de edad que estudia en la secundaria y que empieza a salir con muchachos. Así entabla una relación con Thomas ( Jeremy Laheurte), chico sensible con el que descubre el sexo.

Pero Adèle se inquieta porque siente que algo falta. Y esa inquietud genera una búsqueda en ella, que a los 17 años la llevará a cruzar el camino de Emma (Léa Seydoux), joven de pelo azul que ya cursa estudios superiores de Bellas Artes y que tiene muy asumido que le gustan las mujeres.

Adèle entabla su primer diálogo con Emma en un bar gay, se ríen, coquetean; otro día se juntan en una plaza y hablan de Sartre y de Bob Marley, y en otra jornada participan de una gran marcha por una mejor educación; cuando las compañeras de curso la molestan la llaman lesbiana, Adèle se enfurece y busca refugio en la madura protección de Emma; cuando pasa el tiempo, la relación se consolida y las dos jóvenes se van a vivir juntas.

Es ahí cuando, en este flujo de extrema sensación de realidad, llega la escena de sexo lésbico que puso incómodo a más de uno en las funciones en Cannes, dijo la crítica.

Se trata de una escena de por lo menos cinco minutos, en que no hay pudores ni nada que cubra los cuerpos, y en que los primeros planos exponen toda la intensidad del placentero descubrimiento físico y sexual que experimenta Adèle.

Las dos actrices están lanzadas a vivir este encuentro con todos sus sentidos al máximo, y el resultado es de una potencia y un erotismo rara vez vistos en el cine.

Muchas veces, sobre todo en el cine de consumo industrial, el sexo está puesto como por obligación, filmado de manera rutinaria y presentado de forma predecible. En La vida de Adèle, la expresión de la sexualidad es un torbellino imparable sin el cual toda la película perdería parte de su sentido. La fuerza con que ambas protagonistas viven ese instante es, como en la vida misma, fundamental para entender todo lo que van a vivir después, para dar cuenta de verdad de lo que será la evolución de los sentimientos de ambas. El sexo expuesto así, de forma directa y sin zonas prohibidas, es también la mejor manera de humanizarlo. Y gran parte de la potencia de La vida de Adèle reside en hacernos sentir que esta historia de amores, ilusiones, desengaños y quebrantos la hemos vivido, de una manera u otra, cada uno de nosotros.

Luego de leer comentarios y ver fotos y varios trailers de La vie d’Adèle mi imaginación voló a mi biblioteca en busca de los Poemas y fragmentos de Safo, y leí: “Igual que al Jacinto en el monte los hombres pastores/ lo pisan dejando en el suelo sangrienta la flor”. Adéle y Léa, musas de Safo.

Héctor Silva Michelena

http://hesimiorvana.blogspot.com/

]]> http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/06/la-vida-de-adele-una-palma-de-oro-en-lesbos-por-hector-silva-michelena/feed/ 0 Alfonso Molina La vida de Adele Héctor Silva Michelena 1 http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/06/ucv-mi-amor-la-universidad-lacerada-por-eloi-yague/ http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/06/ucv-mi-amor-la-universidad-lacerada-por-eloi-yague/#comments Thu, 06 Jun 2013 23:34:42 +0000 Alfonso Molina http://ideasdebabel.wordpress.com/?p=28279 Sigue leyendo →]]>

I

En 1956, Alain Resnais, un joven director de cine francés, hizo un documental sobre el exterminio de los judíos con material del propio ejército nazi. Se llamaba Noche y niebla. Un par de años después andaba en Japón buscando material para otro documental, esta vez sobre la caída de la bomba atómica en Hiroshima. Resnais no estaba muy seguro de qué hacer con el material, acaso las imágenes eran demasiado fuertes. Entonces se le ocurrió contactar a la escritora Marguerite Duras, quien escribió el guión. Era una historia de ficción, la historia de una cineasta francesa que va a Japón a hacer un documental sobre el mismo tema y allí tiene una relación con un japonés. Las imágenes de los amantes entrelazados dicen sobre la tragedia de Hiroshima y Nagasaki acaso más que las imágenes directas de la destrucción. En todo caso plantean una mirada diversa, creativa, sobre un acontecimiento histórico. Tal vez por esas razones ganó la Palma de Oro como mejor film en el Festival de Cannes en 1959 y el Oscar al mejor guión en 1961.

II

En 1825 regresa a Venezuela el médico cirujano y científico José María Vargas, tras haber permanecido exiliado en Puerto Rico donde desarrolló una importante labor profesional y científica. Desde su llegada se dedicó de inmediato al ejercicio de su profesión, incorporándose además a la Universidad Real y Pontificia de Caracas como profesor de Anatomía. En 1827 fue reorganizada dicha universidad por el Libertador, cambiándosele el nombre a Universidad Central de Venezuela, y aboliendo los criterios de exclusión que impedían ingresar a la casa de estudios a mestizos y a pobres. Vargas fue electo el primer rector, de acuerdo con los nuevos estatutos republicanos y convierte a la UCV en la primera universidad del país, condición que hasta hoy ostenta, a pesar de todo. La Universidad se muda desde el seminario Santa Rosa hasta San Francisco.

Posteriormente, Guzmán Blanco le quitará a la UCV los bienes que le había legado el Libertador para su sustento, como la hacienda de cacao de Chuao. Desde entonces la universidad pasará a depender totalmente del presupuesto que le otorgue el Estado.

III

En 1928, los estudiantes universitarios están a la vanguardia de la lucha contra la dictadura de Gómez. Muchos de ellos pagan con cárcel tal osadía.

En 1955 se inaugura la Ciudad Universitaria, diseñada por Carlos Raúl Villanueva, la cual es elevada a la categoría de Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco en 2000. En los años sesenta, la UCV es refugio de guerrilleros y desde ella se expande el Movimiento de Renovación Universitaria. Caldera la allana y la cierra por dos años. Pasa el tiempo y se profundiza su crisis. Hoy en día la UCV subsiste a duras penas. Muchos, que deberían apoyarla, abusan de ella, la prostituyen. Es como si le pegaran a su madre después de robarla. Abusa de la UCV el profesor o empleado que no cumple su horario de trabajo. Abusa de la UCV el vigilante que cobra por dejar pasar un carro. Abusan de la UCV los que organizan la venta de cupos. Abusan de la UCV quienes la usan como mercado para el narcotráfico. Abusan de la UCV los motorizados que ruedan por sus aceras sin importarles a quién se llevan por el medio. Abusa de la UCV quien llega en una costosa camioneta a usar gratis las canchas de tenis. Abusa de la UCV el estudiante que carga su teléfono celular sin preguntarse quien paga la factura eléctrica. Abusan de la UCV quienes se dedican al robo de automóviles en sus estacionamientos. Abusa de la UCV el estudiante que hace la cola para comer gratis cargando en sus manos una botella de refresco que cuesta Bs 12. Abusan de la UCV los comerciantes y buhoneros que se instalan allí sin pagar patente. Abusa de la UCV la patinetera que rueda su skateboard sin importarle los avisos de prohibición porque las ruedas dañan los mosaicos. Abusa de la UCV el militante político que pega pancartas o que pinta las paredes, incluso las obras de arte, sin importarle que formen parte del Patrimonio Cultural de la Humanidad. Abusan de la UCV quienes lanzan bombas lacrimógenas para sabotear las protestas y queman garitas de vigilancia. El Alma Mater da y da, ¿y qué recibe a cambio?

IV

Hace pocos días varios estudiantes de Arte –Estrella Gomes, Lena Pagliarani, Andrew Ramírez e Israel Rojas– colgaron en Youtube un video. Se llama UCV, mi amor y es un trabajo que excede en mucho los requisitos académicos. Allí, entre las imágenes y el audio del film de Resnais, se cuelan, sin alterar la estética original, imágenes de la UCV, la que conocemos, la de todos los días, la sufrida, la que nos duele, la que quijotescamente defendemos a pesar de los míseros salarios y de la destrucción a que ha sido sometida. Es una obra de una rara belleza. Con pocas palabras y en blanco y negro, en apenas 6 minutos y 16 segundos, unos jóvenes nos susurran en los ojos y en los oídos imágenes y palabras que apuestan al futuro. En días en que nos movilizamos para que los salarios sean dignos de la importancia de la casa que fundó Bolívar como Institución Republicana, este documental viene a ser como un alivio a tanta frustración, decepción e impotencia. Ojalá lo vea el ministro Pedro Calzadilla, historiador egresado de la UCV, ojalá trabaje su ánimo y se acuerde de cuando era un docente comprometido con su cátedra y promotor de publicaciones desde el Fondo Editorial Tropykos. Porque UCV, mi amor, como Hiroshima mon amour, es un canto a la paz, a la memoria y contra el olvido. Y el ministro Calzadilla quiere que la UCV ayude a promover una cultura de paz. Pero primero hay que darle lo que se merece como institución. Y no sólo se trata de sueldos dignos. Ojalá se acuerde de las palabras del maestro Prieto Figueroa: para aspirar a ser un país de primera necesitamos una educación superior de primera. Ojalá. UCV, mi amor. “No has visto nada en Hiroshima. Nada”. “Lo he visto todo en Hiroshima. Todo. El hospital lo he visto. Estoy segura…”

* http://ciudaddelostechosrojos.blogspot.com/2013/05/ucv-mi-amor-normal-0-21-false-false.html

Karina Gómez presentó formalmente el más importante de los festivales de cine en nuestro país.

Como todos los años por estas fechas, Karina Gómez anunció la programación del Festival del Cine Venezolano, que todo el mundo conoce como el Festival de Mérida y que en este año arriba a su novena edición ininterrumpida. Una ardua tarea que se ha convertido en una referencia cinematográfica y cultural en el país. Sobre los hombros de su directora general recae principalmente el desafío de organizar y desarrollar este encuentro del largometraje nacional de ficción como una de las tareas de la Fundación para el Desarrollo de las Artes y la Cultura, institución que preside y que desde Mérida impulsa también el Festival Binancional de Cine Colombia Venezuela y el Maratón Cine Átomo, que acaban de realizarse. Pero ahora viene el plato fuerte. Karina informó oficialmente que dieciséis películas en competencia, cinco  miembros del jurado, dos estrenos fuera de concurso, cinco homenajes, una muestra paralela, catorce talleres técnicos, una muestra de cine estudiantil, cine en espacios abiertos y distintas actividades especiales conforman el menú que veremos del 16 al 20 de junio. Vamos a revisarlos uno a uno.

Sección oficial.

De las dieciséis películas en competencia ocho son estrenos: Azu, de Luis Alberto Lamata, Complot , de Jackson Gutiérrez, Corpus Christi, de César Bolívar,   Diario de Bucaramanga, de Carlos Fung, País de Abril, de Robert Calzadilla, Pipí, mil 2 Lucas, de Fernando y Enrique Bencomo, La Casa del Fin de los Tiempos,  de Alejandro Hidalgo, y Todo por la taquilla, de Héctor Puche. Como se aprecia hay una marcada presencia de nuevos realizadores.

Además, concursan ocho largos ya estrenados: Azotes de Barrio, la película, de Jackson Gutiérrez y Carlos Malavé, Azul y no tan rosa, de Miguel Ferrari, Cuidado con lo que sueñas, de Geyka Urdaneta, Er Conde Bond 007 y pico,  de Benjamín Rausseo, La ley, de Pablo de la Barra, Nena, saludame al Diego, de Andrea Herrera Catalá, Piedra, papel y tijera, de Hernán Jabes,  y ¡Qué Detectives!, de Carlos Malavé.

Jurado.

Este año los largos venezolanos serán evaluados por un jurado donde tendrán fuerte presencia los mexicanos Damián Alcázar, reconocido actor de El crimen del padre Amaro y La ley de Herodes, Felipe Pérez Santiago, compositor de las partituras de múltiples obras cinematográficas, Gerardo Salcedo, director de programación del muy prestigioso Festival Internacional de Cine de Guadalajara, y Valetina Parada, integrante de Ondamax Films, empresa de producción y distribución internacional con sedes en Miami, Los Ángeles, Milán y Sao Paulo.

Por Venezuela participarán el realizador Alberto Arvelo, quien acaba de concluir Libertador, y la documentalista Belén Orsini, quien mostrará en el festival su más reciente trabajo Verde salvaje.

Homenajes.

Son cinco, de los cuales dos están destinados a reconocer los inmensos aportes a la cultura venezolana de María Teresa Castillo y Simón Alberto Consalvi, quienes fallecieron hace menos de un año. Dos figuras esenciales.

Los otros reconocidos serán Tarik Souki Farías, fundador del Departamento de Cine de la Universidad de Los Andes, don Armando Gota, gran actor de muchas películas nacionales y con una larga trayectoria como director teatral.

De igual forma se homenajeará al Festival de Cortometrajes Manuel Trujillo Durán, por su constancia en el apoyo y difusión a películas de corta duración.

Fuera de concurso, Work in Progress y muestra paralela.

Habrá un estreno que no competirá por decisión expresa de su autor: El regreso, de Patricia Ortega.

En la sección Work in Progress, habitual en otros festivales del mundo y destinada a buscar aliados a filmes no concluidos, se mostrará en privado Secreto de confesión, de Henry Rivero.

Mientras tanto se exhibirán los documentales Tiempos de dictadura, de Carlos Oteyza, El laberinto de lo posible, de Wanadi Siso, Verde salvaje, de Belén Orsini y Cecilia Bergman Chaves, una buena vida de Alfredo Anzola.

Talleres técnicos.

Son catorce y abordan distintas área de la concepción, creación, producción y comercialización de películas de largometrajes:

Dirección de Actores: intérpretes y directores de los largometrajes en competencia conversarán con los asistentes acerca de cómo fue la construcción de los personajes durante el proceso de preproducción y rodaje de cada uno de las películas.

La Experiencia del Montaje en el Cine Venezolano: En esta conferencia, el editor Jonathan Pellicer nos hablará sobre su experiencia personal en el terreno de la edición y el montaje en el cine nacional. Jonathan ha sido el encargado de la postproducción de películas como Venezuela Petroleum Company, Taita Boves, La ley, Azú, Caracas en moto, entre otras. 

La Fábrica del Guión: varios escritores de nuestro país comparten sus anécdotas, estilos, hábitos e ideas del interesante mundo de la escritura cinematográfica. Con una propuesta dinámica, dialogarán con los asistentes sobre las formas más efectivas de realizar y vender un guión cinematográfico, al igual que hablarán sobre sus experiencias en el área.

Modelos de Producción: grandes profesionales de nuestro país nos hablan de su trabajo, de pre-producción y post de un rodaje cinematográfico y el gran reto de hacer realidad cada idea de los directores, hasta verlas plasmadas en la gran pantalla.

Expandiendo Horizontes con Chroma en Post: sobre la importancia de chromas y mates en una producción audiovisual para no tener que limitarse a lo que está a tu alcance sino limitarse a la imaginación. Mostrando ejemplos reales, demostraciones y datos útiles e inútiles sobre chroma y cómo prepararlo para su uso.

El Maquillaje en el Audiovisual: la caracterización y los efectos especiales de una producción a partir del diseño de personajes, establecido por la dirección de arte y fotografía. El maquillaje, la luz y la verosimilitud en cámara. Materiales y su pertinencia en el set. Fabricación de materiales biodegradables. Sangre liquida y coagulada. Crepes para barbas nacientes, calotas. Maquillando emociones con el efecto especial.Iluminación y maquillaje

El Cine Venezolano en la Era Digital: Bolivar Films, piedra angular del cine venezolano, comparte sus conocimientos y experiencias en la postproducción cinematográfica en la era digital.

Conferencia Magistral de Actuación: Armando Gota Brao, actor y director teatral de origen español, intérprete de muchas películas venezolanas, hablará de sus experiencia sy técnicas.

Cinestesia: curso que plantea eliminar los mitos sobre la famosa Cámara RED, tratando de una manera divertida y dinámica, que el espectador se aleje un poco de la idea que la RED es un OVNI. Los participantes serán parte d ela grabación de un guión famoso, elegido por ellos mismos. De esta manera, se trabajará desde montar la cámara, grabación, montarlo en redcinex, convertirlo y finalmente editarlo.

Universidad de las Artes Digitales (Guadalajara): es la primera institución mexicana dedicada en su totalidad al desarrollo del arte a través de medios digitales. Para conocer las últimas tendencias en medio digitales, así como las oportunidades de estudio en sus diversas áreas y el resultado de sus trabajos.

Cine Guerrilla: como su nombre lo indica, nuestros ponentes tratarán el tema de la producción de bajo presupuesto, para la realización fílmica, así como las cadenas alternativas de distribución para asegurar el éxito de tu película.

Centro de Acción Social para el Buen Cine: Bernardo Rotundo, coordinador del Circuito Gran Cine, presentará este proyecto que busca rescatar espacios cinematográficos así como la creación y promoción de una red de distribución alternativa, independiente y nacional para el buen cine.

Festivales Internacionales: a cargo de representantes del Festival Internacional de Cine de Guadalajara, con su valiosa información acerca de las experiencias vividas y las opciones para la diversidad de películas que se presentan.

Distribución y Exhibición: expertos en la estas áreas de películas nacionales y foráneas, compartirán sus experiencias y datos para realizar una comercialización efectiva de los filmes.

Cine estudiantil y Cine de luna y estrellas.

Este año los estudiantes de cine y audiovisual de diferentes universidades presentarán sus trabajos. Allí estarán alumnos de la Escuela de Cine y Televisión de Caracas, la Universidad Rafael Belloso Chacín (URBE) de Maracaibo, la Escuela de Medios Audiovisuales de Mérida, la Universidad de Artes Digitales de México y Cinestesia, también de Maracaibo. Paralelamente, en las noches del lunes 17 al miércoles 19, el Circuito Gran Cine proyectará varias películas en los espacios abiertos de la Plaza Milla y en la Cancha Techada de la FCU de la Facultad de Medicina de la ULA.

Organizadores, patrocinadores y aliado.

Esta novena edición del Festival del Cine Venezolano es organizado por el Centro Nacional Autónomo de Cinematografía (CNAC), la Fundación para el Desarrollo de las Artes y la Cultura (Fundearc), la Universidad de Los Andes y  gracias al apoyo de Telefónica|Movistar. Contó con el patrocinio y la cooperación de la Escuela de Medios Audiovisuales de la ULA, Bolívar Films, David & Joseph, Repsol, Queiroz Publicidad, Gran Cine, Venetur, la Escuela Nacional de Cine, Produrama Vide–Cine C.A., Cinequipos, Corporación Video, Cinex, Unión Radio, Factor RH, Organización Nacional del Transplante, Cinestesia Media,  Cines Unidos,  MoviBeta, Imperatorini Producciones.

Para mayor información pueden ingresar a www.fundearc.org.

La justificación de Arias Cárdenas omite algunos detalles que conviene recordarle. En efecto, los productos cuyos precios están regulados migran hacia el país vecino porque aquí cuestan más baratos que allá. En consecuencia, tanto el comerciante como el consumidor, se comportan de manera racional: tratan de obtenerlos en el territorio venezolano, ya sea para venderlos a precios más altos en la nación neogranadina o para consumirlos allí. El consumidor colombiano, con mayor poder adquisitivo que el nuestro, obtiene un notable ahorro; el comerciante, una significativa ganancia. Unos y otros se benefician de la torpeza de las autoridades venezolanas, empeñadas en alterar los precios de mercado que espontáneamente alcanzarían esos bienes, si se les dejase fluctuar de acuerdo con la ley de la oferta y la demanda, tal como ocurre en Colombia.

En la hermana república no solo el poder adquisitivo de sus habitantes es mayor que el nuestro, sino que la tasa de inflación en mucho más baja, a pesar de que no existen los controles de precios ni de cambio que rigen en Venezuela. Esta liberalidad ha disparado la productividad colocándola muy por encima de la venezolana. Los neogranadinos han liberalizado el mercado de capitales y el mercado laboral, han fortalecido el Estado de Derecho para que la propiedad esté plenamente resguardada de los abusos de cualquier funcionario subalterno inoculado con el virus del comunismo. Al Gobierno colombiano no se le ha ocurrido incurrir en ninguno de los dislates tan frecuentes en Venezuela a lo largo de los últimos catorce años: confiscaciones, expropiaciones, estatizaciones, exacciones. Los empresarios privados, extranjeros y nacionales, han sido protegidos por el Estado. La confianza, factor básico en el mundo contemporáneo, ha fortalecido la economía de mercado e impulsado la competencia entre distintas empresa, que pujan para conseguir el favoritismo de los clientes.

Por eso cuando el gobernador del Zulia trata de refugiarse en el “contrabando de extracción” para justificar la desafortunada medida, revela su enorme ignorancia acerca del comportamiento de la economía y los principales agentes que la movilizan: el empresario y el consumidor. Ambos tratan de maximizar el beneficio –bajo la forma de lucro o de ahorro, según el caso- sin que ello tenga nada de pecaminoso o condenable. De esto, Pancho no se ha enterado.

Resulta demencial que el Gobierno persista en un amplio conjunto de controles que ninguno de sus socios comerciales y vecinos mantienen, y que representan la fuente original de las distorsiones tan severas que se observan, entre ellas, el tránsito de productos hacia Colombia. Mientras estos desequilibrios continúen, las medidas de corte policial o punitivo estarán condenadas a naufragar, como seguramente encallará el experimento de Arias Cárdenas.

La ruta de las restricciones emprendida por el régimen socialista lo ha conducido al descalabro. Las limitaciones en el consumo de energía eléctrica y luz, no ha mejorado el suministro del fluido, ni aumentado la inversión en el área; el servicio sigue siendo tan deplorable como siempre. El chip de la gasolina aplicado en el estado Táchira no ha detenido el contrabando; el negocio impulsado por el combustible sigue siendo millonario; las redes son demasiado influyentes y poderosas; los únicos que sufren son los humildes usuarios. Los policías no sirven para dirigir la economía, y muchas veces ni siquiera los cuerpos de seguridad.

El socialismo del siglo XXI y el Estado interventor y controlador han arruinado al país en medio de los precios más altos del crudo que se hayan visto jamás. El desbarro no podrá ser ocultado, ni maquillado, con la tecnología 2.0, como dice Pablo Pérez, ni con añagazas como el acaparamiento o la especulación, que únicamente sirven para confundir desprevenidos.

@trinomarquezc

]]> http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/05/los-dislates-de-arias-cardenas-la-electronica-socialista-por-trino-marquez/feed/ 1 Alfonso Molina Francisco Arias Cárdenas Trino Marquez http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/04/una-reflexion-inevitable-inflacion-etica-por-fernando-sabater/ http://ideasdebabel.wordpress.com/2013/06/04/una-reflexion-inevitable-inflacion-etica-por-fernando-sabater/#comments Wed, 05 Jun 2013 01:34:00 +0000 Alfonso Molina http://ideasdebabel.wordpress.com/?p=28236 Sigue leyendo →]]> De antaño sabemos que una de las causas más frecuentes de muerte  para corrientes ideológicas o movimientos políticos es el éxito. Tal es el caso de la ética, que a fuerza de tanto triunfo actual está ya en la UVI y con respiración asistida. La ética parece ser la bella desconocida que a todos conquistaría si llegase a tiempo al baile, la coraza que resguarda a cuantos avanzan justicieros contra el dragón de la realidad, la pócima de Fierabrás que todo lo cura pero que se dispensa, ay, en redomas demasiado pequeñas. Porque precisamente en eso consiste el encanto de dar mandobles éticos, un arma que siempre es crítica y casi nunca autocrítica. Entre varias más académicas, la única definición consagrada por el uso y la convicción de todos dice así: ética es lo que les falta a los demás. ¿Cómo resistirse a su encanto?

La ética sirve hoy para tapar todos los huecos, administrativos o teóricos. Por ejemplo, en el proyecto de reforma educativa promovida por el ministro Wert, se la utiliza con el nombre de “valores éticos” como alternativa y coartada para justificar la inclusión del catecismo como asignatura puntuable de primera magnitud. Algo así como obligar a quien no cree en los horóscopos a dedicarse a los crucigramas… Pero también tropezamos con el fulgor de la ética como remedio de los males de la economía o la política. En este caso, es más bien como si se recomendase apagar los incendios forestales con un hisopo de agua bendita. Parece darse por hecho que todos los valores, por serlo, tienen que pertenecer a la moral, mientras que el resto de las  interacciones humanas se mueven por intereses y estos sirven solo  para enfrentar a los humanos, nunca para unirlos. O sea que la ética baja del cielo y todo lo demás bulle desde el cieno: mal asunto, porque el lado de los ángeles es el que queda bien, pero después siempre gana el barro.

No hay nada peor para los valores que convertirlos todos en moneda ética. ¿Acaso solo pueden ser principios morales los que aconsejen acabar con los paraísos fiscales, como si no hubiese razones económicas para obstaculizar los fraudes y la evasión de impuestos? ¿No pueden encontrarse en la economía misma intereses sociales que desaconsejen la tolerancia con los depredadores? ¿No hay en la política razones para tener por bueno a quien busca según sus luces el acuerdo con otros y el bien común, no su mero lucro privado? ¿Se remediarán nuestros males exigiendo a los políticos comportamientos morales y no rectitud política? En Euskadi, con un terrorismo puesto casi fuera de combate por quienes se enfrentaron sin eufemismos ni atajos ilegales con él, buscan ahora por medio de una ponencia de paz parlamentaria un “suelo ético” sobre el que convivir, como si la Constitución y el Estatuto que hemos defendido con tanto esfuerzo
contra ETA y servicios auxiliares no brindasen valores suficientes para organizar una comunidad democrática que no excluye a quienes una vez lucharon contra ella aunque sin ceder ante los que siguen tratando de subvertirla por otros medios.

Pero es que además la ética, en cuanto reflexión que busca la excelencia personal (puesto que cada cual solo se conoce a sí mismo como sujeto de la intención, buena o mala), puede entrar en ocasiones en conflicto con las exigencias públicas de ciertos roles sociales. Si por ejemplo un multimillonario (pongan ustedes el nombre que prefieran en la línea de puntos) siente un retortijón íntimo de conciencia y decide repartir toda su fortuna entre los más necesitados, es muy probable
que encuentre argumentos morales para justificarse. Pero si ese mismo escrúpulo aqueja al ministro de Economía de un país respecto al erario público, lo mejor que puede hacer es renunciar a su cargo para no seguir un impulso que va contra otros valores prudenciales tan perfectamente respetables como los éticos que conmueven su corazón. Porque no solo se nos puede exigir una moral de principios, sino también otros principios derivados de la responsabilidad, como señaló en su día Max Weber. A quien quiera aprender en vivo la diferencia entre ambas cosas le recomiendo Lincoln, de Spielberg, que cuenta cómo el hombre más puro de Estados Unidos revocó la historia para la libertad por medio de la corrupción.

En una sociedad abierta y pluralista, por tanto laica y no sometida a rigideces teocráticas, las leyes no deben pretender zanjar las divergencias morales de los ciudadanos, sino crear un ámbito en el que puedan convivir todas sin humillación de nadie. O sea, lo contrario de lo que ocurrió cuando el Parlamento catalán prohibió las corridas de toros, convirtiendo en obligatoria la opción moral de una parte de la ciudadanía contra la de los demás. Algunos que en su día apoyaron esa ley han descubierto ahora, con motivo de la posible modificación de la ley sobre la interrupción del embarazo, las virtudes de respetar la decisión personal y no imponer una ética única a toda la población. Bienvenidos a la tolerancia… o al menos a la cordura legal. En el tema del aborto, las perplejidades éticas son inevitables y deberían ser celebradas como una muestra del desarrollo de la conciencia que aquilata los valores vitales, no como un atraso. Solo un idiota moral —que los hay— afronta esa situación con la misma despreocupación que quien se extirpa un lobanillo. Pero ninguna legislación puede zanjar tales escrúpulos: si es discreta, se conformará con impedir que se vean agravados por persecuciones penales y una clandestinidad antihigiénica.

El supuesto de aborto lícito en el caso de una malformación grave del feto presenta precisamente el ejemplo de un auténtico dilema moral contemporáneo. Antes no hubiera existido, porque no teníamos la tecnología adecuada para detectar tales casos: la cuestión la resolvía en ciertas culturas tras el nacimiento el infanticidio (que no es lo mismo que un “feticidio”) o la resignación ante lo que nos manda la naturaleza o Dios. La ética no cambia radicalmente con los tiempos, pero como trata de la valoración de nuestras acciones evoluciona según se amplían las capacidades humanas. Hoy podemos decidir con información suficiente antes del nacimiento, en las primeras etapas del embarazo, y el verdadero problema moral ahora no es si se tiene derecho a abortar en caso de graves malformaciones sino si, conociéndolas, se tiene derecho a dar a luz. La norma legal debe señalar el marco razonable de ese íntimo debate, sin aspirar a tener nunca la última palabra.

En cuanto reflexión sobre nuestros fines vitales, la ética puede considerarse el telón de fondo de acciones e instituciones. Se ocupa de cómo lo humano debe reconocer y tratar diferenciadamente a lo humano, o sea que siempre es “especieísta” —contra lo que creen animalistas varios— pero naturalmente racional, contra lo que piden los teólogos. Aunque desde luego no agota todos los campos de valoración ni reduce los retos de nuestra interacción a una simplicidad binaria o maniquea.

Fernando Savater

El País, mayo 29 de 2013

http://elpais.com/elpais/2013/05/27/opinion/1369653130_725285.html

Acostumbrados al exceso, una y otro vez los portavoces del régimen acusan de fascista a la oposición. Un disparate, desde luego. Hasta causa cierta perplejidad tener que refutarlo. El fascismo fue un fenómeno histórico surgido en Italia hace casi ya cien años. Descrito por quienes más lo han estudiado* como un movimiento revolucionario, nacionalista, antimarxista y antiliberal, el fascismo se constituyó en partido-milicia inspirado por una concepción integrista de la política. Con un líder carismático a la cabeza, tuvo la aspiración de alcanzar un monopolio absoluto del poder y pregonó la creación del “hombre nuevo”. Ése, por cierto, a quien el movimiento le pedía “creer, obedecer, combatir”, como reza el famoso eslogan fascista.

El fascismo, por otra parte, llega al poder electoralmente. Pero, una vez en control de las instituciones del Estado, destruye el sistema político previo (democracia liberal) para instaurar un régimen corporativo de partido único, en el que toda la sociedad se politiza y la acción política se convierte en la fuente mística de salvación y progreso.

Desde Europa, el fascismo vino a América Latina como modelo (inspirando los regímenes de Perón y Vargas) y como categoría de análisis político (la controvertida tesis de un “fascismo latinoamericano”, representada inicialmente por las experiencias populistas argentina y brasileña). Posteriormente, el término “fascista” fue utilizado por la izquierda latinoamericana —de modo inexacto y falaz, como en el caso presente— para referirse a las dictaduras militares que aparecieron en Sudamérica en la década de los años setenta del pasado siglo. La intención, obviamente, era crear un falso dilema: fascismo o socialismo. Tal como hoy pretenden los apóstoles del chavismo.

Sin embargo, de su expresión original europea difieren significativamente tanto los movimientos populistas latinoamericanos que pretendieron imitarlo (no obstante las significativas similitudes que guardan con aquella) como los regímenes militares posteriores de Pinochet o Videla, con los cuales las diferencias son notablemente más profundas. Recordemos, por ejemplo, que estos últimos fueron productos de golpes de Estado y buscaron fundamentalmente la despolitización de la sociedad y la desmovilización popular. Por otra parte, nunca crearon partidos de masas ni fueron conducidos por líderes carismáticos, y redujeron además la participación del Estado en la economía, entre otras muchas diferencias.

La grotesca asimilación no es, por tanto, casual ni nueva. Intenta deslegitimar la acción del oponente, desmoralizar a millones de venezolanos que por más de una década han resistido un proyecto político que perciben como un camino seguro al servilismo y la miseria. Si alguna comparación con el fascismo fuese posible, la misma no sería con la oposición sino con el chavismo. Este último, como buen ejemplo de movimiento populista, adolece de numerosas inclinaciones fascistas. En esta materia y en muchas otras, la “Revolución Bolivariana” se muestra como lo que es: un fraude histórico. Y contra la evidencia poco o nada pueden sus anticuadas e histéricas consignas ni su desmesurado uso de la propaganda, y mucho menos su tendencia recurrente a proyectar en sus enemigos (“golpistas”, “corruptos”, “fascistas”) sus propias faltas, vicios y debilidades.

* Entre otros, puede consultarse: Gentile, Emilio. (2004) Qu’est-ce que le fascisme? : histoire et interprétation. Paris. Gallimard, y Paxton, Robert O. (2004). Le fascisme en action. Paris. Éditions du Seuil.

* http://jorgelazocividanes.wordpress.com

Periodista, narador y poeta, José Pulido presenta un personaje femenino singular en su última novela.

Una víctima, tres criminales, muchas vulvas y una investigadora policial lógica y precisa convergen en una oscura trama de venganzas y pasiones que José Pulido (Villa de Cura, 1945) desarrolla en El requetemuerto, su último trabajo narrativo, inserto en la colección de novela negra Vértigo de Ediciones B Venezuela. Una singular figura femenina, la comisario de Homicidios Nedytza Yamilet Samarcanda López, desentraña un caso policial con características muy masculinas. El asesinato de Aníbal Milesio, artista obsesionado con las vaginas, tanto en su obra plástica como en su vida privada, constituye el punto de partida de un estudio de ciertas patologías contemporáneas. Sujeto y objeto de una indagación más allá de lo judicial, una y otro se definen como los polos personales de una historia muy particular. Tres acciones convergen alrededor de un mismo crimen y solo la agudeza de la Jefa Samarcanda logra descifrar el enigma. Eso sí, con la remota ayuda de William Shakespeare, ni más ni menos.

He apreciado en la narrativa de Pulido un definido contraste con su obra poética, sin convertirse en ruptura. Trabajos como Pelo blanco (Planeta, 1987), Una mazurkita en la mayor (Planeta, 1989) o Los mágicos (Monte Ávila Editorial Latinoamericana, 1999) comparten sensibilidades con Los poseídos (Pavilo, 1999), Peregrino de vidriera (Pavilo, 2001) y Duermevela (Pavilo, 2004), aunque obviamente transitan senderos diferentes. Concluyo la lectura de El requetemuerto y no puedo dejar de evocar La canción del ciempiés (Alfadil, colección Alfa 7, 2004) pues ambas se inscriben en la vertiente de la novela negra, entendida en términos muy amplios, y se alejan del trasfondo histórico de Pelo blanco y Mazurkita, dos expresiones de su novelística temprana nutridas de su condición de periodista. Pero esta vez Pulido se aleja de La Habana y se inserta en una Caracas donde moran personajes anónimos al lado de celebridades en una danza de pasiones y deseos de venganza.

La novela descansa fundamentalmente sobre el dibujo de dos personajes distantes y diferentes, cuyas vidas nunca se cruzaron hasta la fatídica noche el crimen. Nedytza Yamilet Samarcanda López es una mujer fascinante y misteriosa, de inteligencia y cultura poco común, ajena a las prácticas policiales tradicionales, dispuesta a llegar al fondo del crimen. Nadie conoce su afectividad. Ni siquiera su hermano Toto. En cambio Aníbal Milesio padece la poderosa tiranía del egocentrismo y sus consecuencias, como artista y como hombre. Se fundamenta en la obra fotográfica de Nelson Garrido para desarrollar su propio trabajo pictórico, poblado de vaginas intervenidas y sembrado de delaciones sin pudor. Manipulador de intensa avidez sexual no guarda escrúpulos ni lealtades. Ni a sus mujeres ni a sus amigos. Dicho de forma rápida, merecía su muerte. O sus muertes … porque sufrió tres atentados. Cada uno de estos personajes representa una postura ética distinta y una conducta personal divergente. Los unió el crimen. Milesio jamás conoció a Samarcanda. Ésta nunca estrechó la mano de aquél. Pero sí supo desarticular su asesinato y las motivaciones de quienes lo perpetraron.

Entre ambos Pulido teje una red de personajes secundarios, cuyos aportes a la trama se entrelazan con pinzas de forma relevante. No po secundarios dejan de ser importantes, particularmente por la sordidez de sus experiencias. La sufrida Herminia Constanza y su desalmado hijo Yéison Jarvar, los fieles detectives Bruno Almendáriz y Alfredito Borgoña, los calenturientos Minerva y Efra, el cornudo Arcadio Torrentes, compadre de Milesio, su infiel esposa Edelmira, comadre de Milesio, y su desenfrenada hija Ceylanis, ahijada de Milesio, la amante Mariam y su madre también amante de Milesio, conforman un cuadro humano desolador e irremediable. Las motivaciones personales se cruzan, coinciden, se desplazan alrededor de un mismo cadáver. Al final, la lógica implacable de la Jefa Samarcanda extenderá ante los ojos de todos la solución del caso.

Sexo, violencia, locura y traición arropan la historia. El requetemuerto se nutre de la preceptiva básica del género, sobre todo en la estructura del relato, pero introduce elementos innovadores a través de su heroína. Kant, Leibniz, Chuang Tzu y el Ricardo III del propio Shakespeare conforman su universo intelectual y sus referencias de la lógica, la estética y la ética. Nedytza Yamilet Samarcanda López tiene su propia vida, muchos libros, un padre con una doble vida, un medio hermano convertido en su protector y una ausencia afectiva de mujer solitaria. Un personaje tan particular exige su propia vida en otras novelas.

EL REQUETEMUERTO, de José Pulido. Ediciones B Venezuela, Caracas, 2012.

José Ayarzagüena Sanz, Editor Asociado del Comité Científico de la Revista Científica Biodiversidad Neotropical.

José Ayarzagüena Sanz, esposo de María Helena Fonseca Benítez y padre de José Luis Ayarzagüena Fonseca, nació en Madrid el 27 de noviembre de 1952. A pesar de haber estudiado y pasado gran parte de su juventud en esta ciudad, él siempre se jactó de sus orígenes vascos, de los que hablaba con orgullo. Su familia paterna procedía del caserío de Ayarza (Vizcaya) ubicado cerca del caserío Bolíbar, desde donde emigraron los antepasados de El Libertador Simón Bolívar.

Desde muy joven se interesó por la naturaleza, pero sus padres consideraban que ser biólogo equivalía a «morirse de hambre». Sin embargo, un día observó a un grupo de jóvenes practicando la cetrería cerca de donde él estudiaba una carrera técnica y decidió acercarse a hablar con ellos. Ese encuentro marcó su vida, allí conoció a Javier Castroviejo, quien lo alentó para estudiar la carrera de Biología y más tarde a desplazarse hasta la Estación Biológica El Frío, situada en Los Llanos de Venezuela, con la finalidad de realizar su doctorado sobre la baba o caimán de anteojos. Este trabajo sirvió de base científica para la explotación comercial y sostenible de esta especie, que alcanzó tal éxito en Venezuela que fue replicado en Bolivia, Paraguay y otros países de la región. Su carrera como herpetólogo ya se había iniciado en su España, donde publicó sus primeros trabajos sobre la lagartija de Valverde, el lacértido más pequeño de Europa.

Los dos años de su paso por Venezuela consolidaron el amor por las que serían dos de sus pasiones: los crocodílidos y las llanuras inundables sudamericanas. Terminado su doctorado el Dr. Ayarzagüena Sanz se radicó en Venezuela. Trabajó en el Museo de Historia Natural de la Fundación La Salle, en la Agencia Española de Cooperación Internacional en Caracas y como asesor del Ministerio de Ambiente, pero nunca dejó de lado la Estación Biológica El Frío, de la que fue su director durante 32 años, entre 1977 y 2009. Su gestión permitió el impulso primero y laconsolidación después de este centro de investigación y conservación, que fue escuela de decenas de biólogos de varias nacionalidades y cuya producción científica ha sido superada por muy pocas estaciones biológicas en Suramérica: quince tesis doctorales, cuatro tesis de maestría, veintidós tesis de pregrado y más de cien publicaciones en revistas de impacto internacional.

Tras los caimanes y los cocodrilos su pasión eran las ranas. Exploró junto con Celsa Señaris la Guayana venezolana y las cimas de sus tepuyes, así como otras áreas del país. Como fruto de ese trabajo titánico se cuentan la descripción de cuarenta especies y ocho géneros nuevos de anfibios. En justo reconocimiento a esta labor dos especies de anfibios y un ofidio fueron bautizados con su nombre, ayarzaguenai.

En el campo de la conservación sin duda su mayor logro fue su decisiva participación en la creación de una nueva población de caimán llanero en la Estación Biológica El Frío y áreas adyacentes. De la lagartija más pequeña de Europa pasó a trabajar con el cocodrilo más grande de América; los retos lo motivaban. En primer lugar consolidó un centro para la cría en cautividad de esta especie, destacó la importancia de la población de caimanes del río Cojedes, de donde colectaba neonatos para levantarlos en cautiverio; después estimuló la declaración del Refugio de Fauna Silvestre Caño Guaritico y finalmente consiguió que la primera reintroducción de esta especie se realizara dentro de El Frío en 1990.

El tiempo le dio la razón, y 16 años después se pudo demostrar la existencia de una nueva población de caimanes formada exclusivamente por ejemplares que habían sido criados en alguno de los cuatro centros de cría en cautividad del país. Este constituye uno de los casos de conservación de herpetofauna más exitoso del mundo y nadie duda de la responsabilidad de José en este tema.

En su bagaje cuenta con treinta publicaciones científicas y cinco de divulgación, además de haber dirigido varias tesis doctorales y de haber sido coordinador del Máster Internacional en Gestión de la Biodiversidad de los Trópicos, tema del que era un reconocido experto. Fue miembro fundador de Grupo de Especialistas en Cocodrilos de Venezuela, miembro del Grupo de Especialistas de Cocodrilos de la IUCN, del Comité Español del Programa Hombre y Biosfera (MAB) de la UNESCO y condecorado con la orden Henri Pittier otorgada por el Ministerio del Ambiente y los Recursos Naturales de Venezuela.

José fue siempre una persona cercana, con una generosidad que parecía no tener límites, como sus amadas sabanas, amigo de sus amigos, se volcaba con una constancia y una lealtad a toda prueba por aquello en lo que creía. Además tenía una intuición especial para resolver problemas científicos, fruto de la observación y de una amplia base de conocimientos.

A pesar de su carrera llena de éxitos y reconocimientos, los últimos años le tocó vivir una situación que no se merecía. La arbitraria incautación de la Estación Biológica El Frío por parte del gobierno bolivariano lo sumió en un estado de depresión del que nunca logró salir. El trabajo y esfuerzo de toda una vida le habían sido arrebatados de un plumazo y ni siquiera le permitieron recuperar sus efectos personales. Muchos de los que le conocimos estamos convencidos de que esta injusticia fue el detonante de la enfermedad que a la postre le causó la muerte.

Falleció en la ciudad que lo vio nacer el 28 de diciembre de 2011, a los 59 años de edad, víctima de un cáncer de pulmón. No es sencillo recoger en tan corto espacio la vida de un gran investigador, un excelente amigo y una mejor persona. El tiempo y su obra, que le sobrevive, le harán mayor justicia que mis palabras.

*Rafael Antelo, PhD es Director Científico  de la Fundación Palmarito Casanare de Bogotá, Colombia. e-mail: megapicu@hotmail.com.

© Rev. Biodivers. Neotrop. 2012; 2 (2): 69-70

A Choi Dong-hoon ya lo conocíamos por esta web, y de hecho no nos sorprende el tremendo éxito que ha cosechado tras lo realizado en películas como The Big Swindle o Tazza: The War of Flower, ambas en cierto modo muy parecidas (aunque al mismo tiempo diferentes) a esta que nos ocupa. En su anterior película, Jeon Woo Chi: The Taoist Wizard, se alejó bastante del género en el que mejor se maneja, pero aún así supo salir triunfante.

Para The Thieves ha sabido juntarse con varios de los actores con los que triunfó en el pasado, como el magnífico Kim Yoon-seok (The Chaser, The Yellow Sea, Woochi…), la exhuberante Kim Hye-soo (Tazza), y también de otras estrellas conocidas como Jeon Ji-hyeon (Para quien no la conozca, la chica de My Sassy Girl, aunque también la hayamos visto en Windstruck, Daisy o la adaptación del manga Blood: The Last Vampire) o de la estrella de Hong Kong Simon Yam (creo que este último no necesita presentación alguna, ¿verdad?).

A pesar de tener un reparto bastante coral, los protagonistas de la historia estan bien definidos, y Kim Yoon-seok vuelve a superarse, dando buena muestra de la versatilidad que atesora a la hora de ponerse delante de una cámara para interpretar distintos personajes. Quizás hace unos años, cuando se estreno The Chaser (que si mal no recuerdo fue donde lo conocí) podría haber sido algo arriesgado decir que estaba a la altura de los grandes de Corea como Song Kang-ho o Choi Min-sik, pero hoy en día, tras varios años de aquella magnífica película, Kim Yoon-seok es más que nunca una realidad, y sin duda alguna uno de los mejores interpretes de Corea del Sur.

Para poder apreciar la interpretación de los distintos actores, es totalmente imprescindible ver esta película en versión original, debido a que más de la mitad de la misma esta rodada en idiomas diferentes al coreano (inglés, cantonés, mandarín y japonés), algo que queda totalmente destruido en su versión doblada (al menos por lo que he podido ver en el trailer) donde absolutamente todo ha sido doblado, lo que echa al traste bastantes escenas donde los distintos idiomas tienen una relevancia vital.

Si tuviera que poner un pero en cuanto a los personajes, sería la poca profundidad que tienen algunos de ellos. En la mayoría de los casos es algo que pasa desapercibido y no tiene mayor importancia para la historia, pero hay otros casos (y no diré cuales por no spoiler) donde no habría estado nada mal el conocerlos un poco más a fondo, a pesar de que al final, cuando todas las cartas se ponen sobre la mesa, todo cobra sentido y no hay ningún agujero visible en el guión.

El estilo con el que rueda Choi Dong-hoon la película creo que puede ser equiparado erróneamente con el de Steven Soderbergh en la saga Oceans. En el fondo, entiendo que se pueda malinterpretar y creer que bebe del estilo del director norteamericano, pero quién haya visto los anteriores trabajos de Dong-hoon, así como bastante cine de Hong-Kong o Corea, sabrá que The Thieves no solo tiene la marca inequívoca de su director, sino que sabe copiar lo mejor del cine de acción de Hong-Kong para incluirlo en su película, algo que sin duda se echo en falta en anteriores trabajos suyos relacionados con el genero (aunque tampoco era algo realmente necesario).

Y es que, lo que hace diferente a The Thieves es su gran mezcla de géneros y la versatilidad con lo que los muestra. Esto es algo que siempre elogio del cine Coreano. Saben mezclar a la perfección una comedia con un thriller, o un drama con una comedia de acción, saltando de un genero a otro sin que el guión apenas sufra, algo bastante digno de elogiar. En esta ocasión van un paso mas allá, ya no solo incorporando elementos del cine coreano, sino tomando lo mejor de un género donde se mezcla la acción con las mafias, que en Hong-Kong manejan a la perfección y donde Simon Yam (uno de los actores de esta película) es uno de los actores más recurrente.

Hay quién se ha quejado de un excesivo metraje, algo que en mi caso no he sentido puesto que la película transcurre con un caudal realmente increíble, sin detenerse un solo instante, y sabiendo pausar la trama en momentos cruciales para saber dar unos giros de guión tan sorprendentes como necesarios para hacer de esta película algo más de lo que podría haber sido, o de lo que en apariencia es, mejor dicho.

El hecho de estar rodada en lugares tan dispares como Corea, Hong-Kong o Macao es algo que no estamos acostumbrados a ver en el cine coreano, que normalmente suele ser más “local”, aunque poco a poco vemos como va abriéndose fronteras (y es que el buen hacer no pasa desapercibido, esta claro).

Las escenas de acción están filmadas con gran maestría, si bien llega un momento que puede chirriar un poco lo que veamos en pantalla, no por estar mal hecho, que ni mucho menos, sino por lo inverosímil que puede resultar a la vista. Los juegos de cámaras, los travellings que se realizan, el montaje… todo es realmente genial en todas las escenas, pero hay algunas que acaban resultando poco creíbles y le restan un poco de seriedad a la historia, como es el caso de la escena en la fachada, en pleno clímax de la historia.

Sin duda alguna, todo un éxito del cine coreano y que ahora nos llega a España. Una película de la que muchos deberían aprender en muchísimos aspectos. Una vez vista podréis entender porque esta película ha cosechado tanto éxito en su país. Divertida, entretenida, espectacular, y con una historia que esconde mucho más de lo que en apariencia parece ser. ¿Acaso hace falta algo más para decidirse a verla?

THE THIEVES (Dodookdeul), Corea del Sur, 2012. Dirección: Choi Dong-hoon. Guion: Choi Dong-hoon, Lee Gi-cheol. Música: Jang Young-gyu, Dalpalan. Fotografía: Choi Young-hwan. Elenco: Kim Yun-Seok, Kim Hye-Soo, Lee Jung-Jae, Jun Ji-hyun (AKA Gianna Jun), Kim Hae-Suk, Kim Soo-Hyun, Simon Yam, Oh Dal-Su, Angelica Lee, Kwok Cheung Tsang, Shin Ha-Kyun, Joo Jin-Mo, Ki Guk-Seo, Choi Deok-Mun, Chae Gook-Hee, Ye Soo-Jung.

http://dehparadox.es/2013/05/resena-el-gran-golpe-the-thieves.html

Adaptación del exitoso musical de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg basado en el clásico de Victor Hugo, Los miserables es el cuarto y más ambicioso largometraje de Tom Hooper, conocido por haber triunfado en los Oscar con la estimable El discurso del rey (‘The King´s Speech’, 2010). El realizador inglés pone toda la carne en el asador y trata de asombrar desde el mismo arranque, con una secuencia en la que Jean Valjean (Hugh Jackman) y un grupo de presidiarios arrastran un barco mientras el inspector Javert (Russell Crowe) observa desde una elevada posición —símbolo de su visión de la ley y la virtud, cree cumplir la voluntad de Dios—. La pieza, como el resto del film, impresiona por la inspirada puesta en escena, el lujoso diseño de producción y la impecable labor de los actores.

El sufridor Valjean consigue la libertad pero su pasado lo persigue y no es capaz de salir adelante. Tras un crucial encuentro con un obispo, el hombre adopta una nueva identidad y trata de empezar de cero, pero el implacable Javert no se olvidará de él… El compromiso y la pasión de Jackmansobresale en estos primeros compases, y aunque no baja el nivel, el recorrido de su personaje, en constante busca de redención, sufre altibajos de interés y a veces queda eclipsado; por el contrario, el papel de Crowe le permite ir de menos a más, culminando con una de las escenas más poderosas del film. La historia avanza unos años y conocemos a Fantine (Anne Hathaway), una desafortunada joven que se ve obligada a vivir y trabajar en la calle para poder enviar algo de dinero a su hija. Ella protagoniza el mejor momento de ‘Los miserables’, el I Dreamed I Dream, una escena que debería valer un Oscar.

La actriz lo borda, la energía con la que Fantine intenta barrer todo rastro de humillación, derrota y desesperación traspasa la pantalla, y Hooper, que si algo ha demostrado hasta ahora es inteligencia para aprovechar el talento de sus repartos, no corta el plano y deja que Hathaway se luzca con un tema que eriza la piel (y arranca las primeras lágrimas, avisados quedáis). Este capítulo sirve también como presentación de la cenicienta Cosette (Isabelle Allen primero y Amanda Seyfried después), Éponine (Natalya Wallace y Samantha Barks) y los pícaros señores Thénardier (Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen), un dúo que funcionan de maravilla como contrapunto cómico entre el drama y la tragedia; Carter y Cohen no podrían hacerlo mejor. El último bloque, quizá el más irregular, cargado de intensidad y épica pero también de cierta cursilería y convencionalismo, presenta a Marius (Eddie Redmayne) y el grupo de “indignados” que se rebelan contra las injusticias y tratan de provocar una nueva revolución.

Imposible no sentir que, a pesar de que la acción transcurre en la Francia del siglo XIX, lo que se denuncia no ha perdido vigencia, que parece estar hablando de la situación actual —brillante la aparición del pequeño Gavroche (Daniel Huttlestone)— y nos pide, ¡nos exige!, que dejemos de esconder la cabeza y salgamos a la calle, a derrocar a los que están administrando el país con tanta incompetencia y tan poca vergüenza. Pero no, seguimos clavados a la butaca, la mirada fija en la pantalla, con el corazón en un puño, casi repitiendo el estribillo (“¡ROJO!”), siguiendo con el pie el ritmo de la música… Del mismo modo que expone la injusticia y enciende el espíritu, Los miserables invita a soñar, a tener esperanza, y un canto al amor, en todas sus formas. Tan desgarradora es la escena de Éponine bajo la lluvia como la de Marius en el local vacío, recordando a sus amigos.

Robusta, emocionante, inspiradora, hermosa, Los miserables es una experiencia única que deja huella. Pero esta arriesgada propuesta —los actores cantan en el escenario, no hay playback— no está exenta de tropiezos o decisiones cuestionables. Como que el guionista (William Nicholson) y el director consideren que el público puede soportar la imparable narración durante más de 150 minutos, con canciones que a veces resultan innecesarias —por la letra y porque subraya lo que ya expresa la imagen— y tramos acelerados, como si dieran por hecho que el espectador conoce el texto original y sabe lo que va a pasar, así que no necesita que la cámara se detenga a observar o seguir a los personajes. Asimismo, flaquea el personaje de Cosette encarnado por Seyfried y la escena del final en la iglesia, que no resulta tan conmovedora como se pretende. Por suerte hay un epílogo muy logrado que vuelve a dejarte al borde del asiento. No es perfecta, pero no le hace falta para ser disfrutada y recordada como una de las mejores películas del año.

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Inevitables beneficiarias de ese regalo, que permite que tengan más electricidad, movilidad de vehículos, etc., en su país, sin embargo optan por denunciar esa dadiva del gobierno chavista. Son contundentes en declarar que eso representa oxígeno para una dictadura, que impone dominación, y retraso para su país. Están privilegiando valores de vida, como los derechos humanos y la libertad, además de la confianza en el potencial de productividad y bienestar económico de la isla, en condiciones dignas y abiertas de iniciativa, esfuerzo y vínculo internacional.

Esto plantea considerar una ética del uso del petróleo, que también nos concierne profunda y sustancialmente. Los venezolanos también deberíamos reclamar y exigir, que no se regale el petróleo, ni afuera ni adentro del país. El petróleo no es para regalarlo sino para utilizarlo como palanca de desarrollo colectivo.

Muchos especialistas divagan cuando se discuten los perversos efectos de la renta petrolera y se distancian de la famosa sentencia de Juan Pablo Pérez Alfonso, al denominarlo “estiércol del diablo”. No estaba ajeno el fundador de la OPEP de la obvia palanca de desarrollo que el petróleo significó para Venezuela, pero tenía muy buenas razones para escandalizarse de los usos ajenos a su siembra generadora de progreso y modernidad.

Nunca como en estos 14 años, se había visto un uso más perverso y dañino de la renta petrolera. Hemos sido testigos de cómo ha sido utilizada para subordinar, chantajear y someter electoralmente a una gran parte del país, sin interés en hacerlos parte de una entidad trabajadora y productiva, sino indigentes crónicos, dependientes de una misión de subsistencia.

Cada día, la renta petrolera es menos una palanca de desarrollo y mas una palanca de manipulación para perpetuarse en el poder. Se regala la gasolina, se relega la construcción y mantenimiento de infraestructura, pero además, se asfixia a los restantes sectores productivos y empleadores del país. Lo que denuncian las Damas de Blanco, es escandaloso. Se concede una parte de la producción petrolera para uso de la oligarquía de los Castro, subordine económicamente a su país y a países que le habían dado la espalda a la propuesta conflictiva, sangrienta y retrograda de la revolución del siglo XIX.

El regalo petrolero a Cuba, es un caso insólito de seducción política, en razón de retorcidas condiciones de la personalidad de Chávez (requerido de instrumental de omnipotencia, que Fidel le proveia), que además del costo económico, ha lesionado la soberanía nacional, dejándonos en un vergonzoso capítulo histórico de colonialismo “revolucionario”.

Para los venezolanos todos, a nivel de cada ciudadano, así como son sencillas ciudadanas las Damas de Blanco, está planteado concientizar y exigir un uso ético del petróleo, que diferencie la manipulación politiquera de los afectados de pobreza y la persecución de todo aquel que tenga algo, pues de esa manera, se degrada la convivencia, el trabajo, los servicios sociales en manos del estado, el desarrollo y la democracia.

Para las aspiraciones de este gobierno populista salvaje, es suficiente con que solo exista el dominio de la renta petrolera que percibe (muy disminuida por la ineficiencia técnica y reparto “estratégico”). Lo demás, le estorba. Para lograr este propósito, se generan otros fuertes eventos perversos, como el control de cambio permanente y la terrible cadena de corrupción que lo acompaña.

Tenemos el reto de desarrollar colectivamente, un código ético del uso del petróleo, con el cual confrontar y medir a la dirigencia política que esté en escena, pues del ejercicio de este buen sentido común, dependerá que esa inevitable y determinante realidad que es ser un país petrolero, nos conduzca a progresar tras su buena siembra, o corrompernos y dañarlos en el uso político y de borrachera asistencialista de charlatanes simpaticones que manipulan la necesidad.

Quizás este sea el punto crucial de nuestras diferencias, hoy en día tan polarizadas: como disponer y usar la renta petrolera; el voraz saqueo manipulador y demagógico, ajeno e ignorante al desarrollo, pero con rentabilidad electoral o la inversión en infraestructura, capacitación y aliento a la productividad. El bochinche petrolero o la ética sensata del desarrollo. Ya basta de tanta locura.

Mientras operaba RCTV, el canal de La Florida representaba una pieza menor. Frente al canal de Bárcenas, monstruo comunicacional que atrapaba casi la mitad de la audiencia nacional, la modesta Globovisión era apenas un enemigo inferior que no encarnaba ningún peligro significativo para la supervivencia del Gobierno. Liquidada la televisora pionera del país y neutralizadas Venevisión y Televen, pulverizar el canal dedicado a la transmisión de noticias las veinticuatro horas del día pasó a convertirse en un objetivo central. El problema consistía en cómo lograrlo generando el menor costo político. El precio de la destrucción de RCTV había sido demasiado elevado. Había que evitar que el drama se repitiera.

El régimen ensayó varias fórmulas hasta que, finalmente, trazó la estrategia definitiva. El ladrillo clave de este andamiaje era la asfixia económica. Había que convertir la emisora en un proyecto financiero inviable. Conatel sería el brazo ejecutor. El Consejo aplicaría multas permanentes, amenazas de cierre y prohibición de incorporar la tecnología digital a la infraestructura de la emisora. Había que completar el círculo en torno a Globovisión para que sus dueños la vendieran. Algunos de los jerarcas del régimen la comprarían por interpuestas personas y Conatel aprobaría, sin contratiempos, la operación. La faena quedaría redondita. No habría que cambiarle el nombre, tal como sucedió con RCTV, que parió ese engendro soporífero llamado TVES, que duerme a la audiencia hasta cuando transmite los juegos de la Vino Tinto.

Consumada la venta comenzó la nueva fase. Durante los primeros días había que mantener la imagen de neutralidad frente al Gobierno. Lo que ocurre es que resulta demasiado cuesta arriba que profesionales que nacieron y crecieron en Globovisión, que le dieron la imagen guerrera que el canal posee, acepten interpretar el papel modosito y asexuado que la nueva Junta Directiva pretende imprimirles a ciertos espacios comprometidos con la denuncia y la crítica de los continuos desmanes de una capa de filibusteros que se entronizó en el poder para enriquecerse y eternizarse. Con Buenas Noches la táctica fracasó. Kico, Carla y, probablemente Roland, no transigieron con esta línea. Pedro Luis Flores se solidarizó con sus compañeros noctámbulos. A Ismael García sencillamente lo botaron. Con el dirigente opositor fueron implacables.

Los nuevos propietarios no podrán transformar Globovisión en una especie de Canal I, desdibujado e insípido, que no transmite emoción porque no está comprometido con ninguna línea editorial definida. Esa “neutralidad” no es posible sostenerla en Venezuela por la sencilla razón de que en el país se está con la defensa de la democracia y la libertad o se apoya el avance del autoritarismo, el comunismo y la subordinación frente a Cuba. Los medios de comunicación forman una parte medular de esa confrontación. El régimen lo entendió desde 1999, aunque solo tomó plena conciencia de su significado luego de los sucesos de abril de 2002.

Chávez, a pesar de las constantes amenazas contra Globovisión, soportó al canal. Podía coexistir en tensión con él porque su liderazgo y su gobierno eran fuertes. Los herederos resultan demasiado débiles, inseguros y paranoides para convivir con una planta de televisión crítica, comprometida con la democracia y con un tipo de periodismo incisivo, que no le hace concesiones a la mediocridad, ni carantoñas al despotismo.

Es temprano aún para saber cuál será el destino de Globo. Seguramente las figuras emblemáticas que todavía quedan no harán concesiones, ni se humillarán. Queda claro que la oposición entró en una fase en la que deberá aprender a desenvolverse si nese amplificador. No es la primera vez que se enfrentan situaciones adversas. Cuando Pérez Jiménez, no existió nunca nada parecido a Globovisión, sin embargo, el tirano cayó. Tampoco en Túnez, Libia o Egipto hubo nada similar a esa heroica estación, y, no obstante, se produjo la Primavera Árabe. No hablemos de la URSS y Europa oriental. En Venezuela no será diferente.

@trinomarquezc