Cine UN HÉROE SOLITARIO EN UN MUNDO DE CAMBIOS

Un hombre observa los cambios que se operan en su país

Los Estados Unidos de América ya no son como antes, obvio. En 1968 cayó asesinado Martin Luther King por defender los derechos civiles de la población de origen africano. Cuarenta años después —nada en términos históricos— el mismo país estrena un presidente negro, que recibió el apoyo de los electores de su raza, de los ciudadanos latinos, de los inmigrantes asiáticos y también de los votantes blancos. Esta situación ilustra los cambios operados en la nación más poderosa del mundo. Ese es el país que observa como director Clint Eastwood, a punto de cumplir 80 años, en Gran Torino, un drama contemporáneo que comienza enfrentando la vieja Norteamérica con la nueva para concluir en el rescate de los valores de su sociedad, en medio de la violencia y el desconcierto.

Edgar Cherubini Lecuna EL LUCHADOR

Thomas Mann, quien le dio un sentido de proeza a la condición humana, afirmó en una oportunidad lo siguiente: “Casi todas las cosas grandes que existen son grandes porque se han creado contra algo, a pesar de algo: a pesar de dolores y tribulaciones, de pobreza y abandono; a pesar de la debilidad corporal, del vicio, de la pasión”. Ésto, a propósito de la proeza del amor y el vano intento de llenar su ausencia, encarnada en el personaje del filme The Wrestler, Randy Robinson, a quien apodaban El Carnero o El Ariete, un perturbado luchador que en los últimos días de su carrera en el espectáculo de la lucha libre intenta sobrevivir al pesado fardo de sus fracasos emocionales, buscando la redención a través de la recuperación del amor. En medio del deterioro físico, debido a una vida desordenada y disoluta, y luego de un infarto, le viene el insight y con éste la conciencia de su vacío, de su incapacidad de amar y ser amado. Un gigante torpe e ingenuo que no se da cuenta de lo absurdo y cínico de su propia situación pues es él quien se ha abandonado a sí mismo, al abandonar a los otros. Escenas que parecen los predicados que escribiera una vez Erica Jong: “¿Quiere usted que yo le diga algo realmente perturbador? El amor es todo esto que usted ha destrozado para poder ser”. Eso es lo que hace que este luchador (Mickey Rourke) comience, aunque tarde, el camino de la construcción del amor, de la búsqueda de una morada en los otros donde amparar el miedo existencial que le produce su inmensa soledad y la conciencia del tiempo.

Cine LA SOLUCIÓN HOMOSEXUAL

Nueva York después del 11 de septiembre de 2001. James y Jamie constituyen una pareja homosexual en crisis. Jamie quiere introducir una tercera persona en la relación y de mutuo acuerdo —”la monogamia es para heterosexuales”, trata de justificarlo James— se ligan a Ceth en un bar de encuentros eróticos llamado Shortbus. Pero antes buscan ayuda de Sofía, una terapeuta sexual —”asesora de pareja”, prefiere ella— que curiosamente nunca ha experimentado un orgasmo, a pesar de que Rob, su marido, presuntamente trata de satisfacerla desde su lejanía afectiva. Por sugerencia de ambos pacientes, Sofía también acude a Shortbus y allí conoce a Severin —quien realmente se llama Jennifer Aniston, como la actriz—, una dominatriz que nunca en su vida ha sido capaz de mantener una relación afectiva. Tales son los personajes de La última parada (“Shortbus”), segundo largometraje de John Cameron Mitchell, cineasta neoyorquino que ha asumido la militancia homosexual en su vida como ciudadano y que la expresa en una película que pretende ser un drama intimista y termina siendo una comedia epidérmica sobre la soledad y la inafectividad. ¿Qué es lo que diferencia este film sobre otros del mismo tema homosexual? En principio, la escenas de sexualidad explícita y, en segundo término, la proclamación de la homosexualidad como única solución para las relaciones amorosas de cualquier ser humano. Dos factores discutibles en los planos estético y emocional.

Cine CODICIA, TRAICIÓN Y VENGANZA

A sus 84 años, Sidney Lumet demuestra por qué es uno de los grandes del cine norteamericano. Antes que el diablo sepa que has muerto constituye una de las expresiones más cabales del cine negro contemporáneo. Se trata de un drama familiar que se desarrolla narrativamente en apenas cuatro días pero que expresa varias décadas del la atroz vida en común de los Hanson, un conjunto de seres disfuncionales que participan en un laberinto de emociones y frustraciones. Muy a lo Shakespeare, el film se construye sobre la base de la codicia, la traición y la venganza hasta constituir un excelente drama, con una magnífica dirección, un sólido guión y tres soberbias actuaciones masculinas. De entrada se las recomiendo ampliamente.